nominacje

Punktem wyjścia do stworzenia instalacji węglowej było zagadnienie ekologii cyfrowej, która badając praktyki i sposoby działania technologii informacyjno–komunikacyjnych podkreśla m.in. ich negatywny wpływ na środowisko naturalne. Jesteśmy świadkami, a nawet współtwórcami, zakrojonej na szeroką skalę transformacji, przekształcającej procesy analogowe w cyfrowe w niemal wszystkich dziedzinach życia, która całkowicie zrewolucjonizowała współczesny model funkcjonowania. Ciężko wyobrazić sobie dzisiejszy świat bez wykorzystywanych technologii, jednak warto przy tym pamiętać o globalnej skali całego zjawiska, intensyfikującej jego wpływ m.in. w zakresie zmian klimatycznych, związanych z generowaniem śladu węglowego, powstającego na różnych etapach cyklu życia produktów cyfrowych. Zaprojektowana instalacja węglowa ma na celu zwrócenie uwagi na fizyczny aspekt świata cyfrowego i zachwianie społecznego przekonania o jego chmurowej neutralności, poprzez ukazanie analogii pomiędzy spaleniem określonej wielkości brył węgla kamiennego a poszczególnymi działaniami w sieci, emitującymi zbliżoną ilość śladu węglowego do atmosfery. Wejście w interakcję z zaproponowaną formą węglową sprawia, że interaktor brudząc swoje dłonie, zauważa fizyczny ślad uświadamiający mu, iż on również jest współodpowiedzialny za jego generowanie. Chcąc zachęcić odbiorców do wejścia w interakcję z formą wokół umieszczonych na postumentach brył powstały obrysy sugerujące, że coś znajduje się pod spodem oraz napis "odłóż na miejsce" wskazujący, że aby coś odłożyć, należy najpierw to podnieść. W ramach powstałej instalacji węglowej zobrazowałam najpopularniejsze działania w sieci obejmujące wysyłkę maili, wyszukiwanie haseł oraz streaming video. Stworzona instalacja stanowi formę zaproszenia do zmiany naszych dotychczasowych relacji z technologią i pobudzenia świadomości, dającą nadzieję na osiągnięcie stanu harmonii pomiędzy dobrostanem człowieka i środowiska naturalnego a dalszym rozwojem gospodarczym.

#Projektkowanie zrównoważone 

„Wszyscy jesteśmy KulTurą!” – nowe hasło, linia promocyjna i postać promująca (Tura Kul) Białołęcki Ośrodek Kultury. Słowo „KulTura” jest punktem wyjścia do promocyjnych działań instytucji. Zaprojektowałyśmy mascot Logo – postać Tury Kul, przewodniczki BOK, pełną identyfikację wizualną opartą na nowym haśle, kampanię promującą BOK, a nawet linię programową instytucji. Znak (mascot logo) miał być odważny, nietuzinkowy. Miał nawiązywać kształtem do Warszawskiej Syrenki. Miał kojarzyć się z postacią „sąsiadki” bliżej ludzi. Chciałyśmy uosobić Kulturę, tak by stała się bardziej dostępna dla mieszkańców Białołęki. Nadałyśmy jej specjalną rolę – rolę przewodniczki, która tak jak każdy z nas przeżywa różne historie, bierze udział w wydarzenia kulturalnych, ma swoje opinie i „polecajki”. Tura Kul pojawia się zarówno w przestrzeni BOK (np. na muralach czy online na bok.waw.pl) jak i tworzy z nami wydarzenia firmując je niejako swoją „twarzą” – postać ta stała się sama w sobie contentem. Nowoczesna, minimalistyczna forma projektu graficznego jest ukłonem zarówno w stronę młodszych odbiorców jak i tych dojrzałych łącząc młodsze i starsze pokolenia. Credits: Emilia Mariańska – branding, projektowanie graficzne, kampania, koordynacja projektu, myśl kreatywna, oprawa wizualna. Magdalena Olbryś-Paczkowska – kampania, koordynacja projektu, hasło „Wszyscy jesteśmy KulTurą!”, myśl kreatywna, pomysł

#Instytucje 

Projekt logo z okazji 30-lecia współpracy miast siostrzanych Poznania i Shenzhen wyłoniony został w ramach zamkniętego konkursu, którego celem była prezentacja pomysłów projektantów z obu miast, pogłębienie wzajemnego zrozumienia i zbadanie przyszłego kierunku projektowania poprzez współpracę na polu kultury i sztuki. Podczas konkursu wybrane zostały pary projektowe, które wypracują wspólnie formę dialogu artystycznego. Twórczy dorobek współpracy projektowej „5+5” (5 par projektantek i projektantów) został zaprezentowany w serii wydarzeń kulturalnych obejmujących 3-letnią wymianę kulturalną między miastami, a inauguracja współpracy miała miejsce w 2023 r. Znak stał się elementem wyjściowym do identyfikacji wizualnej wystawy „Exhibition of Poster Design. 30th Anniversary of Poznań / Shenzhen Sister Cities” stworzonej przez jednego z gospodarzy wydarzenia – Guan Shanyue Art Museum w Shenzhen w lipcu zeszłego roku, a także wystawy „5+5 Poster from Poland and China” w Poznaniu, w grudniu minionego roku. Główną ideą logo było stworzenie znaku, który będzie lekki i dynamiczny, a użyte tu formy miały sprawiać wrażenie rozrzuconych elementów (klocków, części gry Jenga), co wskazywałoby na element gry, zabawy ale też obchodzenia się z czymś z dużą starannością. Wspomniane formy miały również odnosić się do wrażenia, że każdy z nas może podjąć działanie i zbudować z danych elementów coś nowego. Oczywiście liczba prostokątów nie jest przypadkowa, gdyż każdy z nich oznacza dekadę, a forma logo przypomina chiński znak oznaczający cyfrę trzy. Logo zostało nagrodzone w konkursie DNA Paris Design Awards 2024 Wydarzenia zostały zorganizowane przy współpracy Uniwersytetu Artystycznego im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu, Guan Shanyue Art Museum w Shezhen, przy wsparciu festiwali partnerskich Poznań Art Week oraz Fringe Festival Shenzhen. Kuratorzy: Mateusz Bieczyński, Eric Zhu Foto: Shenzhen Fringe Art Center

#Forma 

Akceptuje ciasteczka to eksperymentalny projekt instalacji interaktywnej. Projekt stara się sprowokować pytania o to, jakie informacje zostawiają po sobie użytkownicy mediów społecznościowych i co algorytm może wywnioskować za pomocą tych informacji na temat ich właścicieli. Powołując się na tezę PhD Michała Kosińskiego, tylko 10 facebookowych "lajków" wystarczy, aby algorytm poznał cię równie dobrze, jak bliski przyjaciel. Projekt stara się w nieprofesjonalny sposób odwzorować tę tezę, przedstawiając ją w formie interaktywnego doświadczenia. Korpus do stworzenia projektu stanowią dane pochodzące z aktywności autora w jego mediach społecznościowych, które zostały wydrukowane w formie ich fizycznych reprezentacji i opatrzone kodami kreskowymi. Za pomocą własnoręcznie dostosowanego przez autora skanera tych kodów można "wprowadzić" dane do systemu, na bazie których sztuczna inteligencja następnie wyciąga wnioski, które pogłębiają się wraz z czasem spędzonym przy instalacji. Po zakończeniu eksperymentu drukarka paragonów fiskalnych zwraca krótkie podsumowanie eksperymentu. Projekt został opatrzony oprawą wizualną, w której postawiono na kompletny minimalizm i brak ekspresji, poniekąd cytujący estetykę starych komputerów. Taka decyzja została podjęta z dwóch powodów. Po pierwsze, w celu sprowokowania użytkownika, nie podsuwania mu żadnych interpretacji projektu. Po drugie, osobistym celem autora było podkreślenie inżynierskiego charakteru projektu i wyjście naprzeciwko nadmiernej estetyzacji projektowania graficznego w miejscach, w których nie ma ona swojego zastosowania: nie potrzeba wyczucia stylu, aby być projektantem. "Akceptuje ciasteczka" zostało ukończone w formie wczesnego, w pełni funkcjonalnego prototypu, jako fragment dyplomu magisterskiego Jakuba Russaka na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach, pod promocją dr hab. Jacka Mrowczyka.

#Świeża Krew 

Katalog został stworzony z okazji wystawy Przemysława Blejzyka "Sainera" w Muzeum Narodowym w Gdańsku. Moim zadaniem było edytorskie opracowanie materiału, czyli dokumentacji wszystkich obrazów prezentowanych na wystawie. Celem było stworzenie książki–obiektu. Album ma specyficzny charakter, który wyraża się poprzez odpowiednie dobranie zabiegów edytorskich, materiałów oraz wysokiej jakości wykonanie poligraficzne. Książka miała opowiadać o twórcy i jego dziełach, odwołując się do jego stylu – stąd duży format publikacji i różnorodność zastosowanych środków wyrazu. Motywem przewodnim publikacji jest piksel, nawiązujący do twórczości Sainera. Blejzyk w swoich pracach bada strukturę pikseli i tworzy obrazy oparte na uproszczonych, generatywnych formach, stopniowo przechodząc od figuracji do abstrakcji. Owo nawiązanie do piksela widoczne jest w kwadratowej formie albumu, kompozycjach na okładce autorstwa Sainera oraz w samym układzie graficznym wydawnictwa. Książka została wydana w oprawie szwajcarskiej, co umożliwia płaskie otwieranie rozkładówek, ułatwiając odbiór obrazów. Całość wykonano na dwóch rodzajach papieru, aby wyraźnie oddzielić prolog od części albumowej. Charakter albumu wzmacnia neonowy żółty kolor, który pełni rolę motywu przewodniego publikacji. Efektem jest wysokiej jakości, dwujęzyczna książka podsumowująca ważny okres w twórczości Sainera. To pierwsza tak obszerna publikacja poświęcona temu artyście. 1: Patryk Hardziej, design 2: Przemysław Blejzyk "Sainer", art direction 3: Konrad Zamiar, AR design

#Forma 

Zainspirowana twórczością hongkońskiego reżysera Wong Kar Wai’a, zaprojektowałam album poświęcony jego filmografii. Moim celem było stworzenie publikacji, która byłaby dostępna na festiwalach filmowych, jak np. Festiwal Pięciu Smaków. Projekt powstał, aby widzowie po obejrzeniu filmu, mogli z takiej pozycji uzupełnić swoją wiedzę o kontekst Hong Kongu lat 90 tych, ale też elementy biografii reżysera. Album może pełnić formę pamiątki z wydarzenia, ponieważ zawiera kadry z filmów Wonga. W celu wzbogacenia doświadczenia z poznawania historii reżysera czytelnik może zeskanować "spotify code" do utworów z poszczególnych filmów. Zainspirowana charakterystyczną stylistyką Wong Kar Wai'a pełną rozmyć i rozedrganych kadrów zastosowałam na rozkładówkach gradient, który stopniowo przechodzi przez całą publikację od intensywnie czerwonego po żółty. Reżyser lubił eksperymenty formalne, dlatego jako banderole wykorzystałam czerwoną folię w postaci filtra do światła, na której wydrukowałam kadr z filmu.

#Świeża Krew 

„All Play No Work” to projekt futurystycznego poradnika, składającego się z publikacji książkowej i krótkich animacji. Praca powstała w oparciu o globalnie obserwowane tendencje, przede wszystkim postępującą automatyzację pracy oraz wzrost znaczenia osobistego dobrostanu. Poruszana w projekcie ekonomiczna koncepcja dochodu podstawowego, odpowiada na wyzwania przyszłości o zmniejszonym zapotrzebowaniu na pracowników ludzkich. Poradnik ma pomóc odnaleźć się w nowym systemie wartości, w którym praca schodzi na dalszy tor, a jednostka odzyskuje wolność dysponowania własnym czasem. Publikacja przedstawia sposoby korzystania z niego, ukazując między wierszami przewidywane korzyści i zagrożenia wynikające z rozważanego scenariusza przyszłości. Proponowane aktywności sklasyfikowane są w pięciu rozdziałach, skupionych kolejno wokół: wysokorozwiniętej technologii, ekonomii cyrkularnej, społeczności i wspólnoty, rozwoju osobistego oraz wzrostu świadomości. Wideo towarzyszące każdej z sekcji tematycznych, pełni funkcję swego rodzaju reklamy promującej właściwe dla sekcji wartości. Projekt utrzymany jest w stylistyce retrofuturystycznej, nawiązującej do wizji przyszłości kreowanych w latach 70-tych i 80-tych XX wieku. Komunikacja projektu – zarówno werbalna jak i wizualna – nastawiona jest na przystępność treści. Barwny i lekki sposób przekazu pozwala przełożyć pozornie odległe i złożone zagadnienia z zakresu ekonomii, polityki i socjologii, na materiały, z którymi łatwo się utożsamić. Poradnik ma na celu zachęcić do udziału w dyskusji na temat systemu wartości, w którym funkcjonujemy, szczególnie te osoby, które nie czują się w mocy do zabrania głosu.

#Świeża Krew 

Artbook "Kreownik" liczy 150 stron i jest zbiorem 6 technik i ćwiczeń, które pozwolą spojrzeć na rolę szkicownika w nowy sposób i wyjść poza utarte schematy. Wśród opisanych metod znajdują się m.in. szablon, kolaż z papieru, kolaż z tkaniny, szkic taśmą, postacie z bazgrołów oraz stemple z gumki. Opisane w techniki i ćwiczenia nadają się do samodzielnej nauki i eksperymentowania. Zaproponowane metody są elastyczne i mogą być stosowane samodzielnie lub łącznie, umożliwiając czytelnikowi eksperymentowanie i eksplorację własnych możliwości artystycznych. Oprócz praktycznych wskazówek, książka zawiera motywujące porady, pomagające czytelnikowi przełamać bariery i śmiało poszukiwać własnego stylu. Wszystkie techniki i ćwiczenia zawarte w „Kreowniku” są owocem mojej własnej praktyki artystycznej, a praca dyplomowa stanowi podsumowanie mojego doświadczenia, które z chęcią przekazuję wszystkim zainteresowanym twórczością. Książka ma wymiary 125x205 mm, wydrukowana jest na papierze Munken Pure o gramaturze 150 gr/m², o oprawie szwajcarskiej szytej nićmi, została stworzona w taki sposób, aby przypominać ręcznie prowadzone szkicowniki. Każda reprodukcja pochodzi z moich osobistych szkicowników, które z pasją wypełniam od lat. Tekst w całej książce został napisany ręcznie, by zachować autentyczność i atmosferę manualnego pisania. Bez użycia wektorowych elementów, książka ma na celu przypominać prawdziwy szkicownik, zachowując jego charakter i wyjątkowość.

#Świeża Krew 

„Atol has all the elegance of a fine metal cut and some subtle yet distinctive – nuanced anomalies. […] all the weights have a sense of classical and seductive contemporaneousness” – Steven Heller Atol to współczesna reinterpretacja krojów klasycystycznych. Charakterystyczny rysunek liter – np. M, N, R, e, g, t – oraz niekonwencjonalnie połączone szeryfy, wysoki kontrast, nowoczesne proporcje i subtelne detale sprawiają, że idealnie nadaje się do przyciągających wzrok, ciasno spacjowanych nagłówków w czasopismach, brandingu i animowanej typografii. Dodatkowym elementem są strzałki i warianty ozdobne liter. Krój występuje w 6 odmianach grubości i w wersji variable. Wydawca: Type & Roll. Krój jest dostępny w serwisach I Love Typography i MyFonts.

#Forma 

BABA — świeży sposób patrzenia na kuchnię. Stworzyliśmy oprawę i narrację niewielkiego i mocno autorskiego wrocławskiego bistro, znanej szefowej kuchni – Beaty Śniechowskiej. System miał być pojemny, dający dużą dowolność a jednocześnie komunikujący bardzo wysoki, światowy poziom kuchni. Identyfikacja opiera się na efemerycznych manifestacjach BABY, które tworzymy, dokładając oczy do różnych przedmiotów, obrazów i kształtów. Korzystając ze zjawiska paraidoli, czyli dostrzegania znajomych kształtów w przypadkowych szczegółach, zachęcamy odbiorcę do zauważania baby w fizycznych obiektach lub plamach. Tutaj nie ma ograniczeń. Wyobraźnia is the limit. Zrobiliśmy serię organicznych kleksów, w których szukaliśmy różnych manifestacji BABY. Następnie posłużyły nam one do tworzenia materiałów ilustracyjnych online i offline. Przygotowaliśmy zestaw łatwych w użyciu elementów szablonów na media społecznościowe. Posty można zrobić samodzielnie, także w telefonie lub iPadzie. Zaprojektowaliśmy również subtelny branding naczyń, szkła oraz zaproszenia. Zespół projektowy: Tomek Jurecki, Julek Wierzchowski, Oksana Shmygol, Oliwia Zypser, Łukasz Wojtysko, Michał Róg, Jan Drozd, Mirek Kliś, Patrycja Mola Projekt wnętrz: Zuza i Piotr Paradowscy Zespół Baby: Beata Sniechowska, Tomek Czechowski

#Idea 

Kiedy Julia Parchimowicz zaprosiła nas do współpracy przy rebrandingu Cantourage, wiodącej europejskiej firmy zajmującej się medyczną marihuaną, byliśmy podekscytowani i podjęliśmy to wyzwanie. Założona w 2019 roku, Cantourage szybko stała się pionierem w branży medycznych konopi, umożliwiając szybki i kosztowo efektywny wstęp producentów z całego świata na europejski rynek. Naszym zadaniem było odświeżenie ich identyfikacji wizualnej, aby odzwierciedlić ducha innowacyjności i dynamicznego rozwoju.

Cantourage, z siedzibą w Berlinie specjalizuje się w produkcji i dystrybucji wysokiej jakości kwiatów konopi i produktów medycznych na terenie Europy. Poprzez platformę „Fast Track Access”, Cantourage umożliwia producentom z całego świata efektywne wejście na europejski rynek, zapewniając zgodność z najwyższymi standardami farmaceutycznymi. Naszym głównym celem było stworzenie identyfikacji wizualnej, która nie tylko wyróżnia się na konkurencyjnym rynku medycznych konopi, ale także rezonuje z wartościami Cantourage: jakością, innowacją i dostępnością. Redesign logo i key visualu miał być prosty, wyrazisty i łatwy do rozpoznania. Czerpiąc inspirację z misji Cantourage do innowacji w sektorze medycznych konopi, nowa identyfikacja wizualna jest świeża, odważna i nowoczesna. Wykorzystaliśmy czyste linie i intensywne kolory, aby podkreślić wzrost, wzajemne powiązania oraz dynamiczną naturę firmy i jej partnerstw. Autorzy projektu: workshop91 | Julia Parchimowicz

#Impakt 

Główną ideą projektową jest celebracja 50-lecia Działu Sztuki Wydawniczej poprzez wykorzystanie współczesnych narzędzi w projektowaniu graficznym. Algorytm pomógł wygenerować starą estetykę tzw. marmurków wykorzystywanych w oprawach, aby podkreślić i uwydatnić skojarzenia z tradycyjną kulturą książki. Aby uczcić historię tworzenia marmurków, wybraliśmy metodę wygenerowania serii różnych od siebie wzorów przy pomocy narzędzi cyfrowych AI. Inspiracją generatywnie animowanego wzoru była tradycyjna technika introligatorska — marmoryzacja. Każda z klatek wideo, dokumentującego książki reprezentuje jedną obwolutę. Każda jest inna a nakład dodatkowo jest ręcznie numerowany, aby podkreślić unikatowość każdej edycji. Wzór obwolutowy jest również częścią identyfikacji wizualnej wystawy 50 na 50 prezentowanej w Muzeum Narodowym we Wrocławiu. Również wnętrze książki to zderzenie starego z nowym, pierwsza część publikacji wykorzystuje krój pisma z XIX wiecznym rodowodem natomiast jej druga połowa złożona jest współczesnym groteskiem. Projekt graficzny: Marian Misiak, Marcin Zonenberg (współpraca) Generatywny wzór graficzny marmurków: Olaf Schindler Użyte kroje: Di Grotesk, Heneczek Pro

#Idea 

Jedzenie ma ogromny wpływ na nasze zdrowie i samopoczucie. Kiedy jemy różne posiłki, wykorzystujemy także zmysły, które sprawiają, że możemy zacząć postrzegać daną żywność w inny sposób. Doświadczanie świata poprzez skupianie na wszystkich zmysłach umożliwia bardziej efektywne porozumiewanie się z innymi ludźmi, podwyższenie jakości życia (rozwój integracji sensorycznej), ćwiczenie uważności, zapamiętywanie konkretnych sytuacji i towarzyszących im emocji. Jedzenie czekolady najczęściej dostarcza bodźce wzroku, dotyku, węchu i smaku, a najrzadziej zwracamy uwagę na zmysł słuchu. Choco xperience to seria opakowań, które zawierają kody QR z partyturami z dźwiękami wybranej czekolady. Szata graficzna odnosi się do łamania i smaku poszczególnych czekolad: gorzka z migdałami, gorzka z pomarańczą, biała z pistacjami i biała z malinami.

#Forma 

„Chodź, pokażę ci moje noże” to książka, w której dzielę się przeżyciami i lękiem towarzyszącymi utracie bliskiej osoby. Jest świadectwem walki z uczuciem strachu i samotności. Publikacja częścią mojej pracy doktorskiej obronionej w Akademii Sztuk Piękny w Katowicach, temat: Metoda pracy nad Książką Refleksyjną (2023). Starając się zrozumieć zdarzenia, porównuję je do piwnicy – symbolicznego miejsca, w którym gromadzi się nie tylko niepotrzebne przedmioty materialne, ale także trudne doświadczenia, towarzyszące nam mimo potrzeby wyparcia niechcianych wspomnień. To przestrzeń, gdzie skoncentrowane są bolesne chwile, reprezentujące proces konfrontacji z lękiem, samotnością, cierpieniem i przemijaniem. Książka włączona do zbiorów Muzeum Narodowego w Poznaniu (2024). Była przedstawiana na seminarium Method/Art w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Antwerpii (2024). Wyróżniona w konkursie Najpiękniejsza Polska Roku 2023 w kategorii Literatura Piękna (2024). Jestem autorką całej książki: projektu graficznego, tekstu, obrazów, składu tekstu oraz przygotowania do druku. Oprawa twarda, szyta nićmi, z obwolutą Wymiary: 14,5 cm × 28 cm Liczba stron: 100 Ilustracje w oryginale są malarstwem akrylowym na płótnie. Krój pisma: Comma Base, autor Martin Majoor Została wydana w nakładzie 100 egzemplarzy.

#Impakt 

„Chwilka z krzesłami” to ilustrowana książka dla dzieci, która opowiada historię małpki Chwilki. Zmęczona całym dniem zadań i zabaw, Chwilka wyrusza na wyprawę w poszukiwaniu idealnego krzesła. Ilustracje w tej książce wykonane są techniką mieszaną, z użyciem farb gwaszowych, kredek oraz pisaków alkoholowych, co nadaje im unikalny, odreczny charakter. Opowieść ta jest nie tylko historią o znalezieniu swojego miejsca i odwadze, aby nie zgadzać się na to, co nam nie pasuje, ale także porusza temat różnorodności projektowej. Inspiracją do stworzenia tej książki była moja osobista walka z za dużymi na mnie krzesłami w przestrzeniach publicznych oraz potrzeba większej różnorodności w projektowaniu, która odpowiadałaby zróżnicowanym potrzebom użytkowników. Książka, poza warstwą fabularną, przedstawia również historię polskiego projektowania krzeseł. Zainspirowana ich formą oraz projektantami, stworzyłam opowieść opartą na tym, co inspirowało ich twórców. Krzesła, które są drugoplanowymi bohaterami książki, służą jako przykład tego, jak wiele jest jeszcze nieodkrytych przez dzieci kształtów i form krzeseł, które mogą znaleźć w swoim otoczeniu. Daje to pretekst do zwrócenia uwagi na, z pozoru, zwykły mebel, jakim jest krzesło.

#Świeża Krew 

CIEKAWA jest kawiarnią w Gdańsku, która powstała z inicjatywy społeczności oraz fundacji PSONI, by dawać wsparcie w niezależnym życiu osobom z niepełnosprawnością intelektualną. Miejsce to odżyło po przerwie z pomocą właściciela kawiarni LEŃ i potrzebowało małej przemiany wizualnej. Oprócz serwowania pysznej kawy w kawiarni organizowane są pop-up'y z lokalnymi twórcami, gdzie prowadzą warsztaty oraz sprzedają swoje produkty. Rebranding identyfikacji miał na celu zbudować nowy wizerunek kawiarni idący w kierunku syntetyczności, prostoty i stanowczo miał odbiegać od poprzedniego wyglądu. Zmiana ta miała na celu: dopasować się do nowych trendów oraz dodać czytelności, co było bardzo ważne przy projekcie, który skierowany jest ku osobom z wyjątkowymi potrzebami. Mając na uwadze nową stylistykę wnętrza oraz potrzeby osób z niepełnosprawnością intelektualną - skupiliśmy uwagę na to by wybrane kroje pism były proste oraz wybraliśmy mocny fiolet, który jest w pewien sposób dziwny i odmienny, ale w połączeniu z czernią i bielą - tworzą się kontrasty oraz zachowujemy syntetyczny styl, która nadaje czytelności wszystkim elementom. Projektując sygnet zwróciliśmy uwagę na literę C i jej układ - przypominał nam o kształcie filiżanki kawy, na którą kiedy spojrzymy z góry układa się w okrąg, ale odejmując uszko naczynia powstaje ściśnięte C.

#Idea 

Poznajcie Svena Lądoloda, bohatera stworzonego przeze mnie na potrzeby identyfikacji wizualnej wystawy „Co potrafi lądolód?”. Zakres opracowania podzielony został na dwa etapy: pierwszy – materiały promujące ekspozycję (plakaty, citylighty, grafiki przeznaczone do prasy i mediów społecznościowych) oraz drugi – informacja wizualna towarzysząca wystawie, w postaci szeregu mało i wielkoformatowych infografik, tłumaczących różnorakie procesy wpływające na kształt poznańskiego krajobrazu na przestrzeni dziesiątek tysięcy lat. Tematyka, z którą przyszło mi się mierzyć, nie należy do moich koników, tym bardziej uznałam, że może to być świetny pretekst do zaprojektowania infografik. Przy ich tworzeniu będę musiała bowiem zadać szereg pytań, które potencjalnie zadałby zwiedzający wystawę. 
Aranżer ekspozycji założył, że wystawa będzie miała dosyć nietypowy kształt, a mianowicie nabierze ona iście sportowego charakteru i na polu pięciu dostępnych do zwiedzania przestrzeni, przeniesiemy się do sali gimnastycznej, której klimat niektórzy z nas mogą kojarzyć sprzed wielu lat… Po wsłuchaniu się w zagadnienia dotyczące ekspozycji oraz w jej koncepcję, a także po ustaleniach dotyczących tytułu, przyszedł mi do głowy On – bohater wystawy, który zdeterminował kolejne ruchy związane z powstającą ekspozycją i to nie tylko od strony graficznej, ale przede wszystkim merytorycznej. Kuratorka wraz z innymi współodpowiedzialnymi za wystawę osobami, stworzyła treści w odniesieniu do naszego mroźnego olbrzyma, który od tego momentu przyjął imię Sven (lądolód przybył do nas ze Szwecji). W pierwszej sali, poprzez znajdujące się tam infografiki, poznajemy naszego gruboskórnego (3 km grubości) kolegę. Dowiadujemy się o faktach dotyczących jego budowy, siły i możliwości, w czym pomagają nam różnorakie sposoby wizualizacji informacji. W sali drugiej stykamy się z wielką makietą, w której sami nadajemy bieg poznańskim rzekom, w czym pomagają nam mapy związane z określonymi czasami w historii miasta. Makiecie towarzyszą też infografiki odnoszące się do walki naszego olbrzyma z poznańskimi rzekami oraz informacje zamknięte w formie stylizowanych na stare gazety plansz. Dolna część ekspozycji to lodowcowa siłownia, w której zwiedzający – dosłownie – wciela się w Svena Lądoloda, próbując swoich sił podczas określonych ćwiczeń fizycznych, którym towarzyszą instrukcje obsługi, a także infografiki odnoszące się do powtarzalności danych ćwiczeń i ich skutków. Znajdziemy tam także biuro podróży, kierujące nas do mapy Poznania, a także topografii samego budynku Galerii Śluza. Ta mieści się bowiem w zabytkowej architekturze dawnej Śluzy Katedralnej oraz w bezpośrednim sąsiedztwie rzek Cybiny i Warty, co zdeterminowało sposób projektowania informacji, która stała się elementem kluczowym w budowaniu narracji ekspozycji. Identyfikacja wizualna: Agata Kulczyk Kuratorka: Anna Pikuła Teksty: Anna Pikuła, Olga Tarczyńska-Polus, Dawid Barbarzak Aranżacja: Wojciech Luchowski Foto: Weronika Trojanowska

#Idea 

Interaktywna książka przedstawiająca architekturę osiedli mieszkaniowych, wybudowanych w Hongkongu w latach 1950–1980. Wykorzystując idee przyświecające architekturze modernistycznej, wzniesiono budynki mieszkalne dla mas, które na nowo zdefiniowały tkankę miejską Hongkongu. Te niebotyczne konstrukcje, wybudowane w celu zapewnienia dachu nad głową prawie trzem milionom mieszkańców, stworzyły jeden z najbardziej futurystycznych i gęsto zaludnionych krajobrazów miejskich na świecie. Poprzez urzekające fotografie i wciągające narracje, pierwsza część Concrete Hong Kong zgłębia różnorodność osiedli komunalnych, wzniesionych w drugiej połowie XX wieku, od wież Shun On zbudowanych na planie krzyża, przez tętniące życiem podwórka Choi Hung, po brutalistyczną bryłę Po Lai Court. Druga część książki zawiera sześć modeli do wyjęcia z arkuszy i samodzielnego złożenia. Potrzebny Ci będzie tylko klej! Modele do złożenia: Ying Ming Court Cho Yiu Chuen Tsui Lam Estate Shun On Estate Po Lai Court Choi Hung Estate

#Forma 

Praca dyplomowa skupia się na procesie projektowania identyfikacji wizualnej autorskiej marki odzieżowej o nazwie „Confuse”. Celem pracy było zaprojektowanie spójnego i atrakcyjnego systemu wizualnego, umożliwiającego marce zbudowanie rozpoznawalności. Projekt identyfikacji wizualnej został stworzony, aby wyeksponować kluczowe wartości marki: rękodzieło, klimat uliczny i artystyczna ekspresja. Marka specjalizuje się w produkcji odzieży, biżuterii oraz elementów do wnętrz, które eksplorują tematykę dynamicznie zmieniającego się świata widzianego oczami współczesnego człowieka. Praca opiera się na badaniu dotychczasowych działań Confuse, analizie rynku oraz identyfikowaniu cech wyróżniających markę na tle konkurencji. W procesie projektowym uwzględniono również grupę docelową, skupiając się na młodych osobach zainteresowanych modą uliczną i artystyczną ekspresją. Projekt obejmował opracowanie logotypu, kolorystyki, typografii, skalowalnego systemu szablonów na Instagram, metek, systemu pakowania, a także drukowanych materiałów promocyjnych i informacyjnych. Pełna dokumentacja projektu została zawarta w „guidebooku”, stanowiącym kompleksową instrukcję obsługi systemu identyfikacji wizualnej marki.

#Świeża Krew 

Projekt identyfikacji wizualnej powstał dla polsko-norweskiej firmy specjalizującej się w branży eventowej. Firma zajmuje się organizacją różnorodnych wydarzeń dla firm oraz konferencji, a także projektowaniem i wykonawstwem stoisk na targach expo. Głównym celem było podkreślenie dwóch kluczowych aspektów działalności klienta: dynamicznej sfery eventowej oraz technicznej precyzji w projektowaniu stoisk. Stworzona identyfikacja wizualna charakteryzuje się dynamiką i elastycznością, co umożliwia wszechstronne wykorzystanie zarówno sygnetu, jak i logotypu. Oba te elementy mogą funkcjonować razem, tworząc harmonijną całość, ale są również zaprojektowane tak, aby mogły działać samodzielnie. Takie podejście zapewnia możliwość dostosowania wizerunku marki do różnych kontekstów i potrzeb komunikacyjnych, co jest kluczowe w dynamicznie zmieniającej się branży eventowej. Kolorowe grafiki użyte w projekcie dodają identyfikacji energii i dynamiki, nawiązując do różnorodności i żywiołowości wydarzeń kulturalnych, konferencji i targów. Paleta barw została starannie dobrana, aby odzwierciedlać zarówno kreatywność, jak i profesjonalizm, jakie firma wnosi do swoich realizacji. Dodatkowo, w projekcie zastosowano elementy o bardziej technicznym charakterze, takie jak nowoczesny monospacowy krój pisma, który pełni funkcję kroju dodatkowego, ozdobnego. Wykorzystanie siatek technicznych w projekcie podkreśla precyzję i dbałość o detale, co odzwierciedla profesjonalizm i rzemieślniczą staranność w tworzeniu stoisk targowych. Cała koncepcja identyfikacji wizualnej została zaprojektowana z myślą o spójności i wszechstronności, aby skutecznie komunikować zarówno dynamiczny, jak i techniczny charakter działalności firmy. Projekt jest nowoczesny, wyrazisty i elastyczny, co czyni go doskonałym narzędziem do budowania silnej i rozpoznawalnej marki w konkurencyjnej branży eventowej.

#Forma 

Czesc Cialo Cześć Ciało to pierwsza bezpieczna, edukacyjna i darmowa przestrzeń w social media dla dzieci o dojrzewaniu, pomagająca zmienić ten etap życia w fascynujące odkrywanie siebie, swoich potrzeb i możliwości. Naszą misją jest wspieranie nastolatków poprzez edukację i promowanie pozytywnego podejścia do siebie i swojego ciała. Wierzymy, że każde dziecko w Polsce ma prawo do rzetelnej, wartościowej wiedzy, zwłaszcza tej dotyczącej zdrowia. System identyfikacji oparty na prostym literniczym znaku, dynamicznej, wielobarwnej kolorystyce i odręcznych rysunkach, bazgrołach. Całość jest lekka i prosta w użyciu, pozwala na elastyczną i szczerą komunikację a mediach społecznościowych. Mamastudio team: Project Manager: Alina Kostiuk Art Direction: Michał Pawlik Design: Gabi Golińska, Ania Martowska

#Impakt 

Osoby głuche w Polsce posługują się polskim językiem migowym. Jego charakter wizualny stał się inspiracją do stworzenia publikacji koncentrującej się na tematyce komunikacji i kultury Głuchych. Książka, poza główną treścią, zawiera skróconą formę słownika oraz interaktywne elementy, takie jak pop-upy i kolorowe składki, mające na celu pogłębienie zrozumienia kultury i wyzwań społeczności Głuchych poprzez doświadczenia wizualne. W projekcie kluczowe znaczenie ma więc związek treści i formy, które się nawzajem dopełniają. Jako element uzupełniający powstały karty-fiszki ułatwiające naukę alfabetu polskiego języka migowego. Głównym celem projektu jest popularyzacja tematu poprzez zwiększenie świadomości ludzi oraz zachęcenie do przełamywania barier komunikacyjnych.

#Świeża Krew 

Projekt Dizajn a Planeta składa się z kilku etapów. Rozpoczął się jako warsztaty w Domu Kultury. Następnie przeszedł w praktyczną akcję re-dizajnerską klimatycznej organizacji pozarządowej, by użytkowanie zasobów graficznych było spójne z wartościami organizacji. Polegało to na przemyśleniu i zamianie dotychczasowych rozwiązań dotyczących korzystania z materiałów graficznych, ich produkcji i przechowywania na takie, które pozwoliłyby ograniczyć marnowanie i zużycie zasobów. Po drodze było miejsce na research dostępnych rozwiązań, nowości na rynku, eksperymenty i przede wszystkim na refleksję nad rolą projektanta i tym, że najczęściej najlepszym co możemy zrobić, to ograniczyć materialne wytwory do minimum zamiast szukać rzekomo ekologicznych zamienników materiałów. Jednym z naszych  celów było też opracowanie wskazówek dla organizacji klimatycznych dotyczących druku i produkcji materiałów promocyjnych. Doprowadziło nas to do praktycznej realizacji w postaci rozwiązania jednego ze zidentyfikowanych problemów.  Projekt opisany jest na stronie www w trzech częściach: Etap 1: Warsztaty Dizajn a Planeta - zrównoważone projektowanie graficzne Etap 2: Re-dizajn CAK - Gniazda: przegląd, identyfikacja obszarów niezgodnych z wartościami zrównoważonego projektowania i namysł nad rozwiązaniami Etap 3: Re-dizajn tablicy ogłoszeń Komplet dokumentacji fotograficznej projektu oraz opis poszczególnych etapów, wynikających z nich wniosków i wszystkie obserwacje oraz finalna realizacja re-dizajnu znajdują się na stronie projektu kachapust.wixsite.com/planetadizajn Załączone zdjęcia zyskują właściwy sens wyłącznie w kontekście całości badań i prób przeprowadzonych w drodze projektu.

#Projektkowanie zrównoważone 

Inkluzywna wystawa Dotknąć miasta prezentuje tekstylne tyflografiki poświęcone tematyce kieleckiej metaloplastyki. Ekspozycja koncentruje się wokół śródmiejskich bram – przedstawionych za pomocą haftów maszynowych oraz haptycznych grafik wykonanych z folii flock. Dedykowana jest głównie osobom niewidomym i niedowidzącym, zaś dla osób widzących stanowi pretekst do przyjrzenia się rzemieślniczym detalom architektonicznym w tkance miejskiej, które na co dzień bywają niedostrzegane i niestety coraz częściej zastępowane tanimi rozwiązaniami z marketów budowlanych. Może stać się alternatywnym przewodnikiem po stolicy woj. świętokrzyskiego.

#Impakt 

Publikacja "Duos" to wyjątkowy projekt graficzny, który jest efektem artystycznego spotkania twórców z Polski i Kenii. Inspiracją dla tej książki była idea dialogu międzykulturowego, co znajduje swoje odbicie zarówno w treści, jak i w formie graficznej publikacji. Studio Noviki jest autorem identyfikacji festiwalu jak i projektu graficznego i typograficznego publikacji. Ksiązka zaprojektowana w 2024 roku jest podsumowaniem kilku edycji festiwalu. **Połączenie Stylów Różnych Kultur** W projekcie graficznym "Duos" widać harmonijne połączenie estetyki europejskiej, reprezentowanej przez polskich artystów, z dynamiczną i barwną kulturą afrykańską, charakterystyczną dla twórców z Kenii. Okładka i wnętrze publikacji odzwierciedlają dialog między tymi kulturami poprzez użycie zarówno subtelnych, eleganckich form graficznych, jak i intensywnych, ekspresyjnych motywów. Zastosowanie kontrastujących kolorów, inspirowanych bogactwem afrykańskiej palety, łączy się z minimalistycznymi, polskimi elementami graficznymi, tworząc unikalną całość. **Lekkie Podejście do Ramy Graficznej** Projekt graficzny "Duos" odchodzi od tradycyjnych, sztywnych ram, wprowadzając elementy spontaniczności i swobody. Układ typograficzny jest dynamiczny, z luźno rozmieszczonymi elementami tekstowymi, które nawiązują do swobodnego ducha i energii współpracy artystów. Tekst i obraz przeplatają się w sposób niekonwencjonalny, co tworzy wrażenie artystycznej improwizacji. Ten brak formalnych ograniczeń w kompozycji graficznej odzwierciedla charakter Festiwalu Duos, który stawia na kreatywność i swobodę wyrazu. **Odpowiedź na Spontaniczność Projektu Duos Festival** Graficzna forma książki jest pełna życia i różnorodności, podobnie jak sam Festiwal Duos. Wnętrze publikacji jest zaprojektowane tak, by zachęcać do odkrywania jej na nowo przy każdym otwarciu. Różnorodność formatów stron, nietypowe cięcia i przejścia między sekcjami wzmacniają wrażenie artystycznego eksperymentu, który jest sercem tego projektu. Każda strona jest unikalnym dziełem sztuki, zaprojektowanym z myślą o tym, by oddać zarówno indywidualność, jak i współpracę artystów uczestniczących w projekcie. Podsumowując, projekt graficzny "Duos" wyróżnia się jako unikalna, artystyczna publikacja, która poprzez śmiałe połączenie stylów i kultur, ciekawa kompozycję graficzną i typograficzną odpowieda na spontaniczność projektu, dokumentuje artystyczną współpracę, jak również sama w sobie stanowi autorskie działo przełamujące standardową formę albumu.

#Forma 

System identyfikacji wizualnej jesiennej edycji muzycznego festiwalu OPERA RARA został zrealizowany na zlecenie Capelli Cracoviensis. Celem projektu było odejście od historycznego i archaicznego wizerunku opery na rzecz ponadczasowej oraz nowoczesnej komunikacji, która w kontraście do utartych schematów miała za zadanie wybijać się wizualnie na tle tkanki miejskiej. Główną inspiracją do zastosowania racjonalnego i obiektywnego języka komunikacji był techniczny i surowy w swoim charakterze design tablic drogowych. Wyzwaniem było zaprojektowanie systemu, który pomimo odgórnie narzuconej ramki z logo miasta Kraków, nie straci swojego indywidualnego charakteru. Zakres projektu obejmował stworzenie nowego znaku, materiałów drukowanych oraz materiałów do komunikacji w social mediach. Zastosowanie Funktional Grotesk w grubości Semibold jako jedynego kroju pisma w projekcie, miało na celu podkreślenie racjonalnych założeń projektowych. Na potrzeby festiwalu Szwajcarski dom typograficzny, Typografische Systeme stworzył customową wersję tego fontu. Wszystkie materiały zostały zaprojektowane w oparciu o spójny system modularnych siatek graficznych, bazujących na tych samych parametrach. Istotnym założeniem systemu było zastosowanie dwukolorowych pasów umieszczanych w tle pod kątem 45 stopni – bezpośrednio nawiązujących do znaków drogowych. Poprzez swoją responsywność, każdorazowo dynamizowały i zmieniały kompozycję, tworząc wyrazisty przekaz graficzny. Dodatkowo, ramka z logo miasta Kraków została wkomponowana w całość tak, aby będąc integralnym elementem kompozycji, harmonijnie łączyć festiwal z jego lokalnym kontekstem. Projekty stworzone w ramach systemu prezentowały wydarzenie na kilkudziesięciu słupach oraz wiatach przystankowych na terenie całego Krakowa. Pomimo swojej prostoty, spójna i charakterystyczna forma przekazu wyróżniała się na tle przestrzeni miejskiej pełnej wizualnego chaosu. W efekcie wdrożenia systemu identyfikacji wizualnej, udało się także zmienić sposób postrzegania wydarzeń operowych. Od archaicznego do bardziej nowoczesnego i wyrazistego, dostosowanego do dzisiejszych oczekiwań.

#Forma 

Zmapowana baza budynków FASADA to projekt dyplomowy tegorocznych absolwentów School of Form Uniwersystetu SWPS - Piotra Pędzicha i Zuzanny Stadnik, tworzony ze wsparciem promotorów - mgr Macieja Macha i dr Pawła Starca. FASADA to koncept aplikacji cyfrowej do odkrywania architektury. To projekt interfejsu przygotowany na urządzenia mobile i desktop, który bazuje na widoku mapy oraz możliwości edycji treści. Ma za zadanie ułatwić dostęp i przepływ informacji o budynkach, co jest próbą zaopiekowania się dziedzictwem architektonicznym. Zaprojektowany w przyjaznej formule stanowi także miejsce do budowania społeczności fanów architektury. Jednym z kluczowych założeń projektu są treści współtworzone przez użytkowników. W związku z tym, punkty na mapie dodają osoby korzystające z platformy. Każdy punkt posiada swoją kartę, czyli przestrzeń, w której znajduje się miejsce na różne rodzaje informacji o budynku - od kalendarium, przez osoby związane z obiektem, po sekcje związane ze stylami czy funkcjami. Te treści również mogą dodawać i edytować użytkownicy. Dzięki tym funkcjom, projekt pozwala na tworzenie i ciągłe rozbudowywanie przystępnej bazy danych o budynkach, która jednocześnie może stać się żywym archiwum. Zaprojektowane warstwy UX i UI sprawiają, że FASADA to wygodne źródło do poszukiwania informacji i elastyczne narzędzie do dzielenia się nimi. Aplikacja, zarówno w kontekście założeń, jak i warstwy wizualnej, traktuje wszystkie preferencje architektoniczne użytkowników jednakowo, świadomie rezygnując z dominującego kierunku graficznego kojarzonego z konkretnym stylem. Platforma próbuje więc zapobiec tworzeniu się hermetycznych środowisk, a architektura staje się bardziej dostępna. W linku znajdują się materiały wideo - showreel i przejście przez prototyp aplikacji.

#Świeża Krew 

Femitype to kampania poświęcona kobiecej typografii. Jej głównym celem jest promowanie projektantek i ich twórczości. Bohaterkami projektu są: Małgorzata Bartosik, Gulia Boggio, Viktoriya Grabowska, Kateryna Korolevtseva, Zuzanna Rogatty oraz Anna Wieluńska. Projekt powstał z zamiłowania do krojów pisma. Porusza ważny dla mnie temat – wkładu kobiet w typografię – który przez wiele lat był pomijany. Moim celem jednak nie było skupianie się na warstwie historycznej, a przybliżenie sylwetek świetnych projektantek. Zaprezentowanie stworzonych przez nie krojów, zachęcając do dalszego zgłębienia ich twórczości. W ramach pracy nad projektem przygotowałam: identyfikację graficzną kampanii, serię sześciu plakatów prezentujących kroje różnych projektantek oraz materiały promocyjne – naklejki, pocztówki i koszulki (wykonane własnoręcznie sitodrukiem). Dodatkowo stworzyłam projekt strony internetowej (www.femitype.pl) łączącej strukturę bloga oraz biblioteki krojów. Realizując kampanię „femitype” udało mi się skontaktować ze wszystkimi sześcioma bohaterkami projektu, które postanowiły poświęcić mi swój czas udzielając wywiadów. Tym samym stały się one treścią głównego elementu całej pracy – ZINU. Kampania powstała w ramach dyplomu licencjackiego, realizowanego w pracowni projektowania graficznego na wydziale Sztuki Nowych Mediów, Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych. W lipcu 2024 roku została ona obroniona na 5 z wyróżnieniem. Promotorka główna projektu - dr Anna Światłowska.

#Świeża Krew 

Projekt identyfikacji wizualnej dla Festiwalu Wschód Kultury/Inny Wymiar, który odbył się w dniach 22-25 sierpnia 2024 w Białymstoku. Festiwal Wschód Kultury/Inny Wymiar od 2013 roku organizowany jest w ramach projektu Wschód Kultury łączącego we współpracy Białystok, Lublin i Rzeszów z krajami Partnerstwa Wschodniego. Od początku swego istnienia (2007 r.) Inny Wymiar prezentuje bogactwo wielokulturowości Podlasia, w szczególności Białegostoku. Promuje ideę dialogu i tolerancji w mieście zróżnicowanym kulturowo, gdzie od wieków mieszkali obok siebie Polacy, Rosjanie, Białorusini, Tatarzy, Ukraińcy, Litwini, Żydzi i Niemcy. Przywraca pamięć o utraconym, jednocześnie ukazując dokonania współczesne, łączy historię ze współczesnymi działaniami artystycznymi. Podczas festiwalu swoją twórczość prezentują zawsze artyści wywodzący się z różnych narodowości i kultur, również tych, które współtworzyły w przeszłości historię i kulturę regionu. Od 2024 roku festiwal Inny Wymiar ma nowe logo i identyfikację graficzną. Znak obrazuje wielowymiarowość festiwalu i jego dynamiczną formułę. Łączy ze sobą klasyczny spokój z odważną nowoczesnością. Oprawa graficzna festiwalu obrazuje pięć jego wymiarów - muzykę, sztukę, film, społeczność i teatr. Dyscypliny te łączą się i przeplatają, tworząc inny wymiar twórczości. Identyfikacja jest otwarta i elastycznie dopasowuje się do potrzeb festiwalu. Wzór graficzny stworzony na tę potrzebę jest bardzo charakterystyczny i już mały jego fragment kojarzy się od razu z festiwalem.

#Instytucje 

Całościowa identyfikacja graficzna dla Festiwalu Przestrzenie Sztuki TANIEC, organizowanego przez Wrocławski Teatr Pantomimy. Festiwal poświęcony jest współczesnemu teatrowi tańca i pantomimy. Ruch, ciało, organizm, awangarda, ekspresja, choreografia jako system myślenia — to wszystko miała zawierać oprawa wizualna wydarzenia. Dodatkowym założeniem było nieposiłkowanie się bezpośrednimi skojarzeniami z tańcem. Zagrała typografia — układ liter jako choreografia. Czy tworzenie layoutu może być podobne do reżyserowania? Czy projekt graficzny może być doświadczeniem performatywnym? Te pytania były punktem wyjścia do projektu. Dynamicznym kompozycjom literniczym towarzyszą obrazy ciała wzbogaconego o skomplikowane układy sworzni i zawiasów. To, co organiczne, jest klasyczne i dostojne. To, co mechaniczne, jest poddane eksperymentom, testom przeciążeniowym i ciągłym improwizacjom. Projekt obejmował logotyp i jego konfiguracje, plakaty, afisze, wielkoformatowe instalacje reklamowe, animowane spoty wideo, książkę programową, ulotki, harmonogramy, flagi, kostki do siedzenia, torby, plansze na ekrany, notesy, breloki, reklamy prasowe i internetowe, ilustracje do mediów społecznościowych.

#Forma 

Identyfikacja wizualna tegorocznej XXVI edycji festiwalu teatrów plenerowych Feta Festiwal w Gdańsku. Wykonanie wszelkich materiałów promocyjnych takich jak: plakaty, identyfikatory, merch festiwalowy, oznakowanie terenu, broszury, zaproszenia oraz wiele innych. Projekt powstał na zaproszenie Gdańskiego Archipelagu Kultury.

#Forma 

Seria flag, stawiających w centrum nie-ludzkiego Innego, zachęca do porzucenia perspektywy antropocentrycznej i refleksji nad istotnością relacji człowieka z bytami pozaludzkimi. Na serię składa się osiem flag. Trzy z nich poświęcone są elementom przyrody nieożywionej – atmosferze, ukształtowaniu powierzchni, oraz wodzie. Pozostałe pięć flag poświęcone jest tematyce przyrody ożywionej – grzybom, roślinom, zwierzętom dzikim, domowym i zwierzętom – rezydentom (czyli zwierzętom granicznym, np. żyjącym w mieście, ale nielubianym przez ludzi). Wzory są spójne, a ich język wizualny opiera się na symbolu kropli, będącej metaforą wszelkiej materii. Flagi podkreślają sprawczość istot nie-ludzkich, są narzędziem ich emancypacji, a także służą do wzmacniania koncepcji międzygatunkowego współistnienia. Na przekór katastroficznym narracjom wobec kryzysów, autorka snuje opowieść pełną nadziei, o lepszej i bardziej empatycznej przyszłości. Uzupełnieniem projektu jest krótki zin z opisami wszystkich flag oraz fotografiami. Ten projekt był realizowany w ramach pracy licencjackiej, obronionej w lipcu tego roku. Promotorzy: Honza Zamojski, Mateusz Falkowski

#Świeża Krew 

FLOAT to marka założona przez trzech przyjaciół z Krakowa, marzących o własnej destylarni. Klient zwrócił się do nas szukając świeżego, bezpretensjonalnego i przemyślanego podejścia do brandingu. Fragment briefu: " Chcemy produkować gin w nowoczesny sposób, w nowym wydaniu, bezpretensjonalnie, ale z wielkim zapałem do eksperymentowania, dbania o szczegóły i zabawę formą. Cenimy jakość alkoholu, ale nie jesteśmy purystami. Wiemy, że gin musi być dobry, ale najczęściej i tak mieszamy go z tonikiem lub pijemy w koktajlach (...) Destylujemy bo lubimy spędzać czas z bliskimi przy dobrym drinku, rozmawiając, śmiejąc się i czasami tańcząc do białego rana. Czasami to tylko pizza na mieście, a niekiedy spotkanie na długie godziny, domówka, czy impreza w ulubionym klubie czy cocktail barze. Oprócz dobrego alkoholu chcemy sprzedawać dobre doświadczenia angażując się w ciekawe eventy i tworzyć miejsca, w których ludzie będą mogli doświadczać naszych alkoholi (...) Założyciele podkreślali wielokrotnie, że chcą coś w kontrze do polskiego rynku ginu pełnego przeprojektowanych, "złotych" pompatycznych etykiet. Rozwiązanie: Float to gin, synonim niezapomnianych chwil, ze szczyptą beztroskiej zabawy. Design czerpie inspirację z włoskich plaż i pobliskich barów, oddaje atmosferę swobodnie porzuconych na piasku leżaków i ręczników. Zaprojektowaliśmy prostą, zarządzalną identyfikacje opartą o charakterystyczny krój pisma z którego zaczerpnęliśmy też kształt do unikalnego wykrojnika etykiet. Motyw pasków pozwala też na łatwe różnicowanie kolejnych produktów, przy jednoczesnym spójnym tworzeniu portfolio marki FLOAT. 1: Jacek Walesiak, Design / Creative Direction 2: Emilia Obrzut, Naming

#Forma 

Projekt graficzny nawiązuje do stylistyki instrukcji technicznych i opakowań. Jego surowość i subtelność podkreślają charakter obiektu i wykorzystanego w nim materiału. Łączy elegancję wysokiej jakości dźwięku Hi-Fi, z ekologicznym charakterem produktu wykonanego w dużej mierze z recyklingowanych kartonowych tub. Wydruk wykonany jest na papierze z włókna trawiastego, który pochodzi z przemysłu opakowaniowego i stanowi alternatywę dla tradycyjnego papieru do pakowania. Pulpa z włókna trawiastego redukuje emisję CO² aż do 75% w porównaniu do pulpy drzewnej. Kolor papieru różni się w zależności od momentu zbioru trawy i może mieć odcień szary, zielonkawy lub żółtawy. Delikatne różnice w kolorze są typowe dla tego materiału, dzięki czemu każda sztuka jest niepowtarzalna. 
 Okrągły kształt obiektu, sprawia, że jest on przezaczony do oglądania z każdej strony. Z tego względu kompozycja graficzna okala go całego, dając możliwość odbiorcy odkrywania różnych informacji, z różnej perspektywy, miejsca i odległości. Na powierzchni obiektu znajdują się instrukcje, schemat, opis i informacje techniczne, oraz miejsce do personalizacji produktu. Wszystkie istotne informacje znajdują się na jednej powierzchni i nie da się ich zgubić, mimo to ich ilość nie jest przytłaczająca. Projekt zawiera autorskie schematy i piktogramy stworzone specjalnie dla tego produktu, oraz krój tekstowy Centrala Mono własnego projektu, również powstały w tym roku. Projekt graficzny został zrealizowany dla Tilla Seegräbera, w ramach projektu dyplomowego na wydziale Design Industriel, École cantonale d'art de Lausanne (ECAL) w Lozannie. Pierwszy raz opublikowany podczas tegorocznej prezentacji dyplomowej oraz na Talent Days tamże. 

 Projekt produktu: Till Seegräber
 Projekt graficzny: Kasia Friedrich Zdjęcia produktu: Nina Pacherova
 Modelka: Lia Tomashof Opis produktu: h.i.t.* Hi-Fi in a Tube to innowacyjny system głośników, który łączy wygodę technologii Bluetooth z dźwiękiem klasy premium. Składa się z dwóch przenośnych, zasilanych bateriami głośników stereo oraz subwoofera, który wzbogaca jakość dźwięku. Głośniki wykonane są z wytrzymałych, recyklingowanych kartonowych tub, które są lekkie i minimalizują wibracje. Stożek refleksyjny w głośnikach zapewnia dźwięk 360°, oferując głębokie i immersyjne doświadczenie audio. Dzięki połączeniu bezprzewodowych głośników stereo z subwooferem, który pełni także funkcję ładowarki, h.i.t.* Hi-Fi in a Tube gwarantuje elastyczność i wygodę użytkowania w każdym środowisku. Kompaktowa i lekka konstrukcja pozwala na przechowywanie głośników satelitarnych wewnątrz subwoofera, co ułatwia transport i montaż.

#Projektkowanie zrównoważone 

W 2013 roku dwójka przyjaciół postanowiła przetestować nowe możliwości jednoczesnego edytowania tego samego dokumentu i zaczęła spisywać wspólny pamiętnik w popularnym edytorze online. Dziesięć lat później tekstom Anc Ciechanowicz i Piotra Lipowicza z PALLstudio nadano formę materialną i przeniesiono tekst z dostępnej w każdym miejscu i czasie aplikacji do intymnego i zamkniętego wydania. Anc Ciechanowicz – autorka tekstu, projektantka książki Piotr Lipowicz – autor tekstu Kuba Szkudlarek i Alicja Bloch – zdjęcia produktu

#Idea 

Dla Akcji Demokracji stworzyliśmy kampanię profrekwencyjną, która przyciągnęła wyborców do urn przyczyniając się do tego, że ostatnie wybory miały największą frekwencję w III RP. Nasze projekty pojawiły się w relacjach z wyborów publikowanych przez The Guardian i telewizję Arte, jak i w najważniejszych mediach w Polsce, jak TVP i TVP. Według badań Fundacji Batorego działania ngos'ów, w tym nasze, w ostatnim tygodniu zachęciły do udziału w wyborach ok 2 000 000 wyborców. Poniżej opis projektu. Na załączonej stronie Behance materiały wideo. 1. Sytuacja: wybory parlamentarne stały się powodem wzmożonej działalności Akcji Demokracji, która wzięła za cel angażowanie różnych grup społecznych na rzecz aktywnego udziału. W ramach działań Akcji odbyły się m.in. konferencje, debady z kandydatami_tkami do Sejmu i Senatu, aktywacja społeczności lokalnych (Społeczne Sztaby Wyborcze). Akcja brała także czynny udział w manifestacjach, pikietach oraz promowała wartości demokratyczne w trakcie eventów, jak festiwale muzyczne. Na tle tej inkluzywnej, szerokiej oferty aktywności, bazując na danych sondażowych Akcja postanowiła skierować dedykowaną konkretnym grupom odbiorców kampanię profrekwencyjną. 2. Brief: naszym zadaniem był nadzór artystyczny nad kampanią oraz dobranie środków dotarcia alternatywnych dla projektów już w tym czasie realizowanych przez inne organizacje, skupionych na działaniach w internecie. 3. Cele: celem kampanii miało być budowanie pozytywnego wizerunku udziału w wyborach, namawianie do głosowania oraz promowanie demokratycznych, postępowych ideii dotyczących życia społecznego. 4. Insight: skierowanie kampanii do określonych grup docelowych wynikało z obszernych badań m.in. Fundacji im. Stefana Batorego oraz Polskiego Generalnego Studium Wyborczego, które informowały o spadku zainteresowania udziałem w wyborach tzw. nowych wyborców w miastach, a więc roczników uzyskujących możliwość udziału w wyborach już od wyborów w 2005 roku ze szczególnym uwzględnieniem kobiet. 5. Grupy docelowe: mieszkańcy miast / nowi wyborcy (uzyskujący możliwość głosowania po 2005 roku) / w szczególności młode kobiety (18-29). 6. Copy: stworzyliśmy hasło “Idę na #wybo23!” Miało ono zmiękczyć retorykę wokół wyborów postrzeganych jako walka wrogich obozów, trafić do mowy potocznej, podsuwać pozytywne skojarzenia, mówić w pierwszej osobie. Tag #wybo23 używaliśmy także bez kontekstu całego hasła. 7. Visual: stworzyliśmy KV w formie 4 maszerujących postaci prezentujących różne grupy wyborców idących do urn, które symbolizowały chęć masowego udziału w wyborach. Postaci w formie przyjaznych, kolorowych ilustracji funkcjonowały w formie statycznej i animowanej. KV pojawiły się na stronie www kampanii, w materiałach drukowanych i do sm, na nośnikach OOH, w publikacji gazetowej. Wyprodukowaliśmy ok 1000 szt. koszulek, które rozdaliśmy liderom opinii, aktywistom oraz uczestnikom manifestacji. Stworzyliśmy dodatkowe KV w formie dłoni pokazującej znak “victory” i drugiej, niosącej długopis. Zależało nam na dodatkowym, przyjaznym, łatwym do odczytania komunikacie nawołującym do głosowania na tydzień przed wyborami. Łapka z długopisem posłużyła stała się leit motifem osób komunikujących oddanie głosu w dniu wyborów. 8. Co zostało zrobione: – Kampania outdoorowa (statyczna i animowana) a) WAREXPO: emisja na ekranie LED Space (Metro Świętokrzyską, 3 ekrany, emisja 5-15 października co ok. 15 min.); Smart City Light (ekrany na Krakowskim Przedmieściu, emisja 5-15 października, częstotliwość zmienna) b) JETLINE: SMART: 420 ekranów w 8 miastach Polski. c) AMS: 138 lokalizacji citylightów w różnych miastach (GOP, Kraków, Łódź, Poznań, Szczecin, Trójmiasto, Warszawa, Wrocław) – Publikacja gazetowa: artykuły problemowe dotyczące wyborów, instrukcja obsługi wyborów etc. Dystrybuowana przed uczelniami i akademikami. Nakład 120 000 (ok. 3-krotność dziennika Gazety Wyborczej) – Strona www https://wybo23.pl/ – Baza wiedzy o wyborach i referendum; Artykuły, działania, filmy i zdjęcia profrekwencyjne – Materiały drukowane dystrybuowane w całej Polsce przez sztabowców: plakaty, wlepki, naklejki, długopisy na wybory (20 000 sztuk), ulotki oraz banery, transparenty, flagi używane w trakcie manifestacji. – Materiały do social mediów: FB/Twitter/Instagram/TikTok 06. Materiały do samodzielnego dystybuowania/produkowania (do pobrania na stronie). 9. Efekty: nasza kampania profrekwencyjna była drugą pod względem uzyskanych zasięgów (spośród 27 opisanych w raporcie Fundacji Batorego "Fenomen wyborczej mobilizacji. Przyczyny rekordowej frekwencji podczas wyborów parlamentarnych 2023 – wnioski z badań”). W dniu wyborów, 15.10.2023 zanotowano najwyższą frekwencję wyborczą w historii III RP – 74,38% (wybory do Sejmu), 74,31% (wybory do Senatu; dane za PKW). Względem wyborów z roku 2019 odnotowano wzrost frekwencji na poziomie 12,64%. W miastach powyżej 250 tys. mieszkańców odsetek wyborców, który oddali swój głos wzrósł o 9,66%, natomiast procent głosujących tzw. nowych wyborców wzrósł z 46,4% do 68,8%. Frekwencja wśród kobiet urosła z 61,5% do 73,7%. Wybory wygrała koalicja prodemokratyczna oraz proeuropejska. Projekt oprócz celów frekwencyjnych przyniósł realny wzrost rozpoznawalności dla Akcji Demokracji. Zwiększyło to ilość zaproszeń dla aktywistów związanych z organizacją do udziału w programach głównych platform medialnych, jak TVN, TVP. Zdjęcia i materiały wizualne kampanii pojawiły się w takich mediach, jak: dokument dla telewizji Arte, artykuł w The Guardian oraz innych.

#Impakt 

Identyfikacja wizualna 44 Międzynarodowego Zjazdu Hanzy w Gdańsku dla Miasta Gdańska i Fundacji Gdańskiej. Znak graficzny był punktem wyjścia do stworzenia obszernego zestawu materiałów graficznych, piktogramów oraz całej identyfikacji wizualnej dla bardzo zróżnicowanego programu wydarzenia. Ważnym wyznacznikiem była sugestia aby połączyć historię i tradycję z energią i dynamiką tego spotkania, które w intencji zleceniodawców przyniesie wizję europejskiej współpracy i wspólnego dążenia do stworzenia lepszego, bardziej zrównoważonego jutra.

#Instytucje 

Projekt "Krzycz, Siostro, krzycz!" łączy wątki XX wieku ze współczesnością. Historie naszych bohaterek dają wgląd w traumatyczne losy kobiet w czasach narodowego socjalizmu. Dyskryminowano i prześladowano je ze względu na żydowskie pochodzenie, bezrobocie, pracę seksualną, chorobę dziedziczną, zaangażowanie polityczne czy orientację seksualną. Odarto je z godności i człowieczeństwa, a niektórym odebrano również prawo do życia. Przeważnie nie mogły opowiedzieć własnej historii, dlatego tak ważne było dla nas, aby na stronach tej książki oddać im głos. Zwłaszcza, że to głos między innymi ostatnich żydowskich właścicielek kamienicy, w której znajduję się CSW Kronika. Przytłoczony tematem projektu długo szukałem punktu wyjścia. Okazały się nim portrety kobiet. Użyłem do ich wygenerowania programu Adobe Firefly. Wskazówki użyte do generowania grafik odnosiły się do kobiet, kobiet imigrantek, kobiet pochodzenia żydowskiego. Obrazy miały być czarno-białe i sprawiać wrażenie, jakby zostały zrobione sto lat temu. Następnie, za pomocą aplikacji Sqirlz Morph, stworzyłem animację pokazującą metamorfozę, przejście jednego zdjęcia w drugie i w kolejne i tak dalej. Powstała w ten sposób animacja , która była punktem wyjścia do dalszych działań w programie Adobe Aftereffect. Użyłem szeregu filtrów, takich jak CC Wide Time czy Displacement Map, aby transformacja portretów była płynna, aby portrety wydawały się jak duchy. Zwiewne, nierealne twarze miały przywoływać postacie, które nigdy nie mogły opowiedzieć swoich historii. Przeszkodziły w tym śmierć lub zmowa milczenia. Ten niepokój oddaje typografia. Jest mocna, ostra i kontrastuje z portretami. Stworzyłem ją, drukując napisy, które następnie miąłem i zniszczyłem. Zrobiłem ich skany, które następnie przekształciłem w grafikę wektorową, którą animowałem. Animację towarzyszyły niepokojące szepty kobiet. Ta animacja była używana w mediach społecznościowych. Na potrzeby ekranów stworzyłem formaty pionowe, kwadratowe i poziome (te ostatnie wyświetlane w zaprzyjaźnionych kinach). Papierowe wersje plakatów są statycznymi wersjami animacji, zatrzymanymi klatkami filmu. Do druku użyto tylko czarnych i srebrnych kolorów PANTONE. Plakat (980x680mm) został przyklejony na słupach reklamowych w największych miastach górnego śląska. Inna wersja plakatu, zawierająca tekst kuratorski projektu została rozprowadzona do instytucji, barów i miejsc spotkań. Projekt promowały również 4-metrowe bannery na fasadzie budynku CSW. Projekt: „Krzycz, Siostro, krzycz!” artystki: Maciej Cholewa, Barbara Gryka, Dorota Hadrian, Irena Klepfisz, Lidija Mirković, Ewa Noras, Anna Piotrowska, Marta Romankiv, Pragati Sethi, Małgorzata Szandała, Alla Zagaykevych projekt graficzny: Marcin Wysocki Miejsce: CSW Kronika, Bytom Plakat1 format: 45 × 56 cm kolor: 2/2: PANTONE: srebro, czerń nakład: składane w formie ulotek — 1000 sztuk / nieskładane — 200 sztuk Plakat2 format: 98 × 68 cm kolor: 2/0: PANTONE: srebro, czerń nakład: 800 sztuk banery format: 94 × 467 cm kolor: CMYK

#AI jako narzędzie 

Stworzyliśmy identyfikację wizualną dla Sinthome, Szkoły Psychoanalizy Lacanowskiej, w której główną rolę odgrywa strona www organizacji (sinthome.pl). Opis projektu poniżej. Więcej o projekcie oraz materiały animowane/wideo na załączonej stronie Behance:https://www.behance.net/gallery/176509469/Sinthome-Lacanian-School-of-Psychoanalysis 1. Założenia: Punktem wyjścia dla zmiany tożsamości wizualnej i projektu strony była potrzeba uporządkowania struktury organizacyjnej (obejmującej działania Sinthome jako grupa praktykujących analityków, szkoła i stowarzyszenie) oraz skutecznego komunikowania oferty (klinicznej dla analityków – pacjentów gabinetów psychoanalitycznych oraz samokształceniowej dla analityków – członków stowarzyszenia). Istotne potrzeby marki stanowiło także podkreślenie dominującej pozycji Sinthome jako instytucji organizującej środowisko polskich analityków lacanowskich, stworzenie procesów wspierających organizację oraz narzędzi komunikacyjnych dla organizacji spoza Polski, w celu usprawnienia wymiany wiedzy i pomysłów z siostrzanymi organizacjami w innych krajach. Głównymi celami strategicznymi było zbudowanie świadomości marki, profesjonalizacja wizerunku i skuteczna komunikacja. Strona internetowa miała odzwierciedlać te założenia, a jednocześnie posiadać nieoczywisty charakter poziomie formalnym i symbolicznym. Oczekiwano od nas głębokiego zanurzenia się w bliskich analitykom Sinthome koncepcjach światopoglądowych i ideach filozoficznych, aby wynik pracy podkreślał specyficzny sposób funkcjonowania środowiska skupionego wokół psychoanalizy Lacana. 2. Identyfikacja: "Sinthome jest tym co pojedyncze w każdym z osobna" – w odpowiedzi na cytat chcieliśmy stworzyć dominujący element identyfikacji: sygnet rozbity na moduły, symbolizujący szkołę/organizację i stanowiący podstawę do tworzenia dynamicznych elementów wizualnych. Dobór środków formalnych w projekcie identyfikacji i strony postanowiliśmy oprzeć na zasadzie kontrastu – od treści merytorycznych ułożonych funkcjonalnie i hierarchicznie w sterylnej, białej przestrzeni, po elementy rozbijające tę racjonalną strukturę, wyrywające się z rytmu, zakłócające kierunek czytania. Psychoanaliza Lacanowska opiera się na grze słów, pozwala na dyskusję opartą na paradoksach i dopuszcza element zaskoczenia – język wizualny i doświadczenie użytkownika miały zawierać te elementy. 3. Strona www: Na bazie nowej identyfikacji wizualnej stworzyliśmy rozbudowaną stronę internetową, której struktura została opracowana na podstawie warsztatów z członkami stowarzyszenia. Treści merytoryczne/funkcjonalne skontrastowaliśmy z kontentem wprowadzającym element zaskoczenia: przy scrollowaniu zmienia się kierunek czytania, zamazujemy film dając możliwość podglądania jedynie jego wąskiego fragmentu, pozwalamy użytkownikowi samodzielnie obracać figury 3D itd. W projekcie wykorzystaliśmy wiele nowych technologii i technik dystrybucji treści wizualnych, animowanych plików wektorowych, elementów trójwymiarowych i efektów aktywowanych przewijaniem. Aby zagwarantować wygodę i przyjemność korzystania z serwisu, wprowadziliśmy także wiele animowanych interakcji.

#Forma 

Projekt identyfikacji wizualnej Festiwalu Czas Letni jest odzwierciedleniem zaangażowania w zrównoważone projektowanie, w pełni wpisującym się w idee kategorii "Projektowanie Zrównoważone". Festiwal Czas Letni, pięciodniowe święto kultury, muzyki i filmu, stawia na dostępność i różnorodność, a jego identyfikacja wizualna została stworzona z myślą o maksymalnej ekologiczności. Głównym celem projektu było stworzenie identyfikacji wizualnej, która łączyłaby nowoczesny design z szeroką dostępnością dla odbiorców z różnych grup wiekowych. Podczas projektowania szczególny nacisk położony został na elastyczność kompozycji graficznej — plakat został zaprojektowany tak, by nie posiadał "góry" ani "dołu", co pozwalało na jego swobodne obracanie i dopasowanie do różnych przestrzeni ekspozycyjnych. Takie rozwiązanie miało na celu wprowadzenie elementu zabawy w odbiór identyfikacji i wzmocnienie interakcji z widzem. Projekt odzwierciedlał również ideę letniej swobody, z dużym naciskiem na proste, ale ekspresyjne kształty, które miały przyciągać wzrok i wprowadzać atmosferę relaksu i odkrywania, tak charakterystyczną dla samego festiwalu. Aspekt ekologiczny: Głównym celem projektu było minimalizowanie wpływu na środowisko poprzez zastosowanie zrównoważonych technik produkcji i maksymalne wykorzystanie dostępnych materiałów. Kluczowe elementy to: 1) Druk sitodrukowy: Projekt został wydrukowany na sitodruku z użyciem tylko dwóch warstw, co zmniejszyło ilość zużytych zasobów i ograniczyło emisję szkodliwych substancji chemicznych. Druk odbył się na starych plakatach z poprzednich edycji festiwalu, co nie tylko dało im nowe życie, ale również zmniejszyło potrzebę produkcji nowych materiałów. 2) Risodruk: Ulotki oraz mniejsze plakaty były drukowane w technice risodruku. Risodruk to proces niskoenergetyczny, korzystający z farb na bazie soi, co czyni go bardziej przyjaznym dla środowiska niż tradycyjne metody druku. Użycie tej techniki podkreśla zaangażowanie w minimalizowanie negatywnego wpływu na środowisko. 3) Recykling odzieży: Festiwalowe koszulki zostały wykonane przy użyciu sitodruku na odzieży z drugiego obiegu, przyniesionej przez wolontariuszy i organizatorów. Takie podejście nie tylko obniżyło koszty, ale także promowało ideę ponownego wykorzystania materiałów. Projekt identyfikacji wizualnej Festiwalu Czas Letni nie tylko spełnia wymogi estetyczne, ale przede wszystkim świadomie odpowiada na potrzeby środowiskowe, stając się przykładem na to, że nowoczesne projektowanie może być zarówno piękne, jak i odpowiedzialne. Dzięki elastyczności i wielowymiarowości samej identyfikacji, projekt stanowi nowoczesne rozwiązanie graficzne, które może angażować odbiorców na wielu poziomach – od wizualnego po ekologiczny. Zespół: Wiktoria Młynarczyk - identyfikacja wizualna edycji festiwalu roku 2024 Maria Barańczyk - koordynacja projektu po stronie organizatorów Mikołaj Radziszewski - koordynacja projektu po stronie organizatorów

#Projektkowanie zrównoważone 

W linku do projektu przesyłam dokumentację projektową, która opisuje założenia, decyzje projektowe i rozwiązania techniczne. Krótki opis pracy Identyfikacja wizualna i projekt opakowań dla nowej marki Daitose Kontekst Kategoria rynkowa: FMCG Subkategoria: Oleje Produkt: Olej Chilli / Chilli Crunch SKU: 3 (obecnie 5) Zadanie: Opracowanie komunikacji wizualnej i werbalnej, dla nowego produktu spożywczego. Zadania szczegółowe: Nazewnictwo marki, ton komunikacji, elementy identyfikacji wizualnej, projekt systemu dla opakowań, projekt materiałów powiązanych: Web, Pop-Up, Fotografia. Założenia projektowe Zadaniem nowej marki było organiczne wejście na rynek bez potrzeby dużych nakładów finansowych na start. Jako marka własna, nie dysponowała ona znacznymi budżetami marketingowymi, co stawiało przed nami szczególne wyzwanie. Mimo ograniczonych środków, wiedzieliśmy od początku, że marka musi być wyrazista 
i unikatowa zarówno w komunikacji, jak i w aspektach wizualnych. Kolejnym kluczowym elementem naszej strategii była chęć osadzenia marki 
w kontekście wschodnio-brzmiących, niejednoznacznych nazw. To założenie dotyczyło zarówno werbalnych, jak i wizualnych rozwiązań, które miały dodać marce tajemniczości i wyjątkowości. W sferze wizualnej marka chciała skupić się przedewszystkim na wyglądzie produktu i jego opakowania. Kluczowym celem było zapewnienie, aby produkt prezentował się doskonale zarówno na sklepowych półkach, zwłaszcza w modnych piekarniach, jak i w rękach klientów. Naszym wyzwaniem było stworzenie czegoś charakterystycznego, co miałoby ogromne znaczenie na ograniczonej przestrzeni etykiety. Decyzje projektowe Marka nie będzie miała jednego stałego logotypu, ponieważ ze względu na swoją unikalną nazwę, jej identyfikacja wizualna może być dostosowywana do stylu poszczególnych opakowań. Mimo to, logotyp stanowi kluczowy element komunikacji, odgrywając istotną rolę w architekturze informacji – jest umieszczany na pierwszym miejscu, wyżej niż smak produktu. Każdy produkt (SKU) powinien znacząco różnić się wizualnie, jednak layout i typografia powinny opierać się na silnym i powtarzalnym systemie, co zapewni spójność w identyfikacji marki. Zainspirowani azjatycką kulturą wizualną, chcieliśmy przyjrzeć się jej z europejskiej perspektywy. Naszym celem było wyłonienie tych elementów, które będą harmonizować z naszym programem projektowym, zakładającym racjonalne podejście do treści oraz typografii, a także restrykcyjne zasady dotyczące siatki layoutu. Zbadaliśmy również różnice w odbiorze kolorów i uszlachetnień, które w kulturze europejskiej różnią się od tych na Dalekim Wschodzie. Efektem naszych poszukiwań był krótki moodboard, który określał główne założenia projektowe i stanowił pomoc przy podejmowaniu dalszych decyzji w procesie projektowania. Rezultat Marka Daitose weszła na rynek organicznie, dzięki atrkacyjnej formie produktu, nazwie i komuniakcji werbalnej i wizualnej stała się porządana w miejscach zakupu grupy docelowej—śniadaniownie, najlepsze miejskie piekarnie. Mimo, że marka jest w trakcie rozwoju, tworzy nowe produkty i smaki, już na tym etapie można powiedzieć, że zrealizowała założenia które stawiała sobie na początku. Wizerunek marki był i jest głównym, oprócz samego produku, driverem do podejmowania decyzji zakupowch zarówno przez konsumentów, jak również przez miejsca sprzedaży. W ramach projektu udało się opracować system komunikacji, spójny wizualnie i powtarzalny (mimo jego maksymalistycznego charakteru w niektórych odsłonach). Wyzwanie związane z opracowaniem etykiet również okazało się sukcesem, godziny spędzone na przygotowaniu projektu do druku, proofach i testach technologii produkcji zaowocowały z jednej strony stosunkowo tanią etykietą, a z drugiej projektem, który mimo małych rozmiarów, nie da się przeoczyć w miejscach sprzedaży. Projekt Tomek Pilch — koncept, typografia, projekt, DTP Błażej Bauer — packaging copy, naming Daitose — zamawiający

#Forma 

Neon i znak dla gdańskiego klubu KOT. Wewnątrz znajdują się liczne lokale, w tym restauracje, kawiarnia, kino i klub.

#Forma 

Sen Maszyny to hybrydowy projekt studia noviki wspłtworzony na każdym etapie z AI - na który składa się wiele elementów: identyfikacja wizualna projektu, materiałow internetowych, strony www 14 minutowy esej wizualny i instalacja przestrzenna (novki + ai) - link poniżej scenografia współtworzona z ai jako scenografia spektaklu w teatrze Słowackiego w Krakowie (fragmenty w makeing off) projekt ogrodu oraz projekt tekstur na meble ogrodowe (noviki+ai +projektanci zieleni) wszystkie te elementy stworzone przez studio noviki opisane są w artykułach w prasie i filmikach wideo w linkach poniżej https://bmwartclub.pl/ tekst kuratorski: http://www.press.bmwgroup.com/poland/article/attachment/T0442781PL/617700 dokładny opis projetu: SEN MASZYNY zbudowany jest z wielu dopełniających się elementów. Pierwszy to esej filmowy przedstawiony w formie multimedialnej, immersyjnej wystawy w przestrzeni wystawienniczej MOS Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Drugim jest nawiązująca do filmu instalacja prezentowana w znajdującym się przy placu św. Ducha ogrodzie miejskim Teatru im. Słowackiego, zrewitalizowanym i zaaranżowanym według koncepcji NOVIKI dzięki wsparciu BMW. W eseju filmowym publiczność zostaje zaproszona do przypominającej marzenie senne rzeczywistości, kreowanej razem z artystami przez sztuczną inteligencję. Narracja oparta jest na motywie podróży, która odbywa się zarówno w przestrzeni, jak i w świadomości wypełnionej pozostającymi w procesie ciągłych przemian wyobrażeniami. To podróż oddająca ideę mobilności inteligentnych technologii, definiujących przyszłość i umożliwiających człowiekowi kreowanie oraz rozpoznawanie nowej, wielowymiarowej rzeczywistości, w której przenikają się porządki wirtualny, realny i naturalny. Podobnie płynną tożsamość ma narrator/narratorka filmu, postać o wielu twarzach, która ucieleśnia obecność śniącej sztucznej inteligencji w przedstawionej fabule. Trasa podróży wiedzie ku miejscom i przestrzeniom będącym modelami nowej, rozszerzonej rzeczywistości. Jednym z nich jest teatr – metafora maszyny do produkcji wyobrażeń. Innym jest ogród przedstawiony jako miejsce powoływania do istnienia i rozwijania tworów przekraczających granicę między tym, co biologiczne, a technologiczne. W realizacji filmu wzięli udział aktorki i aktorzy Teatru im. Słowackiego w Krakowie: Lidia Bogaczówna, Marta Konarska, Daniel Malchar i Antek Sztaba. W zdjęciach wykorzystane zostały również zabytkowe wnętrza gmachu Teatru. Sekwencje nakręcone na fizycznym planie filmowym połączono ze scenami i obrazami wygenerowanymi przez sztuczną inteligencję. NOVIKI zaprosili ją do rozwijania składających się na SEN MASZYNY motywów, poszerzając zbiór obecnych w eseju wyobrażeń o efekty halucynowania algorytmów. Do przedstawienia eseju filmowego zaprojektowana została multimedialna wideoinstalacja. Nadaje ona projekcji futurystyczną, przestrzenną formę, która umożliwia publiczności głębsze zanurzenie się w rzeczywistości wykreowanej przez artystów we współpracy ze sztuczną inteligencją. Budując instalację, NOVIKI podążają za myślą legendy filmowej awangardy, Siergieja Eisensteina, który postulował wyzwolenie filmu z ram płaskiego ekranu kinowego i myślenie o tym medium szerzej, wielowymiarowo, poza ograniczającymi swobodę ekspresji, standardowymi formatami. W eseju filmowym ważną rolę odgrywa warstwa dźwiękowa. Na zaproszenie NOVIKI stworzyła ją Zoi Michailova, artystka audio, kompozytorka i DJ-ka na scenie klubowej występująca jako Facheroia. Michailova związana jest z queerowo-feministycznym kolektywem KEM oraz Centrum Kultury Włączającej Teatr 21. Ma na koncie współpracę z czołowymi instytucjami sztuki (m.in. Centrum Sztuki Współczesnej – Zamek Ujazdowski, Muzeum Sztuki Nowoczesnej) i festiwalami (Warszawa w Budowie, Ephemera, Malta Festival Poznań). W jej wszechstronnej działalności ważne miejsce zajmuje komponowanie muzyki i projektowanie dźwięku do spektakli, działań performatywnych, prac wideo i wystaw. Elementy ścieżki dźwiękowej stworzonej we współpracy z Zoi Michailovą, a także fragmenty dialogów z filmu stanowią tworzywo drugiej części SNU MASZYNY – instalacji audio. Miejscem jej prezentacji jest położony przy placu św. Ducha ogród Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Do jego aranżacji NOVIKI zaprosili Kubę Kuleszę – agrocybernetyka związanego z interdyscyplinarnym kolektywem eksperckim Grupa Robocza, który zajmuje się teorią oraz praktyką projektowania opartego na synergii elementów technologicznych i naturalnych. Poddany gruntownej rewitalizacji ogród zamieniony zostanie w miejską oazę – przestrzeń relaksu i wytchnienia od codziennego zgiełku, w której publiczność będzie mogła jednocześnie przebywać wśród natury i wsłuchiwać się w echa narracji śniącej sztucznej inteligencji. Ogród będzie trwałym efektem piątej edycji „BMW Art Club. Przyszłość to sztuka”. Dzięki wsparciu BMW, przestrzeń przez ostatnie lata niedostępna dla mieszkańców Krakowa i turystów, stanie się na powrót częścią tkanki miasta - powróci w nowej, zrewitalizowanej według koncepcji artystów formie. linki które opisuja projekt dokładniej: podcast: https://www.vogue.pl/a/podcast-szturm-sztuk-s-4-odc-3-noviki-o-ai-i-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka artykuły w prasie: https://www.rp.pl/teatr/art40752781-sztuczna-inteligencja-wyrezyserowala-spektakl-w-teatrze-im-slowackiego https://teatrwkrakowie.pl/aktualnosci/bmw-art-club-sen-maszyny https://www.vogue.pl/a/piata-odslona-projektu-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka-o-sztucznej-inteligencji https://www.designalive.pl/sen-maszyny-kiedy-sztuczna-inteligencja-ma-halucynacje/ https://www.whitemad.pl/en/dream-of-the-machine-a-new-edition-of-bmw-art-club-the-future-is-art/ program telewizyjny : https://www.youtube.com/watch?v=Bh3D3n_bvxw Linki dotyczące samej pracy: Esej wizualny - współtworzony z ai - zarówno w warstwie scenariuszowej, wizualnej jaki i znaczeoniowej. przedstawia opis roli współczesnych technologii, koegzystencji z twórcą, i symbolicznie rozwój systemów Ai w kontekście ludzkiego śnienia, archetypów, creatywnośći - esej jest artystyczną metodą badawczą, połaczeniem animacji, grafiki która stała sie identyfikacja projektu, fizycznego ogrodu w krakowie wyśnionego przez Ai https://youtu.be/WRg_Oo8w88s makeing off: https://www.youtube.com/watch?v=A-RcX9_p8CE&t=17s https://www.youtube.com/watch?v=OFrTdVF2oi8 W projekcie „Sen Maszyny” nie tylko współpracujemy z zaawansowanym systemem AI, ale również ukazujemy, że współpraca grafików z tym systemem redefiniuje paradygmat roli projektanta we współczesnym świecie. Nasze podejście wykracza poza traktowanie tej współpracy jako zwykłego narzędzia do tworzenia grafik. Przeciwnie, dążymy do nadania głębszej koncepcji całemu projektowi, integrując narracje pozawizualne oraz łącząc elementy natury, takie jak ogród, z technologiami rzeczywistości rozszerzonej (AR), instalacjami i esejami filmowymi. Naszym celem jest nie tylko prezentacja twórczego potencjału systemu, ale również nadanie mu pewnej podmiotowości, ukazanie pełnego spektrum jego obecności i możliwości, w tym także poprzez krytyczne spojrzenie na te nowe perspektywy. Poprzez takie podejście staramy się zainicjować dialog o przyszłości projektowania, w której AI staje się pełnoprawnym partnerem, a nie tylko narzędziem w rękach człowieka.

#Forma 

Wydarzenie w ramach międzynarodowego projektu „Poets of Today – Voices of Tomorrow”. Prace objęły projekt identyfikacji, 11 kart z wierszami i ekranów wyświetlanych podczas wydarzenia. W czasie odczytu swoje wiersze zinterpretowało 5 poetów z krajów partnerskich projektu. Polskę reprezentowała Małgorzata Lebda. Do promocji projektu i przeprowadzenia lekcji poetyckich został zaprojektowany zbiór pocztówek z urywkami wierszy, ilustrowanych zdjęciami Rafała Siderskiego. Umieszczone na drukach kody QR przekierowują do tekstów wierszy oraz ich interpretacji nagranych w formie plików audio przez poetów. Perforowana karta może zostać podzielona – jedną jej część stanowi pocztówka, a miniatura zdjęcia z portretem autora może zostać użyta jako zakładka do książki. Na zdjęciach, wydrukowanych na niepowlekanym papierze, został naniesiony przy użyciu lakieru wybiórczego logotyp projektu. Organizator: Fundacja ARTeria, Anna Ochmann, Wenancjusz Ochmann

#Forma 

Zgłoszeniem jest identyfikacja 2 wystaw. Jej ważnym elementem jest dwustronny plakat. Ten sam druk po złożeniu funkcjonuje jako ulotka zawierająca skrócony tekstu kuratorskie obu wystaw. Plakat łączy elementy identyfikacji wizualnej dwóch wystaw odbywających się w CSW Kronika. Te rozwiązania podyktowane są skromnymi środkami jakimi dysponuje CSW i ekonomią druku. Te ograniczenia wymusiły większą kreatywność. Jednym z efektów jest ograniczenie wykorzystanych w druku kolorów do dwóch. Dla wystawy Niewidy jest to złoty PANTONE 871 oraz neonowy PANTONE 806. W przypadku plakatu wystawy Jeśli siebie nie poznasz są to PANTONE O72 oraz PANTONE 871. Te kolory są niemożliwe w standardowym druku opartym na CMYK co wraz z projektem sprawia, że plakaty zyskują rangę estetycznych obiektów kolekcjonowanych przez osoby zainteresowane sztuką współczesną i dizajnem. Wyróżniają się też wyglądem w konkurencji innych druków reklamowych na 50 słupach reklamowych w przestrzeni Bytomia, gdzie znajduje się CSW. Warto wspomnieć, że punktem wyjścia dla identyfikacji wizualnych obu wystaw jest animacja stworzona na potrzeby promocji w mediach społecznościowych. Motywy wizualne zawarte w animacjach były pieczołowicie opracowywane przez grafika współpracującego ściśle z osobami artystycznymi i kuratorskimi. Jak wykazały badania przeprowadzane wśród odwiedzających CSW chcą oni być zaskakiwani narracja wizualną promującą wystawy. Dodatkowo umieszczanie na grafikach promocyjnych reprodukcji prac, które goście mogli zobaczyć na wystawie spotykało się z dezaprobatą. Znowu - chęć bycia zaskoczonym na wystawie. W związku z tym CSW podjęło dwie decyzje. Po pierwsze na potrzeby promocji każdej z wystaw projektant w CSW będzie tworzył odpowiedną autorską ilustrację. Po drugie - punktem wyjścia dla tych grafik zawsze będzie animacja. Wynikało to też z potrzeby maksymalnego eksploatowania bezkosztowych nośników identyfikacji wizualnej. wystawa Jeśli siebie nie poznasz artysta: Paweł Sobczak kurator: Paweł Wątroba wystawa Niewidy artystka: Julia Świtaj kuratorka: Katarzyna Kalina plakat projekt graficzny: Marcin Wysocki format: 45 × 56 cm kolor: awers — PANTONE 871 C, PANTONE 072 C rewers — PANTONE 871 C, PANTONE 806 C nakład: składane w formie ulotek — 1000 sztuk / nieskładane — 200 sztuk baner format: 94 × 467 cm kolor: CMYK

#Instytucje 

Projekt graficzny serii wielkoformatowych infografik na wystawę i Festiwal Warszawa w Budowie 2023 „Zimno już było” w Muzeum Woli w Warszawie ma na celu zwizualizowanie zmian klimatycznych i unaocznienie wpływu globalnego ocieplenia na środowisko, zwierzęta, ludzi i miasto. 15. edycja festiwalu WARSZAWA W BUDOWIE: Zimno już było opowiada o upale w mieście z różnych perspektyw – z wykorzystaniem badań naukowych, dokumentów historycznych oraz projektów artystycznych polskich i zagranicznych twórców. Stworzone przez Studio Hekla Infografiki stanowią appendix do wystawy prezentując w sposób wizualny i sugestywny zmiany i zagrożenia wynikające ze wzrostu temperatury. Autorki użyły różnego typu infografik: diagramów, ilustracji, form geometrycznych oraz przebarwiających się gradientów (pomarańcz-ciepło; granat-zimno; szarość-neutralność lub liminalność), by zobrazować tematy i dane przygotowane przez grupę kuratorską festiwalu Warszawa w Budowie. Seria siedmiu infografik o zmianach klimatycznych na wystawie i Festiwalu Warszawa w Budowie 2023 „Zimno już było” w Muzeum Woli składa się z następujących tematów: 1) Ocieplenie klimatu w Warszawie 2) Twórcy skal temperatur 3) Kalendarium instytucjonalizacji temperatury 4) Zwięrzęta zagrożone wyginięciem 5) Rekordy i przewidywania 6) Warszawska polityka termiczna 7) Wizualizacja szacunków migracji klimatycznych Warszawa w budowie 2023. „Zimno już było” Muzeum Woli w Warszawie (fiila Muzeum Warszawy) 22.08.2023 –24.03.2024 zespół kuratorski: Wanda Kaczor, Konrad Schiller, Marta Żakowska

#Projektkowanie zrównoważone 

Książka jest częścią cyklu mającego na celu udokumentowanie historii polskiej grafiki użytkowej, ze szczególnym naciskiem na znak graficzny. Tym razem bohaterem albumu, który towarzyszył wystawie, był Jan Hollender (1907–1989) – wybitny polski projektant. Publikacja miała stanowić uzupełnienie ekspozycji. Jan Hollender zasłynął jako twórca znaków takich jak: Pekao (1956), Tarchomińskie Zakłady Farmaceutyczne „Polfa” (1956), Centrum Zdrowia Dziecka w Warszawie (1972), Fabryka Płyt Gramofonowych „Pronit” (1959), oraz „Projekt” (1962). Książka wypełnia istotną lukę w historii polskiego designu XX wieku. Katalog składa się z dwóch części. Pierwsza krótko opisuje biografię Jana Hollendra i przedstawia jego najbardziej znane prace. Druga część to prezentacja ponad 100 znaków wybranych spośród 250 zwektoryzowanych projektów. Książka została wydrukowana na dwóch rodzajach papieru, aby wyraźnie oddzielić poszczególne sekcje. Okładka zadrukowana Pantone w kolorach miedzianym i neonowym pomarańczowym podkreśla klasyczny charakter sylwetki projektanta, zestawiając go ze współczesnym kontekstem. Publikacja wzbogaciła wiedzę na temat polskiej kultury wizualnej w dziedzinie znaku graficznego. Dzięki dwujęzycznemu wydaniu, książka zyskała popularność również wśród projektantów zagranicznych.

#Forma 

Jira to skomplikowany, nieatrakcyjny wizualnie program, który nie zachęca użytkownika do korzystania. Niestety nie ma w sobie niczego co sprawiłoby, że uwiedzie odiorcę od pierwszego kliknięcia. Jak w takim razie, opowiedzieć nowemu człowiekowi w pracy o tym systemie zarządzania projektami? Jak przekonać projektantów, copywriterów i specjalistów od mediów społecznościowych do zapisywania czasu poświęconego na konkretne projekty? Jak sprawić, żeby polubili wspólnie planowanie z zespołem swojej pracy na najbliższy tydzień? I nie myśleli o Jirze jako o nudnym milionie tabelek? My spróbowaliśmy! Chociaż wiemy, że tak uporządkowany sposób pracy nie jest oczywisty dla niezależnych, kreatywnych ludzi pracujących w Admind. Dlatego w naszej interaktywnej publikacji "Jira Knowledge Book" pokazaliśmy to bardzo biurowe oprogramowanie jako grę, prawie zabawę, swego rodzaju wyzwanie. Trochę jak "Eurobiznes" z dzieciństwa, lub pierwsze gry na Atari. W naszym podręczniku, przewodnikiem po tym świecie jest A_dam (trochę maser a trochę monster), wszystkowiedząca litera A. Tak naprawdę A_dam to zwykły facet, który uważa się za mistrza Jira! Dzięki jego wiedzy i dużej dawce humoru oswajamy nowych członków zespołu z narzędziem, którego będą używać codziennie. Świat A_dama to pulchne i nieco landrynkowe ilustracje. Bez przesadnej powagi i udawanego profesjonalizmu pomagają zrozumieć zawiłości bardzo profesjonalnego systemu! Założyliśmy, że nasza publikacja będzie jak najbardziej interaktywna i dzięki temu zaangażuje i wciągnie odbiorców. Przekazaliśmy niezbędne informacje, dając równocześnie możliwość zabawy, klikania, odkrywania kolejnych poziomów tej gry. A czasem głupkowaty humor A_dama pomoże rozładować napięcie związane z pierwszymi krokami w Jirze! Idea i tekst: Rafał Krawczyk Opracowanie treści: Magda Hutny, Morgan Nicholas-Karpiel, Izabela Palińska, Zofia Zeman Creative Director: Marta Szmyd Art directing: Andrzej Leraczyk Design: Liliana Fryda

#Forma 

Julia Keilowa. Projektantka art déco to polsko-angielska publikacja pod redakcją Agnieszki Dąbrowskiej i Moniki Siwińskiej towarzysząca wystawie w Muzeum Warszawy. Książka przybliża sylwetkę projektantki, jej warsztat, drogę zawodową oraz sposoby budowania własnej marki. Zawiera – przygotowany pierwszy raz – katalog twórczości metaloplastycznej Keilowej, który obejmuje udokumentowane projekty jej autorstwa i pokazuje walory powstałego w krótkim czasie, ale niezwykle bogatego dorobku. O współpracę z projektantką zabiegały firmy platernicze: Norblin, Bracia Henneberg i Fraget. Część katalogowa publikacji, na którą składają się zdjęcia wykonane przez Muzeum Warszawy, a także archiwalne zdjęcia Benedykta Jerzego Dorysa, została wydrukowana z pięciu kolorów – standardowy CMYK z dodatkowym srebrnym kolorem PANTONE położonym wybiórczo w półtonach każdego obiektu. Zabieg ten nawiązuje do materiału, z którym pracowała projektantka, a także sprawia, że katalog zyskuje dodatkową warstwę wrażeniową. Strony oglądane pod różnym kątem, przy różnym oświetleniu podkreślają najdrobniejsze detale obiektów odznaczających się niezwykłą formą i zróżnicowaniem faktur. Książka oprawiona została ekologicznym papierem z tłoczeniem typografii oraz obrysu najbardziej rozpoznawalnego obiektu Keilowej – Cukiernica „Kula”. ZESPÓŁ Redaktorki merytoryczne: Agnieszka Dąbrowska, Monika Siwińska* Teksty: Agnieszka Dąbrowska, Piotr Kaczkiełło, Aleksandra Kędziorek, Janusz Mróz, Monika Siwińska, Anna Wiszniewska Redaktorka prowadząca Aleksandra Kędziorek, współpraca: Małgorzata Makowska Redakcja językowa tekstu polskiego: Barbara Milanowska (Lingventa) Korekta w języku polskim Aleksandra Żurek-Huszcz (Lingventa), Małgorzata Makowska Tłumaczenie: Łukasz Mojsak, Marcin Wawrzyńczak Korekta tekstu angielskiego: Richard Greenhill Projekt graficzny i skład: Nicola Cholewa, Magdalena Heliasz Przygotowanie fotografii do druku: Nicola Cholewa, Magdalena Heliasz, Eliza Kowalska-Małek, Anna Sulej Koordynacja digitalizacji obiektów Muzeum Warszawy: Mikołaj Kalina Publikacja została dofinansowana przez Fundację Muzeum Warszawy. Wydawca: Muzeum Warszawy Zdjęcia książki: Maciej Jędrzejewski

#Instytucje 

Punkt wyjścia: Hip-hopowa płyta “KAM-RAP-POL” Kamila Pivota najpierw zrodziła się jako pomysł na tzw. concept-album, na którym każdy utwór opisywał inny pomysł na biznes. Dopiero na dalszym etapie prac powstał tytuł i pomysł na to, by wszystkie utwory na płycie nawiązywały poetyką do nazw polskich firm powstających w latach 90., np.: KAM-CAR, KAM-ŁUK, POL-KAM-TEL. Wtedy też pojawiło się wyzwanie - w jaki sposób wydanie i oprawa albumu może nie tylko korespondować z treścią utworów, ale też swoją formą nawiązać do płyt wydawanych w Polsce pod koniec lat 90 ? Pomysł: Kamil zwrócił się do mnie z pomysłem na identyfikację całego projektu jeszcze przed nagraniem płyty. Opowiadając mi o projekcie bardzo szybko wpadłem na pomysł, żeby podkreślić w mocny sposób założenie stojące za muzyką. Poetyka nazw polskich firm - znamy to wszyscy. Postanowiłem wykorzystać stylistykę typopolo, graficznych samoróbek, źle przyklejonych szyldów i całą oprawę wizualną pociągnąć w ten sposób. Egzekucja: Stylistyka lat 90, nietrafione zestawienia kolorów, błędy w składzie tekstu, odklejające się szyldy to wszystko widać w oprawie graficznej towarzyszącej albumowi. Każdy materiał od okładek digitalowych, przez napisy w klipach po wydanie cd jest opowieścią dokładnie o tym o czym są teksty Kamila. Na rynku muzycznym opartym o wysokobdużetowe sesje zdjęciowe, ai, mocne zestawienia kolorów udało się stworzyć coś bezpretensjonalnego a jednocześnie wyróżniającego się. Najważniejsze dla mnie było to, że udało się oprawą graficzną dopowiedzieć muzykę i pomysł na album - to było dla mnie kluczowe. Design: Jacek Walesiak Photos / Music Videos: Grzegorz Hospod

#Forma 

W miastach zauważalny jest problem z segregacją śmieci, który szczególnie nasila się wśród mieszkańców bloków. Może być spowodowany przez wiele czynników, a główne z nich to: 1. Brak poczucia odpowiedzialności. Poczucie odpowiedzialności zbiorowej na osiedlach. 2. Brak wiedzy, jak wiele śmieci można poddać segregacji – tendencja do wyrzucania wszystkiego do odpadów zmieszanych. 3. Brak świadomości na temat kar nakładanych na miasto w związku z brakiem segregacji. Brak świadomości, że kary te nie są pokrywane z opłat za śmieci, a z budżetu miasta, który mógłby być przeznaczony na inne cele. Cele kampanii – Koncentruje się na nauce kolorów przy segreagacji odpadów. Posługuje się komunikatami zwracającymi uwagę na dany kolor i rodzaj odpadu. – Ma zwracać uwagę na to, że segregacja jest obowiązkiem każdego mieszkańca, a ignorowanie jej może mieć realny wpływ na komfort obywateli i finanse miasta.​​​​​​​ Założenia projektowe – Różnorodność – kampania nie skupia się na jednej kreacji, ale wykorzystuje wiele różnych, które razem tworzą spójny przekaz. – Wzmocnienie przekazu – zwiększenie szansy na to, że odbiorca zapamięta elementy kampanii. – Prosty komunikat – każdy przekaz skupia się w danym momencie na jednym konkretnym komunikacie, nie rozpraszając uwagi odbiorcy. Koncepcja kreatywna kampanii – Prostota – wykorzystanie motywu kół – segregacja jako coś normalnego, przyjaznego, łatwego. – Realizm – wykorzystanie pojedynczych śmieci w dużej masie lub przeskalowanej formie ma na celu zwrócić uwagę na rozmiar problemu. – Edukacja – proste tłumaczenie zasad. Typografia jako istotny element key visuala.​​​​​​​​​​​​​​

#Instytucje 

KANDLE to niezależne rzemiosło. To marka oferująca produkty wpierające codzienne rytuały. Świece sojowe (i w przyszłości inne produkty komplementarne) tworzone są z dbałością o ekologię i o doznania wizualne. Wspierają positive vibe każdego, kto chce aktywnie doświadczać życia na własnych warunkach. A wszystko w duchu japońskiej filozofii życia w zgodzie z samym sobą i w kojącym kontakcie ze sztuką. Ma to swoje odzwierciedlenie w niesamowicie prostym/surowym, ale przemyślanym brandingu, który oparty jest o jeden krój pisma, stonowaną kolorystykę beżów, ilustracje i oszczędne kompozycje. Na projektach widzimy tę ciszę, która towarzyszy naszym rytuałom. Marka startuje ze świecami, dlatego też są one pretekstem do nazwy - naming powstał w nawiązaniu do angielskiej nazwy “świeca” - candle - KANDLE. Logotyp przypomina znak z japońskiego alfabetu, a jednocześnie jest czytelny i prosty w swojej formie. Odbiorcy marki to entuzjaści niezależności, którzy cenią sztukę i dobry design, a jednocześnie świadomie doświadczają życia i tworzą swoją przestrzeń. Dlatego też marka miała cechować się rebelianckim charakterem. Powstała walka pomiędzy wschodem (inspiracje), a zachodem (odbiorcy). Stąd dość ciężkie, ale przełamane niuansami ilustracje, które prezentują wariacje masek używanych w japońskich teatrach. Nawiązują one do stylistyki KAWAII, która określa ich delikatność i zabawowość, co stanowi zdecydowane przełamanie konwencji ciężkiego ujęcia tematu rebel na zachodzie. Same ilustracje stanowią interpretacje zapachu np. w policzkach portretu ze świecy SAMA SOJA upchane są ziarenka soi. Dodatkowo alternatywny klimat podkreśla kompozycja tekstowa etykiet, która wydaje się być nieco egzotyczna w zachodnim odczuciu estetyki. Nawiązuje ona do podpisów wschodnich dzieł sztuki. Na etykiecie świec logo funkcjonuje jako pieczątka artysty, a treść wyżej obrócona jest o 90°, żeby zachować pionowy układ treści (podobnie jak ma to miejsce na japońskich układach typograficznych). Na zdjęciach produktowych widzimy jakby zastaną sytuację - “ten moment”, który tak bardzo zbliża nas do zatrzymania się i kontemplacji. Ta naturalność kadru staje się dopełnieniem faktu korzystania z bezpiecznych dla nas i dla środowiska produktów. OFF-DUTY CRAFTS FOR PEOPLE WHO CARE Zakres prac: naming + logo brand strategy branding illustration identyfikacja wizualna brand guidelines

#Forma 

Kino Światowid znane jest z łamania konwencji i promowania niezależnego kina, dzięki czemu stało się jednym z najważniejszych miejsc na mapie Śląska dla miłośników filmów artystycznych. W ramach rebrandingu, naszym celem było stworzenie identyfikacji wizualnej, która w pełni odda unikalny, eksperymentalny charakter tego kina studyjnego. Logo zostało zaprojektowane z wykorzystaniem kroju Repro, który w połączeniu ze skośnymi literami „W” i „I” nadaje całości dynamiczny wygląd. Te zmodyfikowane kształty podkreślają artystyczną wolność, jaką reprezentuje Kino Światowid, stawiając na kreatywność i świeżość. Każdy element znaku odzwierciedla ducha eksperymentu, który na stałe wpisał się w działalność tego miejsca. Kolorystyka logo to mocny neonowy odcień, który nawiązuje do historii kina Światowid, kiedy to było ono rozświetlane neonami, jednocześnie łącząc ten retro element z nowoczesnością. Neonowy kolor symbolizuje odważny, współczesny repertuar kina, który przyciąga miłośników filmowych eksperymentów. Klucz wizualny, wykorzystujący geometryczne formy i kontrasty, wzmacnia wyrazisty wizerunek kina. Nowoczesne, intensywne barwy w połączeniu z dynamicznym logotypem sprawiają, że identyfikacja wizualna Światowida doskonale oddaje jego eksperymentalny i kreatywny charakter. Dzięki temu nowy wizerunek kina nie tylko odzwierciedla jego tradycję, ale także stawia na innowacyjność i współczesne podejście do sztuki filmowej.

#Instytucje 

Seryjnie produkowane w latach 1970 – 1990 kioski modułowe, takie jak pionierski K67, zaprojektowany przez słoweńskiego architekta Sašę J. Mächtiga, oraz inne podobne systemy (polski Kami, macedoński KC190 czy radziecki 'Batyskaf'), stały na każdym rogu byłego bloku wschodniego i Jugosławii: od tętniących życiem rynków po socjalistyczne osiedla mieszkaniowe. To właśnie w takich budkach, powszechnie znanych jako Jugokioski, kupowaliśmy hot dogi i zapiekanki, świeże jaja i kurczaki z rożna, wieńce pogrzebowe i prasę; były stróżówkami na parkingach, kantorami wymiany walut – ich funkcje można wymieniać bez końca. Album zawiera niepublikowane dotąd fotografie ostatnich modernistycznych budek, znalezionych od Lublany po Warszawę i od Belgradu po Berlin, które przetrwały społeczno-polityczną transformację Europy Środkowo-Wschodniej pod koniec XX. wieku. Niektóre z nich pozostają aktywne do dziś lub zmieniają swoje funkcje po renowacji; inne stoją porzucone, by powoli zniknąć z miejskich krajobrazów. Zdjęcia ponad 150 kiosków, które są częścią tej kolekcji, wykonane zostały na przestrzeni ostatniej dekady przez założycieli Zupagrafika, Davida Navarro i Martynę Sobecką.

#Impakt 

W 2023 roku w studio Neue Archiv przy współpracy z FANGOR Foundation rozpoczęliśmy unikatowy w skali polskiej, wieloletni projekt badawczy nad rozbudową Catalogue Raisonné Wojciecha Fangora – polskiego malarza, rzeźbiarza, projektanta, architekta, badacza przestrzeni oraz astronoma. Zakres naszych działań obejmował m.in. rebranding Fundacji oraz wdrożenie projektu strony internetowej wraz z nowym, cyfrowym wydaniem Catalogue Raisonné. „Konstelacje” to interaktywna mapa wizualizująca chronologię oraz działalność twórczą Wojciecha Fangora. Celem projektu było stworzenie nowatorskiego, atrakcyjnego wizualnie i intuicyjnego narzędzia służącego rozszerzaniu dotychczasowej wiedzy oraz inicjowaniu nowych badań wokół życia i twórczości artysty. Zainspirowani zbudowanym przez Fangora w latach 80. obserwatorium astronomicznym w Summit (USA) opracowaliśmy własną wersję gwiazdozbioru życia artysty. Stworzona przez nas interaktywna mapa pozwala na przejrzystą wizualizację, przeszukiwanie oraz filtrowanie w oparciu o kategorie typologiczne i czasowe, złożonego zbioru informacji zagregowanego z licznych źródeł historycznych, archiwalnych oraz naukowych. Mapa opiera się na połączeniu geoprzestrzennych danych dotyczących miejsc pobytu i pracy artysty z rozbudowaną siatką relacji towarzyskich, znajomości, współprac, instytucji, wystaw oraz realizacji. Celem projektu jest naświetlenie możliwości spojrzenia z dwóch perspektyw na życie Fangora: skali makro – ujawniającej główne obszary intensywności twórczej aktywności oraz skali mikro – koncentrującej się na poszczególnych relacjach z osobami i instytucjami. Pojedyncze punkty uzupełnione są kartami opisowymi z dodatkowymi informacjami kontekstowymi oraz połączeniami z zasobami Catalogue Raisonné, a także źródłami zewnętrznymi m.in. Archiwum Wojciecha Fangora w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie. Zespół projektowy Neue Archiv: Maciej Harland, Ernesta Malina

#Idea 

LOOK. NOTICE. to kampania o czerpaniu inspiracji z otaczającej nas rzeczywistości. Promuje fotografię, a dokładniej związaną z nią wrażliwość i uważność. Jak głosi tytułowe hasło - patrz. zauważaj. Akcja jest odpowiedzią na problemy z kreatywnością, przynosząc naturalne, unikalne źródło inspiracji dostępne na wyciągnięcie ręki. Projekt powstał w ramach praktycznej części pracy licencjackiej pod nadzorem dr Marcina Urbańczyka. Dyplom został obroniony z wyróżnieniem w Instytucie Sztuki i Designu UKEN w Krakowie. PROBLEMATYKA W branży kreatywnej często zmagamy się z kryzysem twórczym, gdyż kreatywność wymagana jest od nas na zawołanie. Wszechobecny rozwój technologii sprawia, że nasze życie i praca coraz bardziej uzależniają się od internetu. Daje to ogromne możliwości, ale jednocześnie prowadzi do przesytu informacjami, utrudniając oryginalność i negatywnie wpływając na koncentrację, zdrowie i samopoczucie. Jako projektanci w takim środowisko, często doświadczamy uczucia przytłoczenia, wypalenia zawodowego i zmęczenia. ROZWIĄZANIE Celem projektu stało się zatem zachęcenie do wyjścia z domu, oderwania się od ekranu i spoglądania na wielość inspiracji, jakie mamy „pod nosem” każdego dnia. Akcja promuje zapis różnych obrazów za pomocą aparatu. Kadry miałyby stać się prywatnym, niepowtarzalnym zbiorem inspiracji. Taka praktyka nie tylko dostarczałaby materiałów do projektów i umożliwiała ćwiczenie kompozycji w plenerze, ale także uczyłaby dostrzegania nieoczywistego uroku otaczającego nas świata. ŚRODKI GRAFICZNE Identyfikacja wizualna została stworzona z myślą o grupie docelowej. Zadbano o detale, takie jak niestandardowy kształt glifów czy nowoczesny layout. Są to niuanse, które przykuwają uwagę osób projektujących. Wykorzystano także minimalizm i kontrast rozmiarów w stylach tekstowych. Fundamentem design systemu stał się grid, zapewniający spójność i geometryczny charakter. Użyto fotografii, które oprócz funkcji estetycznej, stanowią przykład realizacji promowanych idei. Paleta kolorystyczna oparta została na klasycznej bieli i przełamanej czerni. Taka kombinacja sprzyja wysunięciu na pierwszy plan fotografii. Całość urozmaica akcent dynamicznego koloru. STRONA INTERNETOWA Służy nie tylko funkcji informacyjnej, ale reprezentuje idee i pozwala zanurzyć się w jej świecie. Za pomocą storytellingu i dawkowania treści, sekcje na stronie opowiadają krok po kroku historię, za którą podąża użytkownik. Na portalu znajdziemy przewodnik i przykłady jak inspirować się otoczeniem. Przeczytamy o perspektywach innych osób na to czym jest zdjęcie. Zapoznamy się z ofertą wydarzeń. Poznamy genezę powstania akcji. POZOSTAŁE MATERIAŁY Kampania przewiduje również aktywność w social mediach w formie różnorodnych akcji angażujących odbiorców. Projekt wychodzi też poza internet. Plakaty i banery mają przykuwać uwagę na ulicy chwytliwymi hasłami, sprytnie nawiązując do załączonych obrazów. Naklejki mogą wskazywać na warte uwagi miejsca w danym mieście, zachęcając tym samym do eksplorowania. WARSZTATY, KONKURS, WERNISAŻ Projekt został rozbudowany o koncepcję trzech wydarzeń: warsztaty, konkurs oraz wernisaż. Celem tych aktywności jest nie tylko aktywizacja uczestników, ale także dostarczenie im radości, inspiracji oraz konkretnych przykładów i kierunków działania. Wydarzenia te mają również stanowić przestrzeń do dyskusji oraz wzajemnej motywacji, stwarzając pole do rozwoju nowych talentów i twórczych inicjatyw. Dostrzegajmy!

#Świeża Krew 

Realizacja szyldu dla Love Tattoos odpowiada na kilka istotnych potrzeb. Przede wszystkim, odpowiada na potrzebę marki poprzez zapewnienie czytelnego oznakowania lokalu, co ułatwia klientom odnalezienie salonu i podkreśla profesjonalizm oraz unikalny charakter marki. Dla odbiorców, szyld stanowi klarowne i estetyczne oznakowanie, poprawiając ich doświadczenie i ułatwiając znalezienie miejsca. Projekt w kontekście zanikających technik ręcznego malowania szyldów i złocenia, podnosi świadomość na temat konieczności ich promocji. W ten sposób działam na rzecz zachowania dziedzictwa rzemieślniczego i jego adaptacji w nowoczesnym świecie. Dodatkowo, poprawa jakości oznakowań przyczynia się do podniesienia estetyki miejsc publicznych, inspirując inne lokale do podjęcia podobnych działań i przyczyniając się do ogólnej poprawy wyglądu przestrzeni publicznych. Główną ideą było zaprojektowanie customowych napisów i zastosowanie kompozycji typograficznej opartej na kontrastowym połączeniu dwóch słów: Love i Tattoos. Słowo "Love" jest nowoczesną interpretacją klasycznych angielskich pisanek, w nowoczesnym wydaniu – bez kontrastu i bardziej kanciastej formie. Natomiast do słowa "Tattoos" użyto grubej, szerokiej szeryfowej litery o niskim kontraście. Do wykonania napisu zastosowano 12-karatowe złoto płatkowe, polerowane na efekt lustra i nakładane na klej przygotowany własnoręcznie z zachowaniem klasycznych proporcji. Sam napis składa się z łącznie z 13-tu warstw różnych materiałów (klejów, farb, złota itd.). Do przeniesienia szablonu na szybę użyto techniki przepróchy – klasycznego sposobu polegającego na perforacji papieru radełkiem, a następnie przeniesieniu napisu na szybę za pomocą talku. Wszystkie etapy malowania szyldu, od przygotowania szablonu, poprzez użycie pędzli i narzędzi, aż po receptury klejów, opierały się na zasadach klasycznego signpaintingu.

#Forma 

Oprawa wizualna publikacji winylowej eurowizyjnego singla LUNY pt. "The Tower". Album został wydany w formie podwójnej koperty (record cover plus sleeve cover) z uszlachetnieniami w formie wybiórczo drukowanej błyszczącej folii UV. Matowe wykończenie oferuje wyrafinowane tło, które kontrastuje z selektywnymi, błyszczącymi elementami folii - takimi jak pola szachownicy i wieża szachowa - tworząc dynamiczną grę światła i cienia, która ujawnia się dopiero w bezpośredniej interakcji. Koncepcję graficzną uzupełnia czerwony, transparentny winyl. Projekt graficzny koncentruje się wokół trzech kluczowych elementów wizualnych: fotografii artystki, nowoczesnego kroju pisma i wzorze szachownicy. Dodatkowo nietypowe justowanie tekstu zostało kreatywnie wykorzystane do nadania wrażenia projektu będącego grą, eksperymentem. Całość tworzy spójną estetykę i uderzający efekt wizualny, który nabiera charakteru w bezpośrednim kontakcie z odbiorcą. Projekt wyszedł spod szyldu Universal Music Polska. Autorką fotografii jest Dorota Szulc. Oprawę wizualną zaprojektowała Angelika Bujak Kaplan.

#Forma 

Mandel - polska marka funkcjonalnych, personalizowanych torebek po 9 latach na rynku przeszła ewolucję. Nowa idea marki: “I decided not to decide” razem z jej identyfikacją wizualną odzwierciedlają zmiany w myśleniu o projektach torebek i w estetyce założycielki: z klasycznego minimalizmu w odważniejsze, czyste formy z nieoczywistymi twistami. Język wizualny marki odzwierciedla nowy kierunek w projektowaniu torebek: z klasyki w odważniejsze, czyste formy z nieoczywistymi twistami. Nowe logo widać na wszystkich modelach, a skrócone do formy sygnetu, w elementach dekoracyjnych i konstrukcyjnych torebek. Nowej odsłonie marki towarzyszyła kampania ze zdjęciami Loli Banet. Sesja zainspirowana została kształtami i nazwami torebek Mandla: Almond, Dumpling, Croissant, Cannolo czy Fortune Cookie. W myśl idei „I decided not to decide”, kampania decyzjami związanymi z wyborem jedzenia. Nowe logo i sygnet Mandla opierają się na specjalnie zaprojektowanych literach, których mocna, wyrazista baza i ostre kąty zostały zmiękczone kontrastującymi, uroczymi detalami. Użycie w typografii uzupełniającej to Neuf, fontu o francuskich korzeniach, to ukłon w stronę początków marki i jej pierwszych inspiracji. Z idei “I decided not to decide” wychodzi też zmieniająca się cyklicznie paleta kolorów: Stały zestaw trzech kolorów (z super chłodną czerwienią jako wiodącą) w identyfikacji uzupełniamy kolorami sezonowymi. Nowa odsłona MANDLA wpasowała się w potrzeby założycielki marki, która ma poczucie, że znów utożsamia się z własną marką. Komunikacja spotkała się też z entuzjastycznym odbiorem klientek, obserwatorek i mediów (w tym Vogue). Elementy identyfikacji od niemal roku są używane przez zespół Mandla, udowadniając swoją funkcjonalność, z łatwością adaptując się do codziennej komunikacji. Logo i jego wersje sprawdzają się jako elementy dekoracyjne i konstrukcyjne, stając się integralną cześcią produktu. CREDS: creative & art direction, ID design - Kaja Dobrzańska creative & copywriting - Adriana Hochmańska strategy & creative support - Paula Gurgul logo design - Ewa Kucharska fotografka, zdjęcia kampanii - Lola Banet stylizacje - Monika Kalicińska, Gabriela Kalisty set design - Justyna Bugajczyk, Marcin Wydrzyński MUA - Joanna Beredzińska fotograf, zdjęcia produktowe i butiku - Marcin Łabuz

#Forma 

Miasto–Moda–Maszyna to publikacja będąca uzupełnieniem narracji wystawy stałej w Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi. Publikacja jest merytorycznie niezwykle rozbudowana – zawiera bogato ilustrowany przewodnik po trzech piętrach i jednocześnie sekcjach wystawy, katalog obiektów muzealnych, eseje kreślące kontekst problemowy, historyczne tabele oraz liczne infografiki. Zróżnicowanie treści było projektowym wyzwaniem, bo w jednej, spójnej formie należało wprowadzić dużą liczbę