nominacje

Wystawa - Historia Mistrzów. 50 lat ligowego hokeja w Tychach.

Blank Studio

To pierwsza wystawa, podsumowująca ważny – zarówno dla Tychów, jak i polskiego sportu – okres w historii hokeja. Ekspozycja, przygotowana we współpracy z Muzeum Miejskim W Tychach oraz centrum handlowym Gemini Park Tychy, pokazywała hokej jako globalną i atrakcyjną dyscyplinę sportu. Pięć stref tematycznych, rozmieszczonych w różnych częściach centrum , opowiadało o korzeniach tyskiego hokeja, o powstaniu pierwszego sztucznego lodowiska, a także o ważnym obiekcie na mapie miasta – Stadionie Zimowym. Nasza praca obejmowała przygotowanie aranżacji oraz projektów graficzne i wzorniczych dla wszystkich stref tematycznych wystawy. Zmierzyliśmy się bardzo trudną materią: jak sprawić, by materiał muzealniczy, często w niezbyt zadowalającej jakości, przyciągnął uwagę klientów wielkopowierzchniowego sklepu, którzy są atakowani przez krzykliwy materiał graficzny niemal z każdej strony? Jak poradzić sobie z niewielkim budżetem instytucji i zaaranżować ciekawą wystawę? Postawiliśmy na kontrastową, nasyconą kolorystykę (związaną z barwami występującymi na lodowisku hokejowym), nietypowe kształty, przeskalowanie oraz użycie fizycznych materiałów, które nie kojarzą się z centrum handlowym (np. oryginalna siatka bramkarska użyta jako element konstrukcyjny stref wystawy). Dzięki tym zabiegom powstał unikatowy wizualny język, który obejmował: wybór krojów pisma (bardzo rzucające się w oczy: Ferry Black / Letters from Sweden; Perec Ludique Oncle Jacques / Pampa Type), projektowanie elementów graficznych, tworzenie układów typograficznych i wybór materiałów wykończeniowych. Mimo relatywnie niewielkich nakładów finansowych udało się przygotować aranżację, która wpadała w oko klientów sklepu - dzięki czemu treści muzelanicze znalazły nowe, dużo większe grono odbiorców.

#Proj. dla inst. publicznych 

Performance Works

Studio Pyda

Wyobraźcie sobie krowę pozostawioną na cały dzień na plaży Ipanema w Rio de Janeiro, gdzie od przynajmniej stu lat nie widziano żadnego zwierzęcia. Wyobraźcie sobie przyglądanie się z bliska bakteriom piszącym wiersz albo grupie przyjaciół zebranych w barze i popijających sfermentowane napoje. Wszystkie te działania można ująć jednym słowem, które wywołuje silne emocje i prowokuje krytyczne komentarze, a jednak nie poddaje się prostym klasyfikacjom: performans. Antologia Performance Works opiera się na założeniu, że żywą sztukę definiować można wyłącznie poprzez praktykę, co autorzy tekstów wcielili w życie, towarzysząc artystom podczas prób i na scenie, spędzając razem czas i dokonując wspólnej refleksji nad istotą performansu. Publikacja jest zbiorem esejów, zarówno nowych, jak i takich, które już wcześniej ukazały się drukiem, wywiadów oraz tekstów literackich oferujących nowe spojrzenie na performans. Składa się z czterech głównych części, w ramach których fenomenologie performansu badane są w kontekście i z perspektywy instytucji artystycznych, praktyk kuratorskich, formatu wystawy w kontekście zwrotu technologicznego oraz performatywnej fikcji. Definicja performansu uległa w ostatnich dziesięcioleciach zmianie. Celem publikacji Performance Works jest przyjrzenie się przemianom zachodzącym w tradycyjnym formacie wystawy, który traci na znaczeniu, w miarę jak na pierwszy plan wysuwają się formy hybrydyczne, łączące sztuki wizualne ze sztukami performatywnymi, literaturą i muzyką. Autorzy tekstów zamieszczonych w książce analizują zmieniającą się rolę widza, który coraz częściej staje się performerem i aktywnym uczestnikiem zdarzenia. Poddają również refleksji rolę ciała performera oraz pracy wykonywanej w ramach rozciągniętych w czasie wystaw performatywnych. Publikacja prezentuje wyniki badań związanych z zainicjowanym w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie w 2016 roku programem dotyczącym zwrotu performatywnego w sztukach wizualnych oraz konsekwencji tego zjawiska dla instytucji sztuki, praktyk artystycznych oraz kuratorskich. Autorzy tekstów: Oreet Ashery, Pierre Bal-Blanc, Claire Bishop, Marie de Brugerolle, Yann Chateigné, Korina Giaxoglou, Michał Grzegorzek, Shannon Jackson, Eliel Jones, Chris Kraus, Laura Lima, David Maroto, Ingo Niermann, Kathy Noble, Johannes Paul Raether, Mark von Schlegell, Agnieszka Sosnowska, Ana Teixeira Pinto, Transformella, Joanna Zielińska. Redakcja: Joanna Zielińska Projekt graficzny: Krzysztof Pyda Tekst w języku angielskim Format 170 x 240 mm, 272 strony Oprawa miękka ISBN: 978-88-6749-430-9 Wydawcy: Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Mousse Publishing Warszawa 2019

#Proj. dla inst. publicznych 

Gdynia Design Days 2020

Hardziej Studio

Hasło Gdynia Design Days 2020 to „UWAGA”. Organizatorzy festiwalu mają do przekazania wiadomość: chcą zwrócić uwagę uczestników na to, że design jest narzędziem rozwiązywania problemów i na to, że tych problemów jest wokół nas coraz więcej. Bardzo często jednak wiele osób ignoruje wizualne przekazy, ze względu na ich natłok w przestrzeni publicznej. Chcieliśmy aby identyfikacja wizualna tegorocznej edycji, poprzez zastosowanie iluzji optycznej sama zaczepiała ludzi na ulicy (i w internecie), zwracała UWAGĘ, wpływała na ich percepcje. W tym celu Nawiązaliśmy kontakt ze światowej klasy znawcą i twórcą złudzeń optycznych – profesorem Akiyoshim Kitaoką. Iluzja samoistnie wciągała złudzeniem, aby jednak nie potęgować poczucia niebezpieczeństwa, całość osadzona została w przyjaznej i różnorodnej kolorystyce. Przez to, żeby ła to edycja online identyfikacja została obudowana szeregiem animacji. VISUAL IDENTITY & ART DIRECTION: Patryk Hardziej, Ada Zielińska (Hardziej Studio) OPTICAL ILLUSION: ©Akiyoshi Kitaoka 2011 ©KANZEN ANIMATIONS & 3D: Ksawery Kirklewski, Szymon Sawicki GDD GUIDE WEBSITE DESIGN: Patryk Hardziej GDD GUIDE WEBSITE IMPLEMENTATION: Ksawery Kirklewski PRODUCTION / GDD TEAM / PPNT GDYNIA / CITY OF GDYNIA: Paulina Kisiel, Julia Przywara, Ewa Chudecka, Martyna Błaszczyk

#Proj. dla inst. publicznych 

Paderewski – konferencja, wystawa, druki towarzyszące

Podpunkt

W 2019 roku Archiwa Państwowe zorganizowały międzynarodową konferecnję naukowa poświęconą postaci Igancego Jana Paderewskiego. Na zakres prac, który obejmował to zlecenie, składały się: identyfikacja wizualna wydarzenia; oprawa graficzna i współorganizacja międzynarodowej konferencji; projekt architektoniczny, graficzny, multimedialny oraz produkcja wystawy zorganizowanej w nowym skrzydłe Biblioteki m.st Warszawy na ul. Koszykowej; projekty i druk publikacji towarzyszących wydarzeniu. Na powyższy zakres Archiwa Państwowe rozpisały przetarg, który wymagał od Wykonawcy określonych kwalifikacji i doświadczenia; przetarg nie wymagał składania darmowych projektów w ramach postępowania. W ramach przetargu wyłoniony został nasz zespół, którego doświadczenie projektowe i organizacyjno / produkcyjne zostało wysoko ocenione. O sukcesie projektu zdecydowały: – możliwość współpracy z decyzyjnymi reprezentantkami archiwów (w projekcie nie uczestniczył po stronie klienta rozbudowany zespół; nie było decydentów, z którymi nie mogliśmy bezpośrednio współpracować – to bardzo ważne, że projektant współpracował bezpośrednio z osobami decyzyjnymi); – budżet, pozwalający zrealizować jakościowe produkcje (w postępowaniu cena nie była jedynym kryterium wyboru wykonawcy); – zaufanie – klient znał nasze dotychczasowe realizacje i nie bał się realizacji trudnych elementów projektu (m.in wystawy opartej na 5 metrowych kubikach); – krótki, ale precyzyjnie określony harmonogram, który respektowała każda ze stron oraz brak prób zmiany przyjętego na początku projektu key visualu. W instytucjach publicznych pracują osoby, które często charakteryzuje dużą wrażliwość na aspekty estetyczne; które mają wiedzę merytoryczną i doceniają oryginalne pomysły; nie mają marketingowych „ograniczeń”, przez które często trudno wyjść poza schemat. Instytucje publiczne mogą stosować procedury, które umożliwiają realizację jakościowych projektów.

#Proj. dla inst. publicznych 

Grafika zwycięzcy

Chrzanów

Redkroft

Chrzanów to spokojne miasteczko w południowej Polsce, leżące pomiędzy Krakowem a Katowicami. Wielu jego młodych mieszkańców coraz częściej decyduje się na przeprowadzkę do sąsiadujących aglomeracji w poszukiwaniu nowych perspektyw. W ciągu ostatnich 15 lat Chrzanów opuściło blisko 3000 młodych ludzi. W odpowiedzi, władze Chrzanowa postanowiły zareagować i popracować nad uatrakcyjnieniem wizerunku miasta. Zostaliśmy wybrani spośród kilkunastu topowych agencji brandingowych do przygotowania koncepcji komunikacyjnej miasta oraz pełnej identyfikacji wizualnej. W trakcie analizy uznaliśmy, że słabe strony Chrzanowa to silne strony Chrzanowa. Postanowiliśmy pokazać, że Chrzanów ma swój charakter, jest unikatowy, pewny siebie, z poczuciem humoru i dystansem oraz że ma wiele innych zalet, dla których warto tu żyć. Nie próbujemy udowodnić, że Chrzanów jest równie atrakcyjny co Kraków, czy Katowice. Ma jednak dużo wartościowych cech i to o nich chcemy mówić. Promocja miasta w sąsiednich aglomeracjach ma oprzeć się na przekornym obnażaniu minusów życia w wielkim mieście, pokazując Chrzanów jako alternatywę. Przekorny charakter przekazu tkwi w jego budowie. Komunikat składa się z dwóch części – zdania zaczynającego się od “W niektórych miastach...” obrazującego ich wady, oraz stałej części zamykającej będącej kalamburem: “Ja to Chrzanów”. Zdanie pierwsze ma formę pasywną, by uniknąć wskazania którego miasta dotyczy negatywna cecha. Sugeruje jednak, że mowa o mieście, w którym reklama się znajduje. Hasło “Ja to Chrzanów” identyfikuje nadawcę komunikatu jako chrzanowianina. Z drugiej jednak strony określenie to jest brzmieniowo blisko z potocznym “chrzanię to”, w znaczeniu “nie chcę tego”. W ten humorystyczny sposób pokazujemy wady życia w dużym mieście, nie godzimy się z nimi i dajemy alternatywę. Zaprojektowaliśmy nowe, modularne logo miasta. Budowa sygnetu opiera się na geometrii miejskiego herbu oraz kół lokomotywy (odniesienie do Pierwszej Fabryki Lokomotyw w Polsce “Fablok”, będącej historyczną dumą mieszkańców i jednym z najważniejszych skojarzeń z miastem). Pole do interpretacji pozostawiamy jednak otwarte. Symbol zmienia się w przypadku różnych jednostek organizacyjnych. Górna część przyjmuje kształty adekwatne tematycznie do kontekstu. Dolna, “rozpromieniona” część pozostaje elementem stałym. Sygnet jest minimalistyczny w formie, dzięki czemu jest łatwiejszy w odbiorze pośród szumu informacyjnego otoczenia. Litery logotypu są charakterystyczne, nietypowe i pewne siebie; estetyką spójne z geometrią sygnetu. Modularne znaki jednostek podkreślają ich przynależność do miasta. Pracownikom jednostek miejskich zależało na zbudowaniu systemu i pokazaniu mieszkańcom, że miasto ma dużo do zaoferowania i że to, co robi jest spójne - merytorycznie i wizualnie. Jednocześnie celem było zachowanie i podkreślenie odrębności tematycznej obszarów działalności - każda jednostka ma własny sygnet i kolorystykę przypisaną danej kategorii: kultura, zdrowie, sport i edukacja. W temacie doboru typografii identyfikację oparliśmy o krój Founders Grotesk zaprojektowany przez Klim Type Foundry. Founders Grotesk jest współczesnym krojem doskonale przystosowanym do aktualnych wymogów mediów. Charakteryzuje się finezją i prostotą formy oraz wysoką czytelnością. Dodatkowo w akcydensach stosowany jest Crimson Italic, krój szeryfowy, który miękkimi liniami przełamuje geometrię podstawowej typografii. Kontrast ten czyni akcydensy przyjemniejszymi w odbiorze i dodaje elegancji geometrycznym layoutom. Charakter typografii hasła “Ja to Chrzanów” odzwierciedla beztroskę i swobodę. spójną z jego ideą. Materiały zwracają na siebie uwagę stylem, który odważnie wykorzystuje zmienną szerokość i pochyłość kroju pisma. Zabiegiem tym odchodzimy od powszechnie przyjętych standardów formalnej, urzędowej dokumentacji i wprowadzamy atmosferę bliższą mieszkańcom. Kolorystyka marki ograniczona jest do oficjalnych barw miasta: bieli, czerni i czerwieni. Barwy dodatkowe dedykowane są jednostkom organizacyjnym i związanych z nimi kategoriom działalności – edukacji, sportu, kulturze i służbie zdrowia. Wszystkie jednostki miasta (jak np. Biblioteka, Muzeum, czy Pływalnia) i wydziały Urzędu Miejskiego korzystają z jednakowego klucza wizualnego. Pomiędzy sobą różnią się one kolorystyką (zależnie od dziedziny tematycznej) i sygnetem. Dzięki temu tworzenie materiałów ma być prostsze, tańsze a przede wszystkim nośniki będą czytelniejsze dla mieszkańców. Wraz ze zmianą identyfikacji herb Chrzanowa wymagał dostosowania do aktualnych standardów wizerunkowych miasta. Pierwotny projekt wektorowy powstał wiele lat temu i z upływem czasu plik źródłowy stał się nieużyteczny przez nanoszone zmiany i błędy wynikające z użycia przestarzałego oprogramowania. Odtworzenie herbu wymagało zaprojektowania go od zera w oparciu o źródło i sztywne wytyczne. Poprawiliśmy detale, konstrukcję, kolory. Oczyściliśmy ze zbędnych elementów graficznych. Poprawiliśmy projekt herbu technicznie i uzyskaliśmy odpowiednią równowagę. Przygotowane dwie wersje – podstawowa i achromatyczna – pozwalają stosować herb na wszelkiego rodzaju nośnikach. Dzięki temu spełnia on wymogi funkcjonalne i estetyczne w oficjalnych dokumentach, materiałach promocyjnych, dekoracjach ściennych i innych. Identyfikacja Chrzanowa jest elastyczna. Składa się z dwóch kierunków – formalnego i nieformalnego – łączonych ze sobą w różnym stopniu w zależności od potrzeb i kontekstu. W przypadku komunikacji formalnej skoncentrowaliśmy się na funkcjonalności, więc język wizualny jest stonowany, a ilość niestandardowych zabiegów minimalna. W przypadku komunikacji nieformalnej zdecydowaliśmy się eksperymentować z formą i typografią. W większości materiałów staraliśmy się przeplatać obydwa kierunki, nadając marce Chrzanowa charakter pewny siebie, szanujący zasady, a zarazem pozwalający sobie na umiejętne odchodzenie od nich. Przygotowaliśmy łącznie kilkadziesiąt różnych materiałów identyfikacji wizualnej. Każdy z nich musiał być zaprojektowany, przygotowany i opisany tak, aby mogła dalej pracować na nim nawet osoba niebędąca projektantem. Wzory dokumentów, prezentacji i innych dostosowane zostały do potrzeb pracowników instytucji. Każdy z nich musi efektywnie posługiwać się nowymi narzędziami zgodnie z ustalonymi zasadami marki, aby identyfikacja miasta pozostała spójna i nienaruszona przez lata. Oprócz promocji miasta w jego otoczeniu opracowana przez nas mechanika hasła “Ja to Chrzanów” będzie wykorzystywana na nośnikach i materiałach dla mieszkańców jako platforma komunikująca wartości miasta slow life. Przykładowo na torbie zobaczymy hasło: “W niektórych miastach torebkę dobiera się do butów. Ja to Chrzanów.” Zaś na papierowym kubku: “W niektórych miastach jest pełno plastików. Ja to Chrzanów". Wszystkie zasady opisuje Księga Identyfikacji Marki. Ten ponad 100-stronicowy dokument opracowaliśmy jako narzędzie codziennej pracy dla osób odpowiedzialnych za promocję miasta oraz komunikowanie wszystkich aktywności poszczególnych instytucji. Wyznacza zasady użycia logo i herbu, opisuje budowę i sposób tworzenia materiałów.

#Proj. dla inst. publicznych 

TOFU Studio / branding

TOFU Studio

Ponieważ od 10 lat nie możemy poradzić sobie z własną stroną WWW, aby rozpocząć ten proces przygotowaliśmy nasz autorski branding: TOFU. W zalożeniu jest to kombinacja, która z jednej strony ma pokazać naszą nieszablonową kreatywność, z drugiej zaś iż mamy odpowiednie umiejętności. Chcieliśmy własnym brandingiem podkreślić, że tworzymy rzeczy mocno niestandardowe i elastyczne. Znak dodatkowo dekoduje nasz sposób myślenia o relacjach z Klientem. * T w fomie krzyżyka oznacza, że jesteśmy zawsze "in plus", czyli do przodu * O w formie punktu / kropki, że trafiamy w punkt, * F w formie dymków dialogowych, że potrafimy rozmawiać, * U w formie uśmiechniętej buźki, że projekty wspólnie kończymy z uśmiechem :) Znak wspiera dość nieprzewidywalny w formie i bardzo elastyczny Key Visual. Dodatkowo przygotowaliśmy animację prezentującą walory estetyczne nowego logo. ZESPÓŁ: Art: Adam Chylinski Design & Motion: Adam Chyliński Muzyka: Stendek Disturb: Daniel Naborowski

#Forma 

“Bez tytułu” Jakub Czyszczoń

Studio Pyda

Książka jest pierwszą monograficzną publikacją dokumentującą pracę artystyczną Jakuba Czyszczonia, złożona z reprodukcji prac wizualnych oraz fragmentów wystaw i instalacji. Poszerzona w znaczący sposób o teksty Jagny Lewandowskiej, Michała Lasoty, Jennifer Teets oraz Jakuba Bąka i zaprojektowana przez Krzysztofa Pydę. Wydana w 2020 roku przez galerie STEREO (Warszawa) oraz ERMES-ERMES (Rzym) Teksty w wersji angielskiej i polskiej 208 stron [Arctic Volume White 130g], 210 x 270 mm w miękkiej oprawie Ota-Bind [235g + obwoluta na papierze Arctic Silk 130g] wyprodukowana w całości w Polsce ISBN: 978-83-955422-0-0 „Proces twórczy Jakuba Czyszczonia angażuje nie tylko jego własną pracę: manualną i konceptualną, ale również organizacyjną, dzięki której zostaje uruchomiony szereg czynników techniczno-chemicznych, o pewnym zakresie autonomii, których efekty są nie do końca przewidywalne. Artysta sukcesywnie wprowadza zmiany i modyfikacje w trybie seryjnego systemu replikacji obrazów, dlatego o jego praktyce należy mówić, że raczej mutuje i ewoluuje niż podlega programowemu rozwojowi. Kolejne obrazy są starannie wypracowanymi wielowarstwowymi, nieuporządkowanymi układami barwnymi, w których obce substancje zostają stopione i utrwalone w swobodnym stanie rozpadu. Ta malarska praktyka w swoich efektach bardziej przypomina erodowanie niż komponowanie, zdaje się być odwrotnością konstruowania. W żaden sposób nie jest to kontrolowany przypadek, raczej konsekwentne narastanie ruin. Nie jest to też dekonstrukcja medium, wręcz przeciwnie, zaniechanie obrazowania nie przekreśla malarskości, mimo że panowanie farby nad powierzchnią jest dalekie od tryumfalnego, a siła wydarzenia malarskiego nie jest pochodną dominującej roli podmiotu. Głównym bohaterem jest tu sukcesywne pojawianie się, wyzwalanie i organiczne wyłanianie detalu oraz nadrzędnego przebiegu fakturowych mikro zaburzeń całości. Co więcej nie jest to malarstwo abstrakcyjne, wręcz przeciwnie. Wszystko zdecydowanie wchodzi w ścisłe relacje z otoczeniem. Jest w pełni materialne, głęboko osadzone w aktualnej sytuacji, w której ukryte stany rzeczywistości ujawniają się, jakby wzięto z nich odlew lub odciśnięto je na powierzchni płótna”. Fragment tekstu Jakuba Bąka „Powtarzające się przypadki” Autorzy: Jakub Bąk, Michał Lasota, Jagna Lewandowska, Jennifer Teets Książka powstała dzięki wsparciu stypendium „Młoda Polska” przyznawanym przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego

#Proj. dla inst. publicznych 

Samsung – Zmień spojrzenie

Seyfried Studio

Plakat Samsung Galaxy S20– zmień spojrzenie. Zmień Spojrzenie to kampania promująca najnowszy smartfon Galaxy S20. Głównym bohaterem jest Wojtek Sokół, który po raz kolejny promuje flagowy smartfon Samsung. W tej kampanii ponownie przedstawimy 3 historie z Wojtkiem, które pokażą jego kreatywne spojrzenie na świat. To kreatywne spojrzenie jest oczywiście wspomagane przez fotograficzne możliwości Galaxy S20 Ultra. Plakat był elementem teasującym start kampanii oraz udział Sokoła. Został wysłany do najważniejszych redakcji w Polsce. Wizja plakatu Plakat wykonany w technice, w której pewne szczegóły widoczne są tylko przez kolorowe szkiełka oraz w formule zbliżonej do książek, w których trzeba znaleźć pewne elementy na stronie. Każda z 3 warstw kolorystycznych odwołuje się bezpośrednio do historii z kolejnych 3 filmów. Plakat powstał również w formie animowanej. Projekt zrealizowany we współpracy z agencją d*fusion communication.

#Forma 

System informacji wizualnej w biurze The Software House

Blank Studio

Mieszczące się w Starym Urzędzie Pocztowym w Gliwicach biura firmy The Software House, są wyjątkowe pod każdym względem. Dzięki wystrojowi wnętrza, naturalnym materiałom, wszechobecnej zieleni oraz panującej tam swobodnej atmosferze zostało ono uznane za najlepszą przestrzeń do pracy przeznaczoną dla branży IT w konkursie Office Superstar 2018. Rozpoczynając zlecenie mieliśmy nadrzędny cel - wpisać się w te przyjazne dla pracownikowa otoczenie. Dlatego bardzo ważnym było opracowanie idei, która wpasowałaby się w klimat firmy. Pierwszym aspektem, o który zadbaliśmy w trakcie projektowania wizualnych komunikatów było założenie, by nie zdominowały one architektury wnętrz. Przywiązywaliśmy wagę także do tego, by system nawiązywał do przyjacielskiej atmosfery, jaką tworzy firma – dlatego z dużą uwagą słuchaliśmy sugestii Inwestora. Nadrzędnym celem stało się przygotowanie takiego sposobu oznakowania biura, aby był on przyjazny, zabawny i zachęcał do interakcji pomiędzy pracownikami. Zdecydowaliśmy się na nawiązanie kolorystyczne do architektury wnętrz (czerń, sklejka), dobranie czytelnego kroju pisma, zaprojektowanie mapy budynku oraz przygotowanie autorskiego zestawu piktogramów, których kształt nawiązywał do codziennego nazewnictwa, jakie nadawali poszczególnym przestrzeniom sami pracownicy. (Koteł, Okneł, Iluminateł, itp.). Opracowaliśmy także oryginalny zestaw nośników informacji, które umożliwiają użytkownikom manualną interakcję (tabliczki z prostym modułem informacji o zajętości pomieszczenia, którą można zmienić poprzez proste przesunięcie elementu tabliczki - i odkrycie zabawnych zmian, które pojawiają się w prezentowanym na niej piktogramie). Przygotowany zestaw piktogramów jest unikatowy - każdemu ze wspólnie użytkowanych pomieszczeń przypisano 2 ikony - jedną sugerującą, że pokój jest pusty, drugą, że ktoś jest aktualnie w środku i należy zaczekać na zwolnienie pomieszczenia. Prosta przesuwna tabliczka umożliwia zmianę tego statusu. Dzięki bardzo prostym, minimalistycznym i tanim materiałom udało uzyskać się efekt, który odpowiedział na potrzeby Inwestora - system działa, skłania do zabawy i większej integracji pracowników.

#Idea 

THE SHIMMERING PULSE

panGenerator

Kinetyczna “inforzeźba” na lotnisku w Shenzhen. The Shimmering Pulse to najnowsza interaktywna “inforzeźba” panGenerator, umiejscowiona na lotnisku Bao’an w Shenzhen - 13 milionowej chińskiej metropolii będącej centrum technologicznym tego kraju. Projekt składa się z 451 autorskich kinetycznych modułów, zaprojektowanych od podstaw na potrzeby tej realizacji, zaaranżowanych na powierzchni heksagonalnej struktury o średnicy 4m. Każdy z modułów indywidualnie reaguje na światło rzucane z projektora umieszczonego powyżej, dzięki czemu możliwa jest precyzyjna synchronizacja wszystkich elementów i animacja całej powierzchni. Światło przekładane jest na ruch obrotowy dysków, które wirując rozwierają się dzięki sile odśrodkowej, ujawniając subtelnie opalizujące wnętrze kontrastujące z czarną powierzchnią obiektu. Rzeźba w abstrakcyjny sposób reprezentuje zmieniające się w ciągu dnia natężenie ruchu w 9 dzielnicach Shenzhen dzięki danym dostarczanym w czasie rzeczywistym przez Tencent - mecenasa projektu i największą korporacje IT w Chinach. Inspiracją jaka towarzyszyła artystom z panGenerator była estetyka stadnych, emergentnych zachowań zwierząt - lśniących ławic ryb i stad ptaków (tzw. murmuracja) w których indywidualne zachowania poszczególnych osobników przekładają się na spójną i dynamicznie zmieniającą się formę całości - podobnie jak indywidualne zachowania mieszkańców miast tworzą zsynchronizowane wzorce ruchu i specyficzny puls całego miasta. Projekt jest kolejnym z serii działań grupy, które redefiniują pojęcie współczesnej rzeźby (poprzedni - SYMULAKRA był wirtualną, trójwymiarowa formą wyświetlaną na wielkim ekranie cyfrowym na pl. Unii Lubelskiej) i wprowadzaniem sztuki nowych mediów w przestrzeń publiczną.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

Głośni w łóżku, plakat

barrakuz

Koncepcja plakatu do interpretacji przez użytkownika. Kampania „Głośni w łóżku” zainicjowana przez Durex w czerwcu miała zachęcić do wspólnych poszukiwań, odkrywania przyjemności i swobodnej rozmowy o seksie. Jestem w tym projekcie strażniczką niejednoznaczności i niedopowiedzeń - Od początku stworzyć projekt, który będzie subtelny, ale i dynamiczny jednocześnie. Taki, który nie zna płci, a zachęca do zabawy formą. Uwielbiam ukrytą zmysłowość, to jest coś pięknego i chyba to właśnie ona była dla mnie największą inspiracją. Następnie dopiero pojawiły się w tym kontekście stare fotografie, archiwalne druki, kolejno skanowane i kształtowane przeze mnie. Kształty też nie są zupełnie losowe. Bardzo chciałam, żeby plakat, mimo „głośnego” tematu, był subtelny, kultywował dotyk, był ciepły. Kolaż możecie uzupełnić wedle własnej inwencji za pomocą dodatkowych kształtów i słów dołączonych do zestawu. — Celem było zrobienie takiego projektu, który będzie żył w rękach odbiorców, czegoś, co będą mogli stworzyć sami, zbudować tę bliskość elementów i kształtów po swojemu. DLATEGO plakat składa się z bazy – oraz naklejek, do samodzielnego uzupełnienia i osobistej interpretacji tematu bliskości. Dodatkowo wraz z marką DUREX powstały transparentne naklejki z konkretnymi napisami, również do umieszczenia na plakacie. Reasumując – jest to w pełni customowy projekt – pozostawiony wyobraźni odbiorcy. W formacie B2 w super jakości.

#Idea 

36 Days of Type 2020

Karol Tomoki Yamazaki

Popularny challenge 36 Days of Type jest dla mnie coroczną okazją do, z jednej strony, zabawy z formą znaków i szukaniem granic ich czytelności, a z drugiej, eksploracji i definiowania własnego stylu. W tym roku postanowiłem ograniczyć paletę kolorystyczną do minimum i poszukać ciekawych form w tradycyjnym, płaskim projektowaniu. To, czego nie przewidziałem, to jak bardzo rok 2020 i jego nieprzewidywalność wpłynie na rozwój projektu. W miarę jak pandemia zaczęła się rozgaszczać w otoczeniu i stało się jasne, że jej surrealistyczna codzienność zostanie z nami na długi czas, zauważyłem, że trudno mi traktować projekt jako czyste rekreacyjne ćwiczenie, a rzeczywistość sama zaczęła wkradać się do rysunków. Z czasem projekt przybrał postać umownego wizualnego dziennika, za pomocą którego na żywo przerabiałem myśli i emocje towarzyszące przystosowywaniu się do nowych realiów.

#Forma 

To musiała zrobić dziewczyna – publikacja

Ada Zielińska

„To musiała zrobić dziewczyna”, to książka zrealizowana w ramach dyplomu magisterskiego na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku na wydziale Grafiki w Pracowni Projektowania dla Kultury, którą miałam możliwość projektować pod okiem profesora Janusza Górskiego oraz mgr Joanny Czaplewskiej. Publikacja prezentuje zbiór okładek zaprojektowanych przez kobiety w latach 1952–1989 w wydawnictwie Iskry. Oprócz ogromnego dorobku projektowego, który udało mi się zebrać, zreprodukować i opisać, publikacja zawiera również rozmowy, które przeprowadziłam z Wiesławem Uchańskim prezesem wydawnictwa Iskry oraz Krystyną Töpfer – naczelnym grafikiem Iskier w latach 1975–2001. Praca ma na celu pokazanie dorobku projektantek okresu PRL oraz przedstawienie realiów pracy w wydawnictwie. To pierwsze tego typu opracowanie (niebędące monografią pojedynczej autorki), skupiające się na prezentacji dorobku kobiet w dziedzinie projektowania okładek książek tamtego okresu. Publikacja pozwala również obalić mit o tym, że kobiet w polskim projektowaniu graficznym okresu PRL było niewiele. Mnie udało się dotrzeć do ponad 90 nazwisk kobiet – projektantek, przeszukując zaledwie jedno archiwum. W książce prezentuję 86 okładek zaprojektowanych przez 41 kobiet. Publikacja jest wstępem do większego opracowania, nad którym aktualnie pracuję. * tytuł książki „To musiała zrobić dziewczyna”, to cytat z rozmowy z Krystyną Töpfer.

#Świeża krew 

Grafika nagrodzonego

Barbara Hoff. Polskie Projekty Polscy Projektanci

Grupa Projektor

Wystawa "Barbara Hoff. Polskie Projekty Polscy Projektanci" Muzeum Miasta Gdyni odsłona pierwsza: 6.07–20.10.2019 odsłona druga: 27.10.2019-9.02.2020 Projekt identyfikacji wizualnej wraz z projektem towarzyszącego wystawie katalogu Key visual: linie proste + koła Na potrzeby ramy graficznej wyodrębnione zostały elementy wizualne, zaczerpnięte z opraw pokazów mody Hofflandu, dostrzegalne w layoucie tygodnika Przekrój oraz obecne na poziomie tkanin wielokrotnie wykorzystywanych w realizacjach projektantki w ciągu kilku dekad. Sprowadzają się one do podstawowych środków graficznego wyrazu – linii i kół. System oparty na tych elementach znalazł swój wyraz w materiałach promocyjnych, oprawie graficznej oraz aranżacji wystawy. Kolorystyka: czerń + biel Motywem przewodnim identyfikacji wizualnej ekspozycji jest wiodąca w działalności projektowej Barbary Hoff czerń oraz ogólne upodobanie projektantki do monochromatyczności i prostoty. Logotyp: grotesk o zwiększonym kontraście w układzie nawiązujący do historycznego znaku Hofflandu Wszechobecność charakterystycznego podpisu Hoff w opowiadanej na ekspozycji historii, determinowała potrzebę zaprojektowania logotypu na potrzeby samej wystawy. W tym celu nie wykorzystano historycznego fontu typowego dla Hofflandu, ale odwołano się do jego charakterystyki. Plakat / Materiały promocyjne: Zaprojektowany motyw graficzny nałożony na surowy materiał zwraca uwagę na proces, wiwisekcję pracy projektanta mody. Katalog wystawy: Format: 240 × 330 mm Objętość: 224 strony Oprawa: twarda z obwolutą Kolorystyka identyfikacji wizualnej znalazła swoje odbicie w katalogu wystawy. Format katalogu w przybliżeniu odpowiada charakterystycznym wymiarom archiwalnych numerów tygodnika Przekrój. Starannie wypracowane proporcje elementów layoutu, typografia, ilość wolnej przestrzeni, dbałość o detal i dobór materiałów umiejscawiają projekt pomiędzy magazynem a eleganckim katalogiem modowym.

#Proj. dla inst. publicznych 

LEGENDY / kalendarz

TOFU Studio

Od 2013 roku staramy się przygotowywać rokrocznie charytatywną publikację, której celem jest wsparcie wizerunkowe wybranej przez nas fundacji. Do tej pory powstały: 2013 / Kalendarz ETNO dla Fundacji Hospicyjnej 2015 / Kalendarz BAJKI dla Pomorskiego Hospicjum dla Dzieci 2016 / Kalendarz DINOZAURY dla Fundacji Zdążyć z Pomocą 2017 / Kalendarz ROBOTY dla Fundacji Krwinka 2019 / Kalendarz MIKRO / MAKRO dla Fundacji Dajemy Dzieciom Siłę 2020 / Kalendarz LEGENDY dla UNICEF Polska Wszystkie projekty powstają w studiu w 100% charytatywnie. Druk i produkcja jest sponsorowana w całości przez podmioty zewnętrzne. Docelowo przekazywanych jest przez nas konkretnej fundacji 300 - 350 sztuk wyprodukowanego, ręcznie numerowanego i zapakowanego kalendarza. Fundacje wykorzystują te materiały sprzedając je na aukcjach i pozyskując w ten sposób środki, lub przekazując w podzięce swoim donatorom. Tym razem podobnie jak w latach ubiegłych, TOFU przygotowało ręcznie numerowany kalendarz poświęcony UNICEF Polska, która to organizacja jest dobrze znana ze swojego zaangażowania w pomoc dzieciom na całym świecie. Nasza praca koncentrowała się na podkreśleniu i pokazaniu elementów kultury czterech krajów, w których UNICEF ma programy pomocowe. Chcieliśmy podzielić się starymi historiami, legendami i pokazać wyjątkowość i piękno regionów wspieranych przez UNICEF, ponieważ nie są one zbyt dobrze znane w Polsce. HONOROWY PATRONAT: UNICEF Aby rozpocząć projekt, musieliśmy uzyskać zgodę i patronat od UNICEF Polska. Skontaktowaliśmy się z nimi, podzieliliśmy się naszym pomysłem, kilkoma szkicami i oczekiwaliśmy na decyzję. Finalnie otrzymaliśmy honorowy patronat i oficjalne oświadczenie w którym UNICEF Polska zgodziło się wziąć udział w projekcie. KALENDARZ: Główną ideą kalendarza było pokazanie legend z Syrii, Sudanu, Nigru i Jemenu w wyjątkowej i atrakcyjnej formie. Najpierw, znaleźliśmy i wybraliśmy 12 starych historii z tych regionów i przygotowaliśmy je od strony copywriterskiej. Następnie je zilustrowaliśmy. Finalnie każda karta zawiera ilustrację wybranej afrykańskiej lub arabskiej legendy z konkretnego regionu. Ta sama legenda została również dołączona do każdej karty jako ulotka z całą historią w formie opisowej. Każdą ulotkę z daną legendą można również w bardzo prosty sposób oddzielić od kalendarza. Dodatkowo ostatnia strona kalendarza ma formę wysztancowanego i składanego pudełka, w którym można przechowywać wszystkie 12 legend oddzielonych od kalendarza. MASKA: Okładkę kalendarza można także wykorzystać jako maskę do samodzielnego ozdobienia ściany. STRONA INTERNETOWA: W ramach tego projektu nagraliśmy i przygotowaliśmy legendy z lektorem w studiu nagraniowym. Wszystkie ilustracje, pliki nagrane w języku polskim i legendy w formie opisowej można znaleźć na dedykowanej stronie internetowej: http://www.the-legends.pl/ YOUTUBE: Dodatkowo umieściliśmy wszystkie nagrane legendy w postaci zaślepek w języku polskim na youtube do bezpłatnych odsłuchów. ZESPÓŁ: 1: ADAM CHYLIŃSKI, Koncept, Art Direction 2: DANIEL NABOROWSKI, Koncept, Fundrasing, Project management 3: PAULINA KOZICKA, Art Direction, Ilustracje, web design, zaślepki 4: ALEKSANDRA MOKWA - KAŁUGA, Copywrite 5: ANNA LEWANDOWSKA, Konsultacje / UNICEF Polska 6: AGNIESZKA PAWLIK - KUFEL, Konsultacje / UNICEF Polska 7: ADRIAN SAMSELSKI, Design support 8: KSAWERY KIRKLEWSKI, Web development 9: PATRYK HENNING, Web development 10: URSZULA ABUCEWICZ, Korekta 11: PAWEŁ MORWCZYŃSKI, Print Manager / druk / NORMEX 12: MAŁGORZATA BRAJNER, Lektor / Teatr Wybrzeże 13: PAWEŁ ŻWAN, Nagrania / Tercja Studio 14: SEBASTIAN MAĆKOWSKI, Support / Bałtycki Instytut Technologiczny

#Impakt społeczny 

Kreatywna Integracja, warsztaty dla seniorów – opracowanie wydawnicze

julia kazimierska

Kreatywna Integracja jest szansą dla seniorów, by mogli wspólnie działać i zawrzeć nowe znajomości. Celem długofalowym jest zwalczenie ich samotności i stworzenie grupy, w której mogą czuć się dobrze. Bez rywalizacji, bez strachu, że czegoś nie umieją. Proste zadania zawarte w książce mają na celu przybliżyć każdemu uczestnikowi możliwości jakie niesie ze sobą działalność artystyczna. To, że mogą siebie wyrażać w dowolny sposób, widząc przy tym zupełnie różne punkty widzenia swoich kolegów. Publikacja składa się dwóch części, które różnią się od siebie stylem prezentacji. Pierwszy egzemplarz jest bardziej techniczny, kolorystyka monochormatyczna. Wewnątrz znajdują się scenariusze podzielone na dwa etapy: przygotowanie do warsztatów + lista oraz oś z opisem zajęć. To seniorzy nadają kolorytu przez swoje działania. Część pierwsza stanowi pewną ramę, która jest w trakcie zajęć wypełniana, a wynikiem są prace seniorów zamieszczone w części drugiej. Instrukcje mojego autorstwa są wykonane odręcznie. Chciałam w ten sposób przedstawić element ludzki, fakt, że zajęcia zostały zaprojektowane i wykonane przeze mnie. Baza teoretyczna to definicje przydatnych informacji, nazewnictwa funkcjonującego w świecie wizualnym i językowym, a także tablica znaków wykonana na podstawie książki „Człowiek i jego znaki” Adriana Frutigera, która jest fundamentem przy budowie znaków graficznych. Ostatni element stanowią szablony. Zajmują całą rozkładówkę, by bez problemu odbiorca mógł ją zeskanować i następnie wydrukować. Druga książka: Kreatywna Integracja - dziennik warsztatowy, zawiera opisy do zajęć z ilustracją - ikoną, która stanowi odpowiedź na część pierwszą, wykonaną również odręcznie; komentarze, osobiste przemyślenia, prace seniorów oraz zdjęcia z zajęć. Opisy i komentarze przygotowałam na dwa sposoby. Pierwszy z nich to tekst, który wygenerowałam używając tekstu złożonego komputerowo, drugi napisany odręcznie. Zależało mina podkreśleniu wad i zalet jako subiektywnej wypowiedzi. Jedynym elementem kolorowym w obu opracowaniach są prace seniorów. Jak już wcześniej nakreśliłam to prace seniorów są najważniejsze. Ich ekspresja i kolorystyka odgrywa znaczącą rolę. Pozostałe elementy stanowią ramę, tło dla projektów seniorów, dotyczy to również zdjęć. Warsztaty realizowane w ramach Kreatywnej Integracji odbyły się: luty 2020 - marzec 2020

#Świeża krew 

Fabrado

Studio Otwarte

Fabrado to nowatorska, wyróżniająca się prostotą działania i obsługi aplikacja, wspomagająca zarządzanie chmurą prywatną i hybrydową. Zarządzanie, backup, przenoszenie maszyn wirtualnych pomiędzy odległymi lokalizacjami jest maksymalnie proste i sprowadza się do kilku kliknięć. Przy tym – to własny, autorski pomysł współwłaściciela innej, większej marki e-commerce, który postanowił stworzyć produkt na własnych zasadach, odrywając się od ograniczeń towarzyszących mu na co dzień w prowadzeniu biznesu. Tak samo postanowił uwolnić od ograniczeń projekt graficzny i z entuzjazmem powitał pomysł na radykalny, czarno-biały, geometryczny projekt ,który prostotą i minimalizmem wyróżni Fabrado na tle konkurencyjnych rozwiązań. Oprawa graficzna w założeniu ma odrywać się od popularnych w branży informatycznej trendów, dając znać, że Fabrado to coś tak nowego, że nawet nie ma co próbować porównywać go do innych dostępnych na rynku rozwiązań. Projekt objął branding produktu oraz key visual, który był podstawą do stworzenia interface i komunikacji tego innowacyjnego rozwiązania. Opracowaliśmy nowy język wizualny marki, redesign logo, storytelling. Projekt objął też audyt i zmiany w UI/UX, interfejsie aplikacji i stronie www.

#Forma 

Grafika zwycięzcy

Seria opakowań dla Bydgoszczy

Karolina Gdaniec

Przedmiotem mojej pracy było zaprojektowanie opakowań promocyjnych dla Bydgoszczy. Zestaw składa się z głównego opakowania – Bydboxu, który mieści w sobie produkty regionalne związane z miastem, takie jak: praliny, mydła, piwa rzemieślnicze i krówki. Dodatkowo zawiera pocztówkę, mapę miasta, maseczkę ochronną oraz bawełnianą torbę. Bydbox występuje zarówno w podstawowej wersji, która zawiera jeden egzemplarz z wymienionych produktów jak również w wersji spersonalizowanej. Pomysł zaprojektowania „Pakietu z Bydgoszczy” powstał pod wpływem chęci ulepszenia i uspójnienia wizerunku miasta oraz stworzenia produktów, które będą nośnikami promocji i identyfikacji miasta. Celem projektu jest również zachęcenie przyjezdnych gości do odwiedzenia miejsc, z których pochodzą dane produkty, jak również zobaczenia tych, które w ilustracyjny sposób zostały przedstawione na opakowaniach. Głównym motywem występującym w identyfikacji jest, fala. Nawiązuje ona do wodniackich tradycji miasta jak również jego atrakcyjnego położenia geograficznego, pomiędzy dwoma rzekami: Wisłą i Brdą oraz Kanałem Bydgoskim. To właśnie wzdłuż rzeki Brdy toczy się codzienne, kulturalne i biznesowe życie miasta. Opakowania zostały przygotowane w taki sposób aby były jak najbardziej funkcjonalne, łatwe i szybkie w składaniu, użyciu jak i w późniejszym transporcie. Zależało mi na zaprojektowaniu atrakcyjnej, ale jednocześnie prostej formy, której proces wytwarzania byłby na tyle prosty aby mógł zostać później wdrożony przez władze miasta. Opakowania można w łatwy sposób spłaszczyć i złożyć, co korzystnie wpływa na przechowywanie i transport.

#Świeża krew 

Hopium

Paweł Stasiewicz

Projekt identyfikacji wizualnej browaru rzemieślniczego Hopium Rynek piwa rzemieślniczego przez ostatnie 5 lat bardzo się zwiększył. Rokrocznie przybywają setki nowych browarów z bardzo różnorodną ofertą na wysokim poziomie. Oczywiście nie wszystkie się utrzymują. Znakomita większość funkcjonujących marek posługuje się bardzo wyrazistą, kolorową estetyką, nierzadko wykorzystując szeroko rozumianą ilustrację. W tym kontekście nadrzędnym zadaniem przy projektowaniu identyfikacji wizualnej Hopium było „wywalczenie miejsca” na półkach sklepowych. Zdecydowaliśmy się zastosowanie rozwiązań będących przeciwieństwem dominującej estetyki. Postawiliśmy na ascetyczną typografię i monochromatyczne etykiety, które kolorystyką nawiązują do stylu piwa, zastosowanych dodatków w procesie warzenia., itp. I tak, piwa mocno chmielone utrzymane są w gamie zielonej, a piwa z dodatkami, kolorem nawiązują do użytych owoców. Ograniczyliśmy też, do niezbędnego minimum, ilość informacji na etykietach. Integralną częścią projektu było stworzenie nazw poszczególnych piw, które tak, jak w przypadku kolorystyki, nawiązują do stylu, bądź dodatku do piwa.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

Co to typo? Książka dla dzieci o literach

Maria Gumulak

Praca przybliża tematykę szeroko pojętej typografii. Publikacja zawiera część merytoryczną wraz z praktycznymi ćwiczeniami. Przeznaczona dla dzieci w wieku 7–9 lat. Jest to przejściowy okres w życiu człowieka, w którym następuje zmiana trybu nauki z przedszkolnego, dlatego ważne jest, aby materiały z jakich korzystają dzieci nie zniechęcały ich, a uczyły poprzez zabawę. W grudniu 2019 roku zostały przeprowadzone warsztaty z udziałem dzieci, gdzie przetestowano wcześniej zaprojektowane prototypy zadań i ogólną reakcję dzieci na poruszane zagadnienia. Ideą projektu jest rozpowszechnianie wiedzy na temat typografii i liter wśród dzieci i ich rodziców. Książka wprowadza młodego czytelnika w tematykę publikacji rozdziałami „Komunikacja” oraz „Skąd się wzięły litery”. W kolejnych rozdziałach zostały poruszone tematy: co to jest litera, znaki diakrytyczne, alfabet, czcionka i font, krój pisma, rodzaje krojów pisma, odmiany liter oraz typografia. Wszystkie te zagadnienia opatrzone są tytułami zachęcającymi dzieci do sprawdzenia, co znajduje się w środku każdego z nich. Kolejną częścią publikacji jest wytłumaczenie, czym różni się typograf od projektanta krojów pisma. Przeprowadzono również wywiady z przedstawicielami tych grup: Kubą Sowińskim i Maciejem Połczyńskim. Ostatnią częścią są przykłady fontów opatrzone ilustracjami z ich wykorzystaniem. Do warstwy graficznej i typograficznej zostało użytych 6 krojów pisma: TT Commons, Agrandir, Maruder, Brygada 1918, Fivo Sans Modern oraz Airo. Część liter autorka wykonała samodzielnie, aby pokazać ich różnorodność. W publikacji został zastosowany otwarty grzbiet, umożliwiający łatwe i wygodne rysowanie po książce stosownie do jej treści i grupy docelowej. Wymiary to: 200 x 258 mm. Książka została zakwalifikowana do konkursu Książka Dobrze Zaprojektowana.

#Świeża krew 

Zawołani po imieniu

zespół wespół

Projekt wystawy czasowej w nowej placówce Instytutu Pileckiego na Krakowskim Przedmieściu w Warszawie. Ekspozycja dotyczy historii Polaków zamordowanych za pomoc udzielaną prześladowanym w czasie II wojny światowej Żydom. Celem akcji „Zawołani po imieniu” jest współdziałanie z potomkami zamordowanych w upamiętnianiu ich postaw. W ramach współpracy opracowaliśmy identyfikację wizualną wydarzenia, projekt przestrzenny i graficzny wystawy oraz instalację interaktywną. Projekt i opieka artystyczna: Łukasz Walendziuk (zespół wespół).

#Proj. dla inst. publicznych 

Lublin Filmowy / Filmowy Lublin

kilku.com (Idalia Smyczyńska, Robert Zając)

Publikacja wydana przez Lubelski Fundusz Filmowy (jednostkę Wydziału Kultury Urzędu Miasta) to opracowanie dotyczące branży filmowej, jej dokonań, planów i wpływu na rozwój Lublina. Grupa docelowa Wydawcy zależało na tym, żeby dotrzeć do dwóch głównych grup odbiorców: 1. osoby z branży filmowej potencjalnie zainteresowane realizacją produkcji w przestrzeniach miasta 2. szersze grono czytelników zainteresowanych filmem, turystyką filmową, ale też samym Lublinem i jego historią Założenia projektowe Wyraźny podział publikacji na dwie części: 1. opisową (Lublin Filmowy) prezentującą związki miasta z filmem, historię realizacji dokumentalnych i fabularnych powstałych w mieście; 2. albumową (Filmowy Lublin), której istotnym celem jest pokazanie plenerów atrakcyjnych z punktu widzenia branży filmowej. Strukturę publikacji – dwóch książek w książce – podkreśliliśmy przy użyciu dodatkowych, wewnętrznych okładek, które ułatwiają nawigację i obsługują funkcje wizerunkowe. Publikację zdecydowaliśmy się rozpocząć indeksem filmów zrealizowanych w Lublinie, co pozwoliło uciec od typowego w wydawnictwach promocyjnych Urzędu otwarcia słowem od włodarzy miasta. Aspekty wizerunkowe: wydawnictwo w założeniu miało być atrakcyjne z jednej strony dla dość szerokiego grona czytelników, z drugiej dla osób z branży filmowej, ale raczej też mainstreamowej jej części. Zależało nam na tym, żeby przesunąć projekt w stronę bardziej odważnych, nowoczesnych realizacji, poszerzyć pole stosowanych w wydawnictwach promocyjnych Urzędu Miasta środków (rezygnacja z oprawy twardej na rzecz szwajcarskiej z widocznym grzbietem, oszczędna typograficzna okładka) przy zachowaniu atrakcyjności dla szeroko zdefiniowanej grupy docelowej. Publikacja miała być elegancka – zdecydowaliśmy się na zastosowanie szlachetnych materiałów (m.in. metalizowany papier okładkowy, który ma w dalszym planie przywodzić skojarzenia ze srebrnym ekranem) oraz zastosowanie stonowanej i spójnej kolorystyki (papier okładkowy, papier bloku książki, kolor dodatkowy w duotonie). Wyzwania: – Odejście od standardów przyjętych w wydawanych w Urzędzie Miasta drukach promocyjnych i przesunięcie ich w stronę bardziej nowoczesnych, odważnych realizacji. – Nierównej jakości materiał fotograficzny, który powstawał w zróżnicowanych warunkach oświetleniowych/sprzętowych – decyzja o zastosowaniu bichromii, pozwoliła uspójnić i uspokoić wizualnie bogato ilustrowaną fotograficznie część opisową książki. – Ograniczenia budżetowe – rozwiązaniem była rezygnacja z oprawy twardej i druk jednej z części książki w dwóch kolorach.

#Proj. dla inst. publicznych 

Grafika nagrodzonego

Pan Generator

PanGenerator to kolektyw artystyczno-projektowy z siedzibą w Warszawie, założony przez Piotra Barszczewskiego, Krzysztofa Cybulskiego, Krzysztofa Golińskiego i Jakuba Koźniewskiego. Od 2010 roku grupa tworzy unikalne projekty eksplorujące nowe sposoby twórczej ekspresji i interakcji z publicznością. Ich prace charakteryzują się mieszaniem efemerycznej sfery cyfrowej ze światem fizycznym. PanGenerator miesza bity i atomy, aby stworzyć angażujące publiczność, dynamiczne i namacalne doświadczenia w opozycji do typowo statycznych, hermetycznych i niedostępnych konwencji dominujących w tradycyjnej, mainstreamowej praktyce sztuki współczesnej. PanGenerator zaciera podziały między sztuką, projektowaniem i inżynierią, tworząc wielkoskalowe instalacje interaktywne na zamówienie instytucji kulturalnych i marek komercyjnych, a także czysto eksperymentalne interfejsy muzyczne lub spekulatywne i krytyczne dzieła sztuki. Oprócz działań twórczych, członkowie grupy angażują się w różne inicjatywy edukacyjne, prowadząc warsztaty i wykłady na temat sztuki i technologii nowych mediów na całym świecie. Od niedawna prowadzą zajęcia na pierwszych w Polsce studiach podyplomowych poświęconych praktyce sztuki nowych mediów - Creative Coding w School of Form.

#Studio / Projektant Roku 

Grafika nagrodzonego

Biały Tunel (oprawa graficzna albumu)

Krystian Berlak

Biały Tunel to niecodzienne wydawnictwo, które ukazało się w limitowanej edycji 500 egzemplarzy. Oprawa graficzna albumu odzwierciedla podstawowe założenia Białego Tunelu: tajemniczy, eksperyentalny skład (raper, producent muzyczny i jazzman) tworzący muzyczną jakość, jakiej na polskim rynku muzycznym jeszcze nie było. Tak jak członkowie tria, tak i sam album pozostawał zagadką - na pudełku nie pojawia się ani tytuł płyty, ani imiona autorów - każda informacja towarzysząca płycie była kodowana za pomocą szyfru, który z wypiekami na twarzy rozwiązywali fani Alkopoligamii. Inspirowana matematyką, kryptologią i wernakularną, inżynierską typografią lat 60, oprawa albumu jest ascetycznym, powściągliwym i brutalistycznym projektem, w którym eksperymentalne założenia, grid i rygor projektowy dominuje nad funkcjonalnością i estetyką. Trójwymiarowe, realistyczne formy, matematyczne modele tunelu oraz szkice techniczne i wszechobecna geometria przywodzą na myśl naukową dokumentację, powodując u odbiorcy wrażenie realności projektu i zetknięcia się z prawdziwą tajemnicą. Srebrzenia oprawy, przezroczysty rękaw przelotowy i transparentna płyta CD tworzyły packaging, którego otwieranie było emocjonującym doświadczeniem, czego dowodem był niesamowity buzz i pozytywny feedback fanów w social mediach. Tajny kod, dołączony do każdego wydania, był ostatnim elementem układanki - dwaj, obcy sobie nabywcy płyty odszukiwali się za pomocą dedykowanej strony www aby połączyć swoje spersonalizowane kody i otrzymać wspólny dostęp do ukrytej zawartości tunelu. Klient: Alkopoligamia.com, Biały Tunel (Ten Typ Mes, Szogun, Bartosz tkacz) Produkcja, management i komunikacja: Kornelia Hećman, hecman.co Projekt graficzny, art direction: Krystian Berlak, Kamil Pietrzak, berlakpietrzak.com

#Projekt Roku 

Bezmięsny – nowa seria opakowań

Podpunkt

W 2018 roku stworzyliśmy branding i koncepcję opakowań dla produktów marki Bezmięsny. Opakowania zapakowane były w plastikowe tacki. Rok 2019 był rokiem kolejnej jeszcze ważniejszej zmiany – nowe seria produktów Bezmięsny pojawiła się w opakowaniach przyjaznych dla środowiska. Celem było wyeliminowanie materiałów nienadających się do recyklingu oraz budowanie pozytywnych relacji ze społecznością odbiorców, którą udało zbudować się wokół marki. Efektem tych zmian są pudełka kartonowe na wegańskie kiełbaski i wegański sos boloński. Wizerunek marki jest spójny – projekt jest nadal oparty na ilustracji – ale już na pierwszy rzut oka konsument może dostrzec zmiany wprowadzone w zakresie zrównoważonego rozwoju środowiska. Odbiorcą marki Bezmięsny jest osoba świadoma zagrożeń klimatycznych, dbająca o środowisko, zwolenniczka/zwolennik praw zwierząt, często weganie.

#Proj. przyjazne środowisku 

Grafika zwycięzcy

Strajk Kobiet

Ola Jasionowska

Ola Jasionowska - graficzka i ilustratorka. Od 2016 r. pracuje w Biurze Marketingu Miasta st. Warszawy. Wcześniej pracowała w agencji DDB Warszawa. Prawie absolwentka Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych na wydziale Sztuki Nowych Mediów. Od kilku lat tworzy identyfikację wydarzeń miejskich. Współprac owała m.in. z Teatrem Polskim w Bydgoszczy, Teatrem Wielkim w Warszawie, Teatrem Żeromskiego w Kielcach, TR Warszawa, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie i Barem Studio, od którego wszystko się zaczęło. Autorka identyfikacji wizualnej Strajku Kobiet, plakatu „Dzięku jemy spacerowiczom” i neonu na moście Świętokrzyskim w Warszawie. Strajk Kobiet Jesteśmy oddolnym, niezależnym ruchem społecznym wkurzonych kobiet i wspierających nas rozumnych mężczyzn. Protestujemy i działamy na rzecz praw kobiet, demokracji, Polski dla wszystkich, mobilizując się w ponad 150 miastach w Polsce – 90% z nich to miejscowości mniejsze niż 50 000 mieszkańców, co jest naszą największą siłą i dumą. Zdjęcie powyżej: (c) Agata Kubis - APP Zdjęcie poniżej: (c) Wojtek Radwanski - APP

#Nagroda specjalna 

Grafika nagrodzonego

Uwaga zły pan

Anna Frydrych

Zwycięski plakat 20. edycji konkursu Galerii Plakatu AMS pod hasłem „Zwierzę też człowiek”. Celem projektu było zwrócenie uwagi na sytuację zwierząt w Polsce i problem łamania ich praw do godnego życia.

#Impakt społeczny 

The Wall of Sound

panGenerator

Muzyka elektroniczna w przestrzeni publicznej - czyli “dźwiękowe graffiti” stworzone przez grupę panGenerator na Katowice Street Art 2019: Urban Sound. Instalacja stanowi eksperyment z przeniesieniem narzędzi do tworzenia muzyki elektronicznej - w tym przypadku sequencera i samplera - w przestrzeń publiczną, tworząc tym samym otwartą platformę do muzycznej ekspresji dla szerokiej publiczności. Przestrzenna forma instalacji nawiązuje do grafitti, jednak wzbogacona została o dodatkowe warstwy takie jak interakcja, światło i dźwięk. Podstawowym komponentem całego założenia jest heksagonalny moduł elektroniczny, specjalnie zaprojektowany na potrzeby projektu, pozwalający na nagrywanie i odtwarzanie dźwięku - przede wszystkim głosów publiczności. Dzięki połączeniu niezależnych modułów w sieć, możliwe jest komponowanie dowolnych sekwencji muzycznych składających się z uprzednio nagranych sampli. Instalacja pozwala na wspólną zabawę dźwiękiem kilku osób na raz, jak również na swego rodzaju asynchroniczny dialog dźwiękowy - cała “ściana dźwięku” ewoluuje bowiem z dnia na dzień pod wpływem interakcji z publicznością - dodawania przez nią nowych nagrań głosów i modyfikacji ich aranżacji. Instalacja miała swoją premierę 30.11.2019 i dostępna jest do odwołania w holu głównym siedziby Katowice Miasto Ogrodów na pl. Sejmu Śląskiego 2.

#Idea 

Polish Migration Review / Polski Przegląd Migracyjny

Hardziej Studio

Zadaniem było odczarowanie siermiężnej serii wydawniczej – Polskiego Przeglądu Migracyjnego. Wcześniej była to publikacja stricte naukowa o specjalistycznej treści i niskich walorach estetycznych. Razem z Muzeum Emigracji w Gdyni postanowiliśmy zamienić Przegląd Migracyjny w dwujęzyczny magazyn, kontynuujący wysoki poziom merytoryczny, ale nadaliśmy mu formę współczesnego magazynu, w którym treść jest zrównoważona zdjęciami i ilustracją. Dzięki czemu poszerzyliśmy grono jego odbiorców.

#Proj. dla inst. publicznych 

21 postulatów Młodych Ponad Podziałami

Europejskie Centrum Solidarności

Po tragicznej śmierci prezydenta Pawła Adamowicza trójmiejska młodzież zorganizowała marsz Ponad Podziałami, który miał finał na pl. Solidarności. Uczennice i uczniowie – inspirowani postulatami spisanymi na słynnych tablicach z sierpnia 1980 roku – sformułowali 21 własnych postulatów, aby powiedzieć, jaka Polska im się marzy. Oddolna inicjatywa stała się impulsem do stworzenia wizualnej kampanii społecznej z wykorzystaniem postulatów, zorganizowanej przez Europejskie Centrum Solidarności. Ogłoszony został otwarty nabór do projektu. Zadaniem osób biorących udział w inicjatywie było stworzenie plakatu, który zilustruje jeden z 21 postulatów Młodych Ponad Podziałami. Zgłosiło się ponad 70 twórczych i zaangażowanych osób w rozmaitym wieku, od kilkunastu do czterdziestu lat i o różnej ścieżce edukacji. Mieszkają w Polsce oraz innych krajach Europy. Stosują różnorodne techniki artystyczne – malują, ilustrują, fotografują, projektują komputerowo. Ostatecznie wyłoniono 21 osób, średnia wieku: 24 lata. Większość uczestników projektu to studenci i absolwenci kierunków artystycznych – graficy, ilustratorzy, projektanci. Pracują i mieszkają nie tylko w Polsce, ale i w Berlinie, Paryżu czy Antwerpii. Zdecydowana większość deklaruje, że sprawy publiczne nie są im obojętne. Uczestnicy projektu zostali podzieleni na trzy 7-osobowe zespoły. W pierwszych dwóch tygodniach sierpnia pracowali nad stworzeniem koncepcji i realizacją projektów. Wspierała ich trójka tutorów, doświadczeni artyści i designerzy, mistrzowie komunikacji wizualnej – Edgar Bąk, Anita Wasik i Ania Witkowska. W sierpniu 2020 roku plakaty z 21 postulatami Młodych Ponad Podziałami pojawiły się na wiatach przystankowych Trójmiasta oraz w postaci wystawy przy budynku Europejskiego Centrum Solidarności, gdzie eksponowane były do końca września. Obecnie wszystkie prace dostępne są na stronie internetowej Europejskiego Centrum Solidarności. Organizator przygotował ponadto mobilną wersję wystawy przeznaczoną do wypożyczania. autorki i autorzy postulatów / reprezentacja zespołu Młodzi Ponad Podziałami: Julia Borzeszkowska, Maciej Hoffmann, Jakub Retyk autorki i autorzy projektów graficznych / Vladyslav Boyko, Dominika Chmielewska, Sylwia Doli Doliszna, Agata Dudzińska, Adrian Dziama, Ola Galewicz, Berenika Godlewska, Piotr Kaczmarek, Karo Koto, Magda creepart Kowalska, Sławomir Jakub Krzyżak, Alicja Kultys, Rafał Kwiczor, Krzysiek Oleksiak, Dominika Padoł, Franco Polon, Joanna Rzezak, Joanna Sieczko, Kasia Sokołowska, Karolina Wiśniewska, Aleksander Znosko opieka artystyczna / Edgar Bąk, Anita Wasik, Ania Witkowska opieka redakcyjna / Paweł Sitkiewicz realizacja i współpraca / zespół Europejskiego Centrum Solidarności: Dorota Brzezińska, Magdalena Fryze-Seroka, Iwona Katarzyńska-Czaplewska, Aneta Lehmann, Zuzanna Marcińczyk, Patrycja Medowska, Magdalena Mistat, Agnieszka Wichrowska patronat / Stowarzyszenie Twórców Grafiki Użytkowej partner / Młodzi Ponad Podziałami

#Impakt społeczny 

Podwójnie wolne

zespół wespół

Wystawę plenerową oraz film animowany „Podwójnie Wolne” zrealizowaliśmy dla Instytut Pileckiego. Długofalowy projekt, którego punktem wyjścia była wystawa plenerowa prezentowana w wielu miejscach w Polsce i na świecie. Kontynuacją przedsięwzięcia jest film animowany dotyczący zagadnień związanych z walką o równouprawnienie kobiet w Polsce. W animacji wykorzystaliśmy skanów zdjęć z archiwów cyfrowych. Bohaterki wystawy zostały „ożywione” i zaproszone do zrelacjonowania swoich działań.

#Proj. dla inst. publicznych 

Ramionka

Weronika Horożyńska

Projekt fontu bazujący na autorskiej kaligrafii, wykonany w ramach pracy licencjackiej na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, pod kierownictwem profesora Krzysztofa Kochnowicza.

#Świeża krew 

Ilustrowany atlas architektury brutalistycznej w Polsce

Paulina Adamowska

Książka jest przeglądem najlepszych przykładów architektury brutalistycznej w Polsce. Znajduję się w niej 5 budynków, które najbardziej spełniają postulaty idei tego nurtu. Nie jest to podręcznik, do nauki, tylko ilustrowany atlas, który przekazuje podstawową wiedzę w ciekawy sposób. Wiele cytatów, które możemy przeczytać w tej książce to wypowiedzi osób takich jak Filip Springer czy Anna Cymer. Celem stworzenia tej książki jest popularyzacja brutalizmu i pokazanie jego wyjątkowości. Wiele osób nie wie jak się nazywa ten kierunek w architekturze. Budynki często są krytykowane za czasy w których powstały i nikt nie zwraca uwagi na ich formę. Oprócz tego najważniejszym dla mnie problemem jest fakt, że tracimy te budynki. Chciałabym pomóc w ratowaniu tych budynków. Zależało mi, aby książka była w całości stworzona przeze mnie. Jestem autorką tekstu, który znajduje się w książce. Zapoznałam się z wieloma publikacjami, które chociaż w części opisują brutalizm i wybrałam z nich najważniejsze cytaty. Na potrzeby książki zrobiłam zdjęcia opisywanych budynków, ilustracje oraz font. Ilustracje, które znajdują wewnątrz książki funkcjonują również jako plakaty wydrukowane w formacie 50 x 70 cm lub 50 x 50 cm. Font, który używany jest do nagłówków zaprojektowałam specjalnie na potrzeby książki,. Swoimi cienkimi liniami nawiązuje do metalowych konstrukcji w architekturze brutalistycznej, które są skontrastowane z ciężkimi, masywnymi kształtami geometrycznymi. Posiada aż 35 odmian, aby móc tworzyć z nich przeróżne kompozycję. Zaczyna się od wąskich, cienkich liter, a kończy na grubych i szerokich. Font jest kontrowersyjny, momentami jest nieczytelny i niezrozumiały, tak jak architektura brutalistyczna. Okładka jest zrobiona z betonu, wnętrze książki wydrukowane na ekologicznym papierze Crush Corn. Całość zszyta ściegiem koptyjskim.

#Świeża krew 

Grafika zwycięzcy

Biały Tunel

Krystian Berlak

Album pt. Biały Tunel, wydawnictwo Alkopoligamia Eksperymentalne wydawnictwo nieznanego dotychczas składu Biały Tunel. Limitowany nakład 5000 sztuk i promocja leżąca jedynie w rękach fanów Alkopoligamii. Czy da się wywołać zainteresowanie odbiorców, kiedy artysta jest całkowicie nieznany i wypromować płytę, której nie jest znany gatunek muzyczny? Da się. Wystarczy obudzić ciekawość, zaangażować i dostarczyć fanom odpowiednich narzędzi, które pozwolą im wywołać buzz w sieci. Przenieśliśmy esperymentalny charakter albumu Na wszystkie etapy komunikacji. Owialiśmy je następnie tajemnicą i pozwoliliśmy fanom alkopoligamii rozwiązywać kolejne zagadki. W celu zapowiedzi albumu posłużyliśmy się cyfrowym kodem, którym zastąpiliśmy typografię. Właśnie za pomocą szyfru odkrywaliśmy kolejne karty: członków zespołu i nazwę. W dniu startu preorderu wystartowała interaktywna strona internetowa, Której tłem był udostępniony fragment jednego z utworów. Punktem kulminacyjnym był jednak sam album. Projekt okładki oparty został na wyliczeniach i siatkach matematycznych. Typografia nawiązywała do tej stosowanej w 60 latach przez specjalistów inżynierii kosmicznej. Album zawierał również specjalny kod, który dawał możliwość sparowania się z innym nabywcą płyty. Po wpisaniu kodu do systemu, użytkownicy otrzymywali dostęp do Ukrytej zawartości tunelu – podstrony, która zawierała niepublikowane utwory, treści, czy beat maszynę opartą na dźwiękach utworów białego tunelu. Proces parowania, a także dostęp do ukrytej zawartości generowały kolejne publikacje w social mediach i podkręcały buzz wokół albumu. Clipy zastąpiliśmy technicznymi animacjami, a w materiałch prasowych posługiwaliśmy się rysunkiem technicznym oraz zdjęciami, na których artyści nie byli dokładnie widoczni. Cała promocja bazowała jedynie na niestandardowych dla tej dziedziny / branży rozwiąniach technologoicznych, co w efekcie przyniosło 100% publikacji w postaci earned media, w tym publikacje w sm. Tuż po premierze, biały tunel znalazł się na drugim miejscu listy sprzedaży olis. Pojawiło się kilkaset publikacji na instagramie i facebooku, a premiera była szeroko komentowana nie tylko w social mediach, ale też w mediach tradycyjnych. Klient: Alkopoligamia.com, Biały Tunel (Ten Typ Mes, Szogun, Bartosz tkacz) Produkcja, management i komunikacja: Kornelia Hećman, hecman.co Projekt graficzny, art direction: Krystian Berlak, Kamil Pietrzak, berlakpietrzak.com

#Idea 

Grafika nagrodzonego

NOLENS VOLENS czyli chcąc nie chcąc.

Acapulco Studio

NOLENS VOLENS czyli chcąc nie chcąc. Prawie 100 sentencji łacińskich i kilka greckich. Tekst: Zuzanna Kisielewska Projekt graficzny i ilustracje: Acapulco Studio / Małgorzata Nowak i Agata Dudek Wydawnictwo Druganoga 2020 Książka wydrukowana na papierze Alto 1.5 150g, przy użyciu 4 kolorów Pantone. Wymiary: 222x250 cm Liczba stron: 112 Oprawa twarda Drukarnia Skleniarz Nolens Volens czyli chcąc nie chcąc autorstwa kulturoznawczyni Zuzanny Kisielewskiej jest hołdem złożonym łacinie i zwróceniem uwagi na fakt, jak bardzo wpłynęła ona na nasze życie. Książka dla młodego czytelnika przybliża łacińskie sentencje znane ze sztuki, historii oraz z popkultury. Pokazuje, że łacina ukrywa się wszędzie – w naszych portfelach, miastach i codziennych rozmowach. Pozwala też zatopić się w nadzwyczajnej epoce, kiedy to uczeni dawali się zabić dla nauki, a figa mogła stać się powodem wypowiedzenia wojny. Jako projektantki strony wizualnej zależało nam na tym aby odczarować łacinę i nadać jej więcej współczesnego charakteru. Stąd odrzucenie klasycznych kolorów mogących kojarzyć się ze sztuką antyczną na rzecz jadowitych i nasyconych kolorów Pantone. Ten niebanalny zestaw kolorów mogący powodować konsternację czytelnika - intryguje i zachęca do sięgnięcia po książkę a plakatowość ilustracji i humor Autorki czynią z niej pozycję godną polecenia.

#Forma 

Stettinum Nicodemus Pro Font Family 2.0

Piotr Nikodem Wardziukiewicz

Stettinum Nicodemus Pro to projekt digitalizacji typografii ze Szczecina oraz Pomorza Zachodniego. Jest on odpowiedzią na niszczejące napisy, których życie przez liczne remonty niebawem może się zakończyć. Jest to także projekt badawczy, który miał na celu rozpoznanie potencjału typograficznego płynącego z Miasta Szczecin. Stettinum Nicodemus Pro to rodzina krojów pism do potencjalnych zastosowań przy renowacjach starych szyldów czy też poprawy ogólnego odbioru zabytkowych części miasta. Projekt ten kierowany jest do każdego, kto wyraża chęć na stosowanie i używanie w swojej pracy/życiu tej rodziny krojów. Projekt został w dniu obrony wdrożony na wolnej licencji do powszechnego pobrania. Od tamtego czasu został już użyty w wielu projektach. Mój projekt wyróżnia rozbudowany proces projektowy, który zawiera dwie premiery kroju (wersja 1.0 pod patronatem Prezydenta Miasta Szczecin, wersja 2.0 jako przebudowa i rozbudowa myśli projektowej z wersji 1.0). Sam dyplom jest zaledwie wstępem do rozbudowy szczecińskiej typografii digitalizowane do postaci fontów. Projekt ten jest kompleksowym podejściem do projektowania kroju pisma jako produktu. Oprócz 21 normalnych odmian i 3 wariantowych zaprojektowane zostały plakaty B2 (w liczbie 10), strona internetowa oraz publikacja (120 stron, 13x21cm) wydrukowana nakładem 30 egzemplarzy. Projekt ten był dla mnie testem technologii VARIABLE FONTS. Kluczowym aspektem wykonania oprawy dla krojów był dobór materiałów drukarskich – w tym wypadku papieru i sposobu druku. Wybór padł na papiery firmy Antalis oraz na druk HP Indigo. Proces projektowy został wzbogacony wieloma testami. Nad dyplomem współpracowałem ze Szczecińskim Towarzystwem Fotograficznym – to oni zwrócili uwagę na problem zanikającej typografii. Współpracowałem także z firmą Antalis – publikacja była też formą próbnika papierów, które Antalis sprzedaje. Nad dyplomem czuwał także dr hab. Waldemar Wojciechowski.

#Świeża krew 

Island

Patryk Hardziej i Ada Zielińska

Island to projekt zrealizowany przez Patryka Hardzieja i Adę Zielińską. Punktem wyjścia była podróż na Wyspę Wielkanocną i zapoznanie się z kulturą tamtejszego ludu Rapa Nui. Wyspa Wielkanocna to miejsce owiane tajemnicą i nie chodzi tu jedynie o tajemnicze kolosy. Nas najbardziej zainteresowały znaki i prawie już zapomniane pismo tubylców, które można było spotkać w kilkuset-letnich osadach czy miejscach kultu. Znaczenie znaków jest w większości nieodgadnione, a to ze względu na barbarzyńskie najazdy europejczyków od XVIII w. Na podstawie naszych obserwacji i przeprowadzonego na wyspie rekonesansu rozpoczęliśmy pracę nad serią grafik i obrazów, z jednej strony nawiązujących do oryginalnego alfabetu i kultury z Wyspy Wielkanocnej, a z drugiej strony będących współczesną reinterpretacją nastrojów i funkcjonowania tamtejszego społeczeństwa. Projekt jest swoistym oddaniem hołdu pismu, nieskremowanej pierwotnej twórczości i komunikacji w której sztuka i życie codzienne stanowi jedność. Postanowiliśmy podejść do tematu w różnorodny sposób, a przy okazji ograniczając się do minimalnych środków. Dlatego użyliśmy jedynie czarnej i czerwonej farby na naturalnych drewnianych podkładach. Stworzyliśmy także serię asamblaży wykorzystujących kamień. Projekt miał swój finał w postaci wystawy w BWA w Bydgoszczy. Aby projekt był jak najbardziej analogowy plakat promocyjny wykonaliśmy samodzielnie metodą sitodruku.

#Idea 

Krój pisma Alkes

Kaja Słojewska

Alkes to obszerny krój tekstowy. Dzięki wielu odmianom i skryptom, Alkes zapewnia niezbędną elastyczność dla środowisk o złożonej hierarchii tekstu. Zawiera on Łacinę, Cyrylicę oraz Grekę. Pracę nad krojem rozpoczęłam podczas studiów magisterskich w Reading. Głównym celem całego projektu było dążenie do harmonizacji wizualnej między czterema różnymi systemami pisma. Udało się to dzięki zbalansowaniu szarości oraz proporcji między skryptami, jednocześnie respektując ich historyczne korzenie oraz cechy szczególne. Alkes wyróżnia się dużą wysokością x, dużymi odstępami między literami oraz dużymi otwartymi światłami wewnątrz literowymi. Alkes najlepiej sprawdza się w publikacjach i tekście ciągłym, gdzie czytelność jest kluczowa. Krój posiada charakterystyczne detale, kaligraficzną strukturę i asymetryczne szeryfy — co pozwala Alkesowi prezentować się wspaniale także w dużych, display’owych rozmiarach. W 2019 roku rozpoczęłam współpracę z domem typograficznym Fontfabric by wspólnie dopracować krój, który został przez nich opublikowany w czerwcu 2020.

#Forma 

AgileByExample – konferencja online

Superskrypt

Co roku jesteśmy organizatorami konferencji AgileByExample – wydarzenia skierowanego dla branży IT. W tym roku sytuacja związana z wybuchem epidemii zmusiła nas do organizacji 10. edycji wydarzenia w formie konferencji online. Pojawiło się wyzwanie – jak zaprojektować wydarzenie, by nie było tylko ekranem pełnym mówiących głów? Jak zachęcić gości do zaangażowania i komunikacji? Biorąc pod uwagę grupę docelową postanowiliśmy oprzeć stylistykę wydarzenia na estetyce pierwszych gier wideo. Znaleźliśmy narzędzie konferencyjne, które pozwoliło nam stworzyć wirtualną przestrzeń. Każdy z użytkowników został awatarem, który przemieszcza się po przestrzeni konferencji jak po grze, a poszczególne aktywności konferencyjne zostały ukryte w tzw. dziurach w podłodze, do których użytkownicy wskakiwali, odkrywając nowe “poziomy” / atrakcje konferencji (sale wykładowe, chaty, przestrzenie do spotkań czy pokoje sponsorskie). Poza przestrzeniami konferencyjnymi, zaprojektowaliśmy przestrzenie do spotkań i luźnych rozmów oraz stworzyliśmy miejsca do aktywności networkingowych, tak ważnych w konferencjach. Do organizacji wydarzenia wybraliśmy mechanizm umożliwiający networking między uczestnikami (rozmowy i czaty video), co podkreślał key visual wydarzenia i zbudowana na jego podstawie komunikacja. Uczestnicy konferencji przekonali się do tych rozwiązań. Projekt graficzny zachęcił do udziału w wydarzeniu, zaangażował gości do interakcji i aktywności w obrębie wydarzenia. Identyfikacja AgileByExample pozwala co roku tworzyć nowy i oryginalny key visual wydarzenia. Goście konferencji online i offline często komplementują język wizualny, którym posługuje się ABE.

#Forma 

21 Postulatów Młodych Ponad Podziałami

Aleksander Znosko Studio

Kampania wizualna (projekt citylightu, plakatu A2, kubika wystawowego oraz billboardu) będąca częścią akcji społecznej „21 Postulatów Młodych Ponad Podziałami” zorganizowanej przez Europejskie Centrum Solidarności w Gdańsku. Celem projektu było zilustrowanie trzeciego postulatu na temat niezależności i obiektywizmu mediów publicznych w Polsce. Citylight pojawił się na wiatach przystankowych Trójmiasta, natomiast kubik był częścią wystawy przy budynku Europejskiego Centrum Solidarności. Projekt poprzez użycie racjonalnego i obiektywnego języka wizualnego bezpośrednio obrazował treść postulatu.

#Impakt społeczny 

TEDxKatowice Poza zasięgiem

muflon studio / Ada Sowińska / Mateusz Trytek

30 listopada 2019 r. w siedzibie ING Banku Śląskiego odbyła się konferencja TEDxKatowice pod tytułem Poza zasięgiem. Wszystko, co człowiek zdołał kiedyś stworzyć, wcześniej było poza jego zasięgiem - zrobienie pierwszej kreski na ścianach jaskini Lascaux, budowa pierwszego domu w Çatalhöyük, wejście na pokład Santa María, czy postawienie stopy na Księżycu. Podczas wydarzenia wystąpiło 13 prelegentów z całej Polski, którzy zaprezentowali właśnie idee znajdujące się poza zasięgiem - pomysłów i działań, które są tuż za horyzontem naszej wiedzy lub patrzenia na świat. Podążając za myślą, że z początku niektóre idee mogą wydawać się nam szalone lub nieosiągalne, przestrzeń konferencyjna została zaaranżowana w taki sposób, aby każdy z uczestników mógł doświadczyć momentu, w którym sam zdobywa się na odwagę by odnaleźć i zdobyć konferencyjny pakiet, ukryty w różnych częściach przestrzeni wydarzenia. Kierując się bardziej ekologicznymi rozwiązaniami podczas tegorocznej edycji, ważniejsze od możliwości posiadania konferencyjnego pakietu z notesem, plecakiem czy widokówkami, okazało się samo doświadczenie ich zdobycia. Poszczególne elementy zostały ukryte w ciemnych boksach lub podwieszane na takiej wysokości, aby były trudne do zdobycia dla uczestników, którzy musieli wykazać się zręcznością i odwagą by po nie sięgnąć. Dzięki temu uczestnicy nie wracali do domu z nieprzydatnym pakietem, wybierali tylko te elementy, których naprawdę potrzebowali. Punktem wyjścia dla całego projektu klucza wizualnego wydarzenia stały się ilustracje zainspirowane życiorysem, bądź tematem wystąpienia danego prelegenta. Zastosowane elementy graficzne w głównej mierze odwoływały się do idei podążania za nowymi wyzwaniami oraz wynalazkami, które mogą przyczynić się do zmiany świata na lepsze lub zapobiec nadchodzącym zagrożeniom. Ilustracje zostały wykorzystane nie tylko na materiałach drukowanych, pełniły również rolę drogowskazów, ułatwiających odnalezienie konferencyjnych gadżetów. Również w trosce o ekologię zminimalizowano ilość druków, w zamian całą oprawę graficzną uzupełniono o serię animacji postaci, które wyświetlały się zarówno na boksach jak i na scenie podczas wystąpień prelegentów. Wszystkie animacje były mapowane na żywo i bazowały na reakcji publiczności oraz tego, co w danej chwili wyraził na scenie prelegent.

#Idea 

Branding dla Pracowni ZBIORY

Weronika Szychowska

Dzięki świadomemu projektowaniu już projekt logotypu uwzględniał potrzeby marki less waste – czytelny, o wyrazistej formie, łatwy w reprodukowaniu. Znak został z powodzeniem zaszczepiony w tkankę marki i jest bezpośrednim nośnikiem jej filozofii. Branding składa się z logotypu, akcydensów, ikon, wizerunku internetowego pracowni oraz patternów. Branding pracowni ZBIORY został wdrożony i rozwija się z powodzeniem od lipca 2019 roku.

#Proj. przyjazne środowisku 

radiokapital.pl

Zofka Kofta

Radio Kapitał. Tworzone przez ludzi, nie algorytmy. Radio Kapitał to pierwsze radio społecznościowe w Polsce prezentujące autorskie audycje o kulturze, społeczeństwie, sztuce oraz muzyce w najróżniejszych gatunkach. Czerpie z najlepszych doświadczeń niezależnych europejskich rozgłośni, takich jak NTS Radio w Londynie czy Red Light Radio w Amsterdamie. Społeczność radia stworzyła już prawie 200 autorskich audycji, emitowanych 24 godziny na dobę, 7 dni w tygodniu na www.radiokapital.pl Radio Kapitał to odpowiedź na potrzebę stworzenia niezależnej przestrzeni ekspresji, oddolnego działania – nie dla zysku, lecz dla osobistej satysfakcji oraz społecznej korzyści. Rozgłośnię współtworzy kolektyw składający się z twórców i twórczyń, aktywistów i aktywistek. Społeczność radia działa na styku muzyki, kultury i aktywizmu, inicjatyw kulturalnych, klubów i wydawnictw. Radio Kapitał służy także promowaniu postaw prospołecznych i proekologicznych. Radiowa ramówka to ponad 300 autorskich audycji, z czego ponad 50 to audycje dotychczas prowadzone na żywo ze studia radiowego w siedzibie Muzeum Sztuki Nowoczesnej na Pańskiej 3 w Warszawie, zaś pozostałe są przesyłane przez autorki i autorów w postaci nagranych i zmontowanych wcześniej podcastów. Radio Kapitał to innowacyjny w skali ogólnopolskiej projekt kulturalny, który bazując na bogatej tradycji radiofonii, wyznacza jednocześnie nowe horyzonty dla medium jakim jest radio. Ważnym kontekstem powstania Radia Kapitał jest tradycja europejskich stacji radiowych tzw. „community radio”, czyli tworzonych non profit przez różne społeczności. Najbardziej znane radiostacje tego typu, które zainspirowały do stworzenia Radia Kapitał, to NTS Radio w Londynie, Noods Radio w Bristolu, Lyl Radio w Lyonie, Red Light Radio w Amsterdamie, czy Lahmacun Radio w Budapeszcie. Są one platformą ekspresji dla lokalnych inicjatyw, platformą oddolną, niezależną i niehierarchiczną, a także animują aktywność środowisk twórczych. Celem radia jest również kreowanie inkluzywnej przestrzeni dla różnych mniejszości, na przykład LGBTQ+, migrantów i migrantek, czy osób z niepełnosprawnościami. W Radiu Kapitał nie ma miejsca na mowę nienawiści, a w szczególności dyskryminację ze względu na płeć, orientację seksualną, niepełnosprawność, wiek, rasę, religię, wyznanie, narodowość, jak również pochodzenie etniczne. Internetowe radio społecznościowe łączy w sobie wszystko to, o czym marzyli wynalazcy globalnego Internetu: bezinteresowność, chęć dzielenia się wiedzą, inkluzywność, poziome i rozproszone zarządzanie, pasję i twórcze myślenie uczestników oraz współtwórców audycji. Radio Kapitał współpracuje m.in. z Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Komuną Warszawa, TR Warszawa, Nowym Teatrem, Teatrem Studio, Teatrem Powszechnym, Instytutem Kultury Polskiej UW, Lado ABC, Unsound Festiwal, Avant Art Festiwal, MÓZG Festiwal, Sanatorium Dźwięku i wieloma innymi instytucjami i organizacjami. Jaką wartość ma radość uczestnictwa we wspólnocie? Wraz z pomocą projektową Aleksandra Makowskiego i UX Janka Ufnala, oraz programistki Ernesty Maliny, stworzyłam projekt strony www Radia Kapitał. Strona wystartowała wczesną wiosną 2020 roku. Jest rozwinięciem identyfikacji wizualnej radia, stworzonej przeze mnie w czerwcu 2019 roku. Punktem wyjścia strony wizualnej projektu jest „niepowaga" rozrywki. Z perspektywy wielkich korporacji i kapitalistycznego systemu, w którym żyjemy, Radio Kapitał może się wydawać właśnie „niepoważne”, błahe, nieprzynoszące uznanych; materialnych zysków. A radość ze współtworzenia społeczności, z budowania własnego kapitału kulturowego, bez pośredniczenia korporacyjnych molochów, jest ogromną satysfakcją samą w sobie. Dzięki niej ci wszyscy ludzie, współtworzący społeczność Radia zdecydowali się prowadzić audycje i poświęcić swój czas. Dlatego identyfikacja wizualna jest utrzymana w tym właśnie, zabawnym charakterze i radosnej kolorystyce. Projekt strony internetowej Radia Kapitał był dla mnie jako studentki Wydziału Grafiki ASP w Warszawie nie lada wyzwaniem, ale podjętym z radością.

#Impakt społeczny 

Kulmhof. Pierwszy nazistowski obóz zagłady

Piotr Kacprzak

Moja praktyczna praca dyplomowa to projekt książki opowiadającej historię obozu straceń Kulmhof w Chełmnie nad Nerem. Jest ona poświęcona także gettu łódzkiemu oraz mojej rodzinnej miejscowości Grabów (gdzie przed wojną żyło 60% Żydów). Większość materiałów w niej zawartych to teksty opisujące historię, ale przede wszystkim relacje naocznych świadków zagłady. W publikacji pojawia się wiele archiwalnych materiałów oraz wykonane przeze mnie zdjęcia miejsc związanych ze społecznością żydowską. Całość dzieli się na trzy rozdziały dotyczące wyżej wymienionych miejsc. Wielkim wyzwaniem okazała się nie tylko praca projektowa ale przede wszystkim praca badawcza o tak trudnej tematyce. Wielką motywacją do stworzenia książki był testament ostatnich więźniów obozu straceń w Chełmnie nad Nerem. Dyplom magisterski zrealizowany na Wydziale Grafiki i Komunikacji Wizualnej na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu (UAP). Promotor: dr Marcin Markowski Wymiary to 172 mm x 245 mm, 304 s. oprawa szyto-klejona, w twardej oprawie z tłoczeniami.

#Świeża krew 

CPN. Znak, Identyfikacja, historia

Hardziej Studio

Znak graficzny CPN (proj. Ryszard Bojar, Jerzy Słowikowski, Stefan Solik, 1967) to już ikona polskiego projektowania graficznego. Książka "CPN. Znak, identyfikacja, historia" to wynik mojej 3 letniej pracy jako projektant i researcher. Książka jest reprintem pierwszej polskiej księgi znaku, która została stworzona dla Centrali Produktów Naftowych. Oprócz zaprezentowania odnalezionych, oryginalnych kart z identyfikacją wizualną postanowiłem opisać skrótowo jej powstanie. Na podstawie wywiadów z twórcami systemu powstał 200-stronicowy album dokumentujący ten jeden z najważniejszych w polskiej kulturze wizualnej znaków. opis wydawcy: Pierwsza w Polsce tego rodzaju specjalistyczna publikacja. Przedruki oryginalnej księgi legendarnego znaku graficznego Centrali Produktów Naftowych opatrzone komentarzem znawcy historii projektowania graficznego i projektanta, Patryka Hardzieja. Autor przez wiele lat dokumentował pracę twórców znaku CPN, Ryszarda Bojara, Stefana Solika oraz Jerzego Słowikowskiego. We wstępie do książki opowiada o tym, jak powstawał znak, przedstawia jego charakterystykę, opisuje też pokrótce historię przemysłu naftowego na ziemiach polskich. Nietuzinkowa publikacja dla wielbicieli projektowania graficznego i nie tylko. Wydanie dwujęzyczne, polsko-angielskie.

#Idea 

KBF – rebranding Krakowskiego Biura Festiwalowego

Studio Otwarte

Krakowskie Biuro Festiwalowe – największa krakowska instytucja kulturalna – ma ponad 20 lat. Od powołania w 1997 roku KBF zdążył się mocno zmienić. Do tego stopnia, że nawet nazwa z czasem stała się mało precyzyjna. Dziś KBF, prócz organizacji krakowskich festiwali, zajmuje się nieporównanie szerszym spektrum działań – w obszarze kultury, biznesu, turystyki, edukacji, działań lokalnych oraz przemysłów: kreatywnych, spotkań i czasu wolnego. Żeby skutecznie promować Kraków i komunikować własną markę, KBF potrzebował nowoczesnego, efektywnego i prostego w obsłudze zestawu narzędzi do komunikacji – promocyjnej, wizerunkowej, werbalnej i wizualnej. Nowy logotyp wprost nawiązuje do poprzedniego, rozpoznawalnego i udanego znaku. Wciąż eksponowany jest przede w wszystkim skrót, łatwy do wymówienia i zapamiętania – który od teraz będzie stosowany w komunikacji jako jedyna nazwa własna (bez innych uproszczeń jak np. „Biuro”). Dotychczasowy, stylizowany na gwiazdkę asterysk został zastąpiony innym znakiem pisarskim: dwukropkiem, otwierającym długą listę aktywności i kompetencji KBF. Z dotychczasowych kolorów KBF – granatowego i pomarańczowego – pozostał pomarańczowy, jako charakterystyczna, żywa barwa firmowa. Granatowy zastąpiły bardziej uniwersalne biel i czerń, stanowiące teraz neutralny dodatek do koloru wiodącego. Zaś dwukropek, wraz z innymi, dodatkowymi znakami pisarskimi, stał się leitmotywem wszystkich materiałów informacyjnych i promocyjnych. Prócz zmiany logo powstał cały nowy język wizualny KBF – unowocześnione i ujednolicone liternictwo, szata graficzna i szablony materiałów, a także zbiór zasad i wytycznych do tworzenia kolejnych projektów, promujących zarówno KBF, jak i marki, produkty i instytucje podległe i współpracujące.

#Proj. dla inst. publicznych 

Oprawa graficzna do festiwalu Nowa Europa. Zbliżenia

Edgar Bąk Studio

Oprawa graficzna do festiwalu Nowa Europa. Zbliżenia Na zlecenie Nowego Teatru w Warszawie przygotowaliśmy identyfikację festiwalu, plakaty, druki dodatkowe takie jak broszura, animacje oraz projekt komunikacji w mediach spolecznościowych. Z politycznej i społecznej magmy wyłania się obraz europy w już rozpoczętym XXI wieku. Cały czas niewiele widać. Nowy porządek ustala się i burzy, a jego stadia są od siebie nieodróżnialne. Podobny nastrój staraliśmy się zbudować w identyfikacji, wabiącej wzrok i płynnej. Uosabia wszystkie bariery i granice, zaburzenia widzenia i słodycz ekranów. Efemeryczności i festiwalizacji życia kulturalnego Nowy Teatr przeciwstawia feastiwal w formule on going, trwający cały sezon. Twórcom zależało, żeby pokazy nie miały charakteru krótkotrwałego wydarzenia, ale stały się regularną praktyką spotkania z ważnymi twórcami teatru europejskiego i światowego- a identyfikacja graficzna musiała sprostać wymaganiom tego trwającego, wieloformatowego wydarzenia.

#Proj. dla inst. publicznych 

„Chciałbym o sobie zapomnieć”.

Anna Cichoń

Projekt publikacji eksperymentalnej o nielinearnej strukturze. Książka jest wynikiem zainspirowania się zagadnieniem przybierania nowej tożsamości, które jest możliwe choćby dzięki branży gier komputerowych. Razem z autorem tekstu – moim bratem (Markiem Cichoń), który zgodził się napisać warstwę literacką dyplomu – spróbowaliśmy przenieść sytuację z gier na bardziej tradycyjne medium, jakim jest książka. Książka z pozoru wygląda na pojmowaną tradycyjnie powieść, jednak po zagłębieniu się w treść odkrywa się jej bardziej skomplikowaną strukturę. Główny bohater zmaga się z chorobami i fobiami, które można uznać za formy depresji czy schizofrenii. Aby czytelnik mógł bardziej utożsamić się z protagonistą, zastosowane zostały zabiegi typograficzne nawiązujące do analizy grafologicznej chorób głównego bohatera (np. nierówny lewy margines, brak interpunkcji). Im gorszy stan głównego bohatera, tym bardziej widoczne na pierwszy rzut oka są błędy i dekonstrukcje tekstu. Oprócz użycia typografii jako środka wizualnego, w książce występują ilustracje, które sygnalizują każde z 8 możliwych zakończeń. Są one wynikiem inspiracji analizą plastyczną osób chorych na depresję i schizofrenię, a dodatkowo nawiązują do psychologicznego Testu Rorschacha. Poruszanie się po powieści odbywa się nie według numeracji stron, a według rozdziałów. Książkę rozpoczynają mapy umieszczone na skrzydełkach okładki oraz instrukcja obsługi mająca pomóc zapoznać się z nawigacją. Mapy przedstawiają różne możliwości dróg w książce oraz informują o ich długości. Są też wykazem wszystkich rozdziałów i wątków, na które dzieli się książka. Instrukcja obsługi jest jedną z wielu możliwości poruszania się po książce i nie jest obligatoryjna. W książce występują też piktogramy służące do oznaczenia każdego z siedmiu wątków w książce, a ich nazwy nawiązują do tego, co dzieje się w wątku. Powieść podzielona jest na dwie części – do I części należy paleta czerwieni, a do II należą odcienie niebieskiego. Książka ma stymulować czytelnika do pracy, do głębszego przeżycia i zaangażowania się w przyswajaną treść.

#Świeża krew 

IDEA.Wystawa Pracowni Obrazowania Fotograficznego

Krystian Berlak

IDEA to zbiorowa wystawa Pracowni Obrazowania Fotograficznego ASP w Łodzi prezentująca najciekawsze prace, które powstały w ramach zajęć na przestrzeni ostatnich pięciu lat. Kuratorzy starannie wyselekcjonowali prace wymykające się jednoznacznej klasyfikacji i funkcjonujące na granicach różnych mediów. Plakat do wystawy, tak jak prezentowane dzieła, wymyka się utartym schematom i dyskutuje ze swoim własnym medium. Zwielokrotnione, ułożone na symetrycznym gridzie dane moją charakter "user hostile". Przekazują informacje w sposób mało intuicyjny i nieczytelny, podważając tym samym modernistyczna zasadę bezwzględnej czytelności i funkcjonalności plakatu - pomimo utrudnień w czytelności, frekwencja na wernisażu przerosła oczekiwania kuratorów. Podobnie same prace prezentowane na plakacie były zniszczone i niezgodne z rzeczywistym wyglądem dzieł. Screeny i fotografie zostały umieszczone na plakacie w sposób przypadkowy, a następnie zostały wydrukowane i zmultiplikowane na taniej kserokopiarce. Zniszczone wielokrotnym przetwarzaniem plakaty przeskanowano i ekstrapolowano do formatu B1, następnie zostały wydrukowane na papierze fotograficznym o wysokim połysku. Plakat, jak sama wystawa, jest pewnego rodzaju eksperymentem, jest pytaniem o zasadność tworzenia plakatów w sposób tradycyjny i o zasadność stosowania plakatu w dobie social mediów. Sam w sobie jest pracą towarzyszącą wystawie, nie pozostaje wyłącznie pustym afiszem reklamowym. Podejmuje próbę analizy własnego medium, dyskutuje z przetwarzaniem i nadprodukcją obarazów. Jest IDEĄ, a jego forma jest jej wypadkową. Projekt Graficzny: Krystian Berlak

#Idea 

Grafika zwycięzcy

Redkroft

Redkroft to studio brandingowe specjalizujące się w projektach o najwyższym poziomie złożoności. Tworzymy marki dla liderów branży i tych, którzy do tego miana aspirują. Od 2004 roku nadajemy markom wartość, podążając za rygorystycznymi zasadami odpowiedzialnego, dobrego designu. Dzięki temu realizujemy projekty, których nie podejmują się inni. Wybierają nas odważni i wizjonerzy. Nasze prace zdobywają serca i umysły, dalece wyprzedzają oczekiwania rynku. Umacniamy marki unikalną autentycznością na długo pozostającą w pamięci. Oto jak osiągamy rezultaty Szerokie spojrzenie na biznes: Bez względu, czy wskrzeszasz do życia małą firmę, czy kierujesz dużym przedsiębiorstwem, każdy projekt wymaga wizerunku. Tak szerokie doświadczenie pomaga nam zrozumieć potrzeby firm znajdujących się na różnym etapie rozwoju i pozwala przewidywać ich przyszłe potrzeby. Brak stałego, specyficznego dla studio stylu projektowania. Każda marka powinna być unikatowa, dlatego każdy z naszych projektów różni się charakterem. Dostosowujemy go do potrzeb marki. Działamy elastycznie, by dostarczyć efekt końcowy dopasowany do briefu i rynku, by był autentyczny oraz wyróżniał się na tle innych. Świadomość wyzwań startupów: Jako wieloletni partner wizerunkowy Google for Startups, które wspiera wschodzące firmy, dobrze zrozumieliśmy jak wygląda rozwój startupów i czego wymaga rozruch od podstaw. Właśnie dlatego możemy zaoferować elastyczne rozwiązania, aby z czasem zmaksymalizować potencjał marki. Globalne doświadczenie: Projektowanie marek lokalnych może wydawać się proste, jednak gdy ambicją staje się rynek globalny, liczy się doświadczenie. Od 2004 współpracowaliśmy z wieloma Klientami z całego świata. Niektóre z obrandowanych przez nas produktów sprzedawane są na ponad 60 rynkach. Na co dzień współpracujemy też z międzynarodowymi zespołami naszych Klientów. Korzystamy z tych doświadczeń przy każdej marce, którą projektujemy. Emocjonalne zaangażowanie: Specjalizujemy się w wymagających projektach. Ale przede wszystkim angażujemy się w projekty emocjonalnie, dlatego poświęcamy im tyle samo uwagi i uczucia, co ich Właściciele.

#Studio / Projektant Roku 

Historia "Sądu Ostatecznego" Hansa Memlinga / animacja

TOFU Studio

Przygotowaliśmy animację przybliżająca historię XV wiecznego tryptyku "Sąd Ostateczny" autorstwa Hansa Memlinga. W ramach działań związanych z promocją XV wiecznego tryptyku „Sąd Ostateczny” namalowanego przez Hansa Memlinga przygotowaliśmy animację dla Muzeum Narodowego w Gdańsku. Film animowany przedstawia historię tryptyku od jego powstania po czasy współczesne. Cała narracja oparta jest na krótkich faktach historycznych z historii arcydzieła. Animacja została przygotowana w dwóch wersjach językowych: polskiej i angielskiej. Także w wersjach z napisami.

#Proj. dla inst. publicznych 

Jerzy Treutler - Katalog wystawy w Muzeum Plakatu w Wilanowie

Hardziej Studio

Książka jest zbiorem prac jednego z legendarnych polskich Twórców znaków graficznych i plakatów – Jerzego Treutlera. Treutler w 1958 r. zaprojektował słynną jaskółkę dla przedsiębiorstwa Moda Polska, w późniejszych latach realizował dziesiątki zleceń na plakaty czy okładki książek. Wystawa w Muzeum Plakatu w Wilanowie (kuratorka: Ewa Reeves) dokumentowała przeszło 60 lat pracy twórczej autora.

#Forma 

Grafika nagrodzonego

Chosen By — moda cyrkulacyjna

Suprematic

„Spraw, aby Twoja moda trwała” — to nowe przesłanie, które towarzyszy zmianom brandingowym marki. Chosen By to komis i platforma internetowa do zakupów i sprzedaży mody pre-owned, pochodzącej z drugiej ręki. Celem zmiany wizerunkowej jest budowanie wokół marki społeczności, która skupia ludzi świadomych zagrożeń środowiskowych wynikających z przemysłu fast-fashion, a także promowanie wiedzy o zaletach tzw. mody cyrkulacyjnej, świadomych zakupach rzeczy używanych, które dzięki wysokiej jakości mogą dobrze służyć nowym właścicielom. Mocniejsze ukierunkowanie na odpowiedzialność środowiskową wymusiło zmiany w obrębie identyfikacji wizualnej. Założyliśmy minimalizację ilości materiałów drukowanych, wykorzystanie papierów pochodzących z recyklingu i naturalnych surowców. Powstały wizytówki, metki, karty produktu (niezbędne w sprzedaży wysyłkowej produktów różnych marek) i naklejki jako uzupełnienie opakowań. Stosowane dotychczas pudełka z nadrukiem zostały zastąpione najprostszymi tekturowymi pudełkami fasonowymi z bawełnianą naklejką. Okazało się to zasadne także z perspektywy biznesowej — znacznie zminimalizowane zostały koszty produkcji opakowań, zaś środki z budżetu można było zainwestować w wysokiej jakości papiery ekologiczne. W materiałach drukowanych został wykorzystany papier bawełniany, pochodzący z przetworzonego produktu ubocznego (konkretnie lintersu bawełnianego) w procesie wytwarzania tekstyliów. Można uznać, że ma bardzo niewielki wpływ na środowisko — gdyby nie papier bawełniany linters byłby zmarnowanym produktem ubocznym. Wykorzystany został również papier Betulla z serii „Woodstock” od Fedrigoni Papers, zawierający 80% włókien recyklingowanych i 20% włókien ECF, certyfikowany przez FSC®, ekologiczny papier niepowlekany Eko Kraft i konopne plomby sznurkowe. Tłoczenia stały się elementem przewodnim materiałów marki. Matryce do tłoczeń nadają się do ponownego wykorzystania, przy dodruku i do ewentualnej produkcji dodatkowych materiałów w przyszłości. Wdrożeniu zmian w identyfikacji towarzyszyła mikro-kampania promująca zrównoważoną modę. Publikacja kampanii została zaplanowana w Black Friday i miała na celu zwrócenie uwagi na zagrożenia dla środowiska, jakie niesie ze sobą moda masowej produkcji i nadmierny konsumpcjonizm. Manifest w formie video został opublikowany na kanałach digitalowych marki, a na skrzynki e-mailowe klientów platformy Chosen By trafił mailing poruszający tematy mody cyrkulacyjnej i zrównoważonych zakupów w Black Friday. https://vimeo.com/393123448 Kierunek artystyczny & design: Aleksandra Brzozowska Project manager: Oliwia Praszczałek Zdjęcia: Marta Chudek

#Proj. przyjazne środowisku 

Upper Festiwal

Radość Agency

"Upper Festiwal to wielopoziomowe, eksperymentalne wydarzenie muzyczne, podczas którego każdy może czuć się bezpiecznie i zapomnieć o wszelkich stylistycznych granicach” - w takich słowach organizatorzy określają Upper Festiwal, czyli wydarzenie, które dla nas - jako agencji brandingowej - było nie tylko kolejną współpracą, ale przede wszystkim nie lada wyzwaniem. Współpraca przy tworzeniu identyfikacji wizualnej festiwalu wykraczała poza klasyczne rozumowanie tego rodzaju projektów w Polsce. Większość festiwali oraz wydarzeń muzycznych swój język wizualny zamyka w standardowym układzie i logo. W przypadku Upper’a chcieliśmy wyjść poza utarte schematy i stworzyć eksperymentalny branding oddający charakter wydarzenia. Założeniem było wykreowanie czegoś intrygującego i nieoczekiwanego. Ostatecznie postawiliśmy na animacje 3D jako główny element identyfikacji (Animacje dostępne sa na naszej strone w podanym u góry linku). Na szczęście osoby zaangażowane w organizację wydarzenia to grono, które poszukuje nieoczywistych rozwiązań, więc jako studio brandingowe dostaliśmy zielone światło i mogliśmy rozpocząć pracę zgodnie z naszymi sugestiami. Zaufanie jakim obdarzyli nas organizatorzy, pozwoliło nam przez blisko pół roku, krok po kroku realizować wszystkie założenia i wdrażać je w życie. Praca nad identyfikacją festiwalu to dziesiątki godzin pracy, liczne konsultacje i przede wszystkim otwarte głowy. To druga edycja Upper Festiwal, którą mieliśmy okazję budować wizerunkowo i mamy nadzieję, że nie ostatnia. Finalny efekt pracy spotkał się z pozytywnym odbiorem i pozwolił wykreować indywidualny świat wydarzenia muzycznego, którego celem jest ugruntowanie swojej pozycji zarówno w Polsce, jak i za granicą, jako wydarzenia niecodziennego i odmiennego.

#Forma 

Grafika zwycięzcy

Heimdall

Redkroft

Heimdall powstał jako rebranding niewielkiej firmy rodzinnej z małego miasteczka na Mazurach. Celem założyciela było stworzenie marki, która odzwierciedli innowacyjność i pomysłowość tworzonych przez niego maszyn dekarskich, a jednocześnie rozpocznie rewolucję w konserwatywnej branży. Naszym celem było stworzenie nazwy i identyfikacji wizualnej marki tak, by podważyć status quo rynku dekarskiego, przedstawić firmę jako innowacyjną, odważną, a jednocześnie doskonale rozumiejącą realia i potrzeby dekarzy. Nazwa perfekcyjnie rezonuje z odbiorcami. Heimdall to bóg Wikingów, symbol męskości, opiekuńczości i poświęcenia. Służył innym bóstwom otaczając opieką ich domostwo. Symbolizuje wszystko to, co metaforycznie jest bliskie celom dekarstwa - tworzeniu bezpiecznego dachu nad głową. Dodatkowo nordycki charakter budzi skojarzenia z surowością pogody, z którą dekarze się na co dzień zmagają, a którą przetrwać muszą budowane przez nich dachy. Również brzmienie i konstrukcja słowa pełnią fundamentalną rolę. Fonetycznie nazwa przybiera stabilny, niski, męski ton. Geometria liter jest prosta, o ostrych kątach, przez co budzi wymagane wrażenie stabilności i siły. Konstrukcja logotypu wprowadza dynamikę niespotykaną dotąd w branży dekarskiej. Szeroki krój ze ściętymi pod ostrym kątem detalami nadaje marce pęd i energię. Typografia jest nowoczesna i w kontekście konserwatywnej branży radykalna, a mimo to efekt finalny perfekcyjnie odpowiada oczekiwaniom dekarzy. Produkty Heimdall służą zaginaniu i cięciu blachy. Wizualna budowa zarówno logotypu jak i sygnetu doskonale współgra z profilem firmy. Detale jak geometria liter i znaków umacnia poczucie, że marka jest techniczna. Dobór kolorów i detale konstrukcyjne nadają maszynie niezwykle dynamiczny, nowoczesny charakter. Już w trakcie ustalania strategii marki przyjęliśmy, że Heimdall ma umacniać zawodową dumę, obalać częsty obraz dekarza-robotnika. Uzyskaliśmy to m.in. dzięki kolorystyce. Czerń, wzbogacona białymi i czerwonymi detalami, podkreśla futurystyczny, agresywny wręcz design maszyny. Sprawia, że efekt końcowy robi wrażenie nie tylko na dekarzach, ale i na ich klientach. Strona www ma na celu wprowadzić w świat Heimdall i zaprezentować unikalny produkt. Stronę główną potraktowaliśmy jako prezentację charakteru marki, przedstawienie wyróżniających wartości i cech. Strony produktowe koncentrują się już na szczegółach oferty i dokładnie przedstawiają poszczególne elementy każdej z maszyn. Zakładki Serwis i Kontakt są finalnym krokiem podróży klienta – obniżają niepewność zakupową i motywują do rozmowy z przedstawicielem marki.

#Forma 

Gra z Kantorem 2020

Weird Gentlemen

“Gra z Kantorem” to zainaugurowany w 2018 roku cykl projekcji spektakli teatralnych najważniejszych światowych reżyserów, odwołujących się poprzez formę, treść lub ideę do twórczości Tadeusza Kantora. Tegoroczna edycja programu została poszerzona o polskich twórców. Intrygujące, nieoczywiste i prowokujące spektakle zostały wyselekcjonowane przez czwórkę kuratorów, krakowskich teatrologów – Annę Różę Burzyńską, Małgorzatę Jabłońską, Tadeusza Kornasia i Dariusza Kosińskiego. Każdą projekcję poprzedza krótka prelekcja na temat twórczości prezentowanego artysty w kontekście fenomenu Teatru Śmierci. Projekt wizualny cyklicznych wydarzeń jest próba dyskursu między współczesnym postrzeganiem twórczości Tadeusza Kantora a nowymi mediami. elementy projektu: Identyfikacja wydarzeń i druków promocyjnych (plakaty, broszura, animacje promujace wydarzenia cykliczne).

#Proj. dla inst. publicznych 

Essence of Poland – zapach Polski

Podpunkt

„Essence of Poland” to projekt artystyczny Wojtka Ziemilskiego, przygotowany specjalnie na otwarcie festiwalu Culturescapes w Bazylei. Perfumy będące częścią występu performatywnego zostały stworzone przez artystę przy udziale znanego szwajcarskiego perfumiarza, Andreasa Wilhelma. „Dzielenie się tożsamością narodową jest trudne. Jak dzielić się czymś, co jest intuicyjne i osobiste, a jednocześnie obiektywne, a przynajmniej kolektywne? W czasach, gdy polityka polega głównie na dzieleniu i antagonizowaniu, jak znaleźć poczucie spójności i powszechności?” Wojtek Ziemilski zinterpretował to doświadczenie przez pryzmat perfum, które wywołują skojarzenia związane z jego osobistą historią. Dla każdego odbiorcy, który otrzymał próbkę podczas występu zapach stał się indywidualnym, osobistym przeżyciem. Projekt i produkcja opakowania do perfum była ciekawym wyzwaniem. Zapach Essence stanowił nieoczywisty zestaw skojarzeń artysty z Polską i bardzo zależało nam, żeby opakowanie wybrzmiało tą nietypowością (w kompozycji zapachowej znalazły się m.in. nuty: żelaza, smaru, bananów), z drugiej zbudowało doświadczenie ekskluzywności typowe do tego rodzaju produktu, jakim jest dobry zapach. Projekt intryguje i dobrze prezentuje nietypową zawartość. Ale przede wszystkim zmusza do refleksji i zadaje pytanie – kim jest Polska? Zakres: koncepcja oprawy graficznej, projekt znaku i opakowania, produkcja flakonów i opakowania.

#Impakt społeczny 

Grafika nagrodzonego

Clearance. Bagienne strefy buforowe

zespół wespół

Kampania edukacyjnej projektu Clearance – strategii wdrażania bagiennych stref buforowych, czyli koncepcji prowadzącej do oczyszczenia europejskich rzek i uratowania Morza Bałtyckiego przed degradacją. Nasze zadanie polegało na zaprojektowaniu broszur w trzech językach: angielskim, polskim i niemieckim oraz przygotowanie dwóch animacji poklatkowych w wersji rozbudowanej i skróconej pod social media. Aby podkreślić ekologiczny charakter projektu wykorzystaliśmy papieru z recyklingu i druk w ekologicznej, japońskiej technologii risografii. Projekt dopełniają odręczne ilustracje natury wykorzystane w wersji do druku jak i ożywione w animacji. Projekt zrealizowany dla Universität Greifswald.

#Proj. przyjazne środowisku 

Skandal. Ewenement Molesty

Aleksander Znosko, Kuba Bogacki, Krzysztof Seyfried

Identyfikacja wizualna filmu dokumentalnego o legendarnej grupie rapowej Molesta. Projekt zakładał stworzenie spójnej komunikacji wizualnej filmu poprzez zaprojektowanie natępujących materiałów: logotyp, key visual, plakaty filmowe, zaproszenia, napisy do filmu itd.

#Forma 

Katalog "Srebra od pokoleń. Gdańscy złotnicy Stumpfowie 1804-1945", dla Muzeum Gdańska

tatastudio

Inspiracją dla formy graficznej katalogu były międzywojenne publikacje reklamujące wyroby rodzinnej firmy Stumpfów, która przez 140 lat działała w Gdańsku. Opisy przedmiotów zostały wydobyte jako jeden z najistotniejszych elementów katalogu i zaprojektowane z dużą starannością, by czytało się je z przyjemnością. Podpisy autorów pod poszczególnymi notami katalogu mają przywodzić na myśl znaki wybijane na wyrobach złotniczych. Motywem przewodnim okładki jest srebrna łyżeczka - przedmiot codziennego użytku, często przekazywany z pokolenia na pokolenie, traktowany i ofiarowany jako pamiątka przy różnych okazjach. Łyżeczki również stanowią część zbiorów prezentowanych w publikacji. Srebra od pokoleń Gdańscy złotnicy Stumpfowie 1804–1945 Katalog wystawy Muzeum Gdańska Ratusz Głównego Miasta Galeria Palowa 12 grudnia 2019 – 30 kwietnia 2020 Pod redakcją Anny Frąckowskiej 408 s. Format 221 x 266mm projekt graficzny, typograficzny, skład i przygotowanie do druku: Agata Knajdek / tatastudio dyrektor kreatywny: Piotr Białas / tatastudio wydawca: Muzeum Gdańska druk i oprawa: Drukarnia ZAPOL Sobczyk, Szczecin

#Proj. dla inst. publicznych 

Grafika zwycięzcy

"List" i krój "Transparent"

Kuba Rudziński / Studio Lekko

Krój pisma TRANSPARENT wziął swoją nazwę od pierwszego zastosowania – znalazł się na transparencie akcji “List”, uwspółcześnionej wersji happeningu Tadeusza Kantora z 1967 roku. Akcja była gestem artystycznego protestu przeciwko próbom zorganizowania wyborów korespondencyjnych w sytuacji pandemii; wyrazem niezgody na działania partii rządzącej, które na szali stawiały bezpieczeństwo obywatelek i obywateli. 6 maja 2020 czternastometrowy list-transparent z hasłem “ŻYĆ NIE, UMIERAĆ” został przeniesiony spod Poczty Głównej pod budynek Sejmu i tam dostarczony do adresata: posłanek i posłów, którzy wnieśli go do Sejmu. Przemarsz „listonoszy” przez puste centrum Warszawy stał się głośny głównie za sprawą represji jakie spotkały uczestników akcji – drakońskich kar finansowych nałożonych przez inspektora sanitarnego. Były odwołania, protesty, skuteczna zrzutka, szerokie wsparcie ze strony wielu środowisk. Dzięki interwencji Rzecznika Praw Obywatelskich kary z Sanepidu zostały uchylone. Autorem projektu graficznego transparentu, jak i liter wykorzystanych do napisu „ŻYĆ NIE, UMIERAĆ” jest Kuba Rudziński, projektant graficzny, właściciel Studia Lekko, uczestnik akcji. Kształt liter w “Transparencie” wziął się z fascynacji Kuby ręcznie malowanymi tablicami emaliowanymi, które obserwuje i dokumentuje od lat. Litery w kroju “Transparent” w założeniu miały być czytelne oraz widoczne z daleka. “List” trafił do kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie. Prezentowany jest teraz w ramach festiwalu Warszawa w Budowie na wystawie “Coś wspólnego” w Muzeum nad Wisłą. Aktualnie trwają prace nad Funduszem Solidarnościowym. Zgromadzone podczas zbiórki pieniądze zostaną przekazane na wsparcie ofiar cenzury w Polsce: artystek i artystów, aktywistek i aktywistów, którym zabrania się nie tylko wykonywania ich pracy, ale także praktykowania ich obywatelskich praw – do wolności słowa, wolności zgromadzeń, manifestowania poglądów i krytykowania władzy. Font “Transparent” zostanie udostępniony bezpłatnie, na wolnej licencji, do swobodnego użytku przez innych artystów i aktywistów, którzy będą chcieli wykorzystać go w swoich pracach i akcjach obywatelskiego nieposłuszeństwa.

#Impakt społeczny 

Mechanizm. Polska 1988–2019

dobosz.studio

Książka „Mechanizm” jest ważnym, fotograficznym dokumentem ewolucji polskiego społeczeństwa w ostatnich 30 latach, od lat 80. do współczesności. Fotografie Mariusza Foreckiego pokazują wydarzenia, które dotknęły w konsekwencji każdego z nas. Jacy byliśmy? Jak wyglądał nasz kraj, a jak żyje się teraz? „Mechanizm” to fotograficzna opowieść, dzięki której nie tylko możemy zobaczyć, ale także postarać się zrozumieć i docenić jak zmienił się nasz kraj w latach 1989-2019. Wszystko dojrzewało powoli, wstydliwie, w cieniu brudnych bram domów. Czaiła się tam niepewność, czy cienki zwitek dolarów kupiony za roczną pensję, nie okaże się pociętą, komunistyczną gazetą i czy nie jest to prowokacja. Później – kilkudniowe stanie w kolejce po paszport i pierwsze wybory, nazwane trochę na wyrost „wolnymi“. I dworzec kolejowy, pachnący jeszcze brudnym wagonem drugiej klasy w nocnym pociągu relacji Szczecin-Przemyśl. Polska na zdjęciach Foreckiego to tytułowy mechanizm. Autor nie ocenia, raczej jest dogłębnym obserwatorem rzeczywistości – tej szarej, zwykłej oraz tej „ważniejszej” – z pierwszych stron gazet. Ukazuje ją jednak nie wprost – jak zwykło się drukować ją w prasie. Sporo jest w Foreckim socjologa – dokumentalisty – dużo więcej niż fotoreportera. Opowieść zaczyna się w późnych latach osiemdziesiątych, szarość ulicy zamienia się w kolor nieprzewidywalnych lat dziewięćdziesiątych i dociera współczesności. Publikacja została książką roku Grand Press Photo, zdobyła wyróżnienie na Pictures of the Year International. Głosami czytelników zajęła drugie miejsce w plebiscycie Fotopolis. W konkursie Polish Graphic Design zdobyła wyróżnienie w kategorii Wydawnictwo. Była prezentowana w Print Control no 8. tytuł: MECHANIZM. POLSKA 1989-2019 autor: Mariusz Forecki teksty: Mariusz Forecki, Piotr Gajdziński design: Andrzej Dobosz / dobosz.studio wydawca: PIX.HOUSE ilość stron: 240+32 nakład: 250 / 300 – autorski oprawa: twarda, półszwajcarska, dwie różne okładki ISBN 978-83-65133-29-8 http://www.printcontrol.pl/?p=7637 https://pix.house/produkt/mechanizm_02/

#Forma 

Identyfikacja wizualna Skawiny

Studio Otwarte

W 2019 zlecono nam zaprojektowanie identyfikacji wizualnej Skawiny – małego miasta i gminy na obrzeżach Krakowa. Projekt miał być oparty o herb miejski, jednak jego przedstawienie z 1994 r. budziło wątpliwości. Przed opracowaniem SIW, ten historyczny symbol został poddany analizie historyczno-heraldycznej i na jej podstawie – gruntownie przeprojektowany. Nowy projekt herbu, pieczęci i flagi Skawiny został w 2020 r. zatwierdzony przez Komisję Heraldyczną przy MSWiA i wprowadzony do użycia uchwałą Rady Miasta. Stanowi punkt wyjścia do Systemu Identyfikacji Wizualnej Skawiny. Inspiracją do pokazania Skawiny była historyczna ilustracja przedstawiająca panoramę Krakowa, Kazimierza i Skawiny, z XV-wiecznej „Kroniki Świata” Hartmanna Schedla. Przedstawione tam, sąsiadujące z królewską stolicą miasteczko wśród wzgórz nasunęło nam myśl, że dobre sąsiedztwo to ważny element tożsamości Skawiny i że nie należy się bać określenia „małe miasto” – bo można w nim odnaleźć wiele dobrego: ciszę i spokój, znajomą społeczność i małe odległości. A przy tym dobrą infrastrukturę, łatwy dostęp do dużego miasta i potencjał na rozwój. Zdecydowaliśmy, że projekt też powinien być zwykły, prosty do zrozumienia i łatwy w obsłudze. Stąd użycie najzwyklejszych fontów Arial i Times, dosadna kolorystyka i najprostsze, „samoobsługowe" layouty, ilustracje i ikonografia. Powstał kompleksowy projekt SIW, ze specyfikacją stosowania znaków, key vtsualem, księgą SIW i projektami wdrożeniowymi materiałów informacyjnych i promocyjnych.

#Proj. dla inst. publicznych 

Grafika nagrodzonego

Sisters of Europe

Karolina Grzelak

Projekt to przełożenie 17 wywiadów 17 kobiet z całej Europy na wersję papierową. Do tej pory treści były dostępne tylko w Internecie. Książka ma to do siebie, że mimo odstawienia jej na półkę, można po wielu latach wrócić do niej i zobaczyć jak wyglądały ówczesne lata. Projekt kieruje do wszystkich, bez względu na wiek i płeć. W książce poruszane są historie kobiet, które różni bardzo wiele: niektóre są astronautkami, inne pracują w kopalni, ale zawsze łączy je jedno - chęć niesienia zmian. Projekt jest interpretacją wywiadów, jako wydawnictwa, ale również dopełniony jest hasłami, które stały się animacją. Hasła te są krótkie, bardzo dosadne, prawdziwe cytaty. Wydawnictwo jest przełożeniem prawdziwych treści, zaś plakaty nawiązują do marszów, okrzyków, emocji i transparentów. Wprost zwracają uwagę na problemy z jakimi zmagają się kobiety. Projekt wpisuje się w kontekst społeczny, ponieważ nawiązuje do problemów kobiet i tym jak sobie radzą w swoim kraju. Oryginalnośc projektu polega na tym, że dopełniony jest animacjami, które kontrastują ze zrównoważoną książką. Wydawnictwo również oparte jest na kontrastach - można odnaleźć je w foncie, w kolorystyce, jak również w zdjęciach. Zdjęcia kwiatów - pozornie kojarzone z kobietami, delikatnością zestawione są z prawdziwym obliczem kobiet i ich historiami. Materiały to: papier Munken, tłoczony napis na materiałowej okładce, szycie szwajcarskie. Proces projektowy to odnalezenie równowagi. Z jednej strony chciałam, by projekt był atrakcyjny wizualnie - z drugiej zależało mi, by historie tych kobiet były czytelnie przedstawione. Projekt ma zastosowanie uświadamiania - nie tylko właśnie jako książka, ale jako animacje, które można animować jako pewien społeczny projekt - może pojawiać się w przestrzeni publicznej zwracając uwagę a problemy w danym kraju. Chciałabym podjąć współpracę z założycielkami Sisters of Europe, by wdrożyć projekt - również w innych językach. Praca dyplomowa była realizowana od początku 2020 roku, jednakże przez COVID obrona została odgórnie przesunięta na połowę września. W linku do Behance zawarte są animacje i video.

#Świeża krew 

Skopje. Miasto, Architektura i Sztuka Solidarności

Weird Gentlemen

Projekt publikacji oraz materiałów promocyjnych towarzyszących wystawie „Skopje. Miasto, Architektura i Sztuka Solidarności”. Tematem wystawy prezentowanej w krakowskim centrum kultury była macedońska stolica wraz z jej burzliwą 20-wieczną historią. Szczególnie istotny wątek ekspozycji dotyczył powszechnie nieznanego związku Skopje z polską sztuką, kulturą i architekturą. Wystawa opowiada o dziejach Skopje po tragicznym trzęsieniu ziemi w 1963 roku i pomocy jaką miasto otrzymało od innych państw, w tym Polski. Niezwykła historia miasta wraz z jego brutalistyczną, ascetyczną architekturą stały się dla nas największą inspiracją przy tworzeniu identyfikacji dla wystawy. Skomplikowane bryły, kolory macedońskiej flagi i surowość betonu są bazą dla stworzonego przez nas systemu, który wykorzystaliśmy potem do zaprojektowania plakatów, ulotek, animacji i albumu. project: Międzynarodowe Centrum Kultury Kraków design: Weird Gentlemen studio (Łukasz Podolak, Aleksandra Braska) format: posters – 1000×700 mm, book – 275x235 mm typefaces: Brutal by Benoît Bodhuin, Basis Grotesque by Colophon Foundry paper: Munken lynx 120g/m2 (inside), Gmund Urban Cement Gray 310 g (cover) print run: 800 publisher: Międzynarodowe Centrum Kultury Kraków year: 2019/2020

#Proj. dla inst. publicznych 

Książka przedstawiająca dwa systemy zaprojektowanych znaków głagolicy

Ewelina Dąbrowska

Projekt książki Głagolica prezentuje zaprojektowane przeze mnie 2 systemy znaków głagolicy – staro-cerkiewno-słowiańskiego pisma, w nowoczesny sposób. Znajduje się w niej również krótkie wprowadzenie do historii powstania samego alfabetu, naszego słowiańskiego dziedzictwa, które przez wiele lat było tematem tabu. Dziś mało kto ma wiedzę na jego temat, z powodu jej masowego wyniszczania w XII wieku. Projekt znaków, ma za zadanie pokazać designerski potencjał symboli głagolicy w dzisiejszych czasach oraz jej szlachetną wartość pomimo, wyjścia z użytku. Projekt ma również cel edukacyjny – informuje o piśmie, które było wykorzystywane przez naszych przodków jeszcze przed zestandaryzowaniem alfabetu łacińskiego. Prezentuje tradycyjny system znaków w odświeżonym wydaniu. Znaki są nowoczesne, minimalistyczne, uproszczone oraz wyrównane wielkościowo. Książka zawiera: • Wprowadzenie: powstanie, charakterystyka, znaczenie, funkcja • Oś czasu: ważne daty mające wpływ na kształtowanie pisma • System 1: kanciasta wersja [unicode] do wykorzystania jako komputerowy krój pisma; dźwięk oraz znaczenie każdego znaku • System 2: obła wersja, najbliższa pierwotnemu pismu używane do standardowego zapisu ręcznego; dźwięk oraz znaczenie każdego znaku. Oprócz książki dodatkowo powstał materiał promujący w postaci projektu naklejek, T-shirtu oraz plakatów. System 1 eksperymentalnie został zastosowany jako komputerowy font.

#Świeża krew 

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury, uzyskanych z dopłat ustanowionych w grach objętych monopolem państwa, zgodnie z art. 80 ust. 1 ustawy z dnia 19 listopada 2009 r. o grach hazardowych.

STGU

Partnerzy

Arctic Paper

Munken Paper

Pan

Patroni medialni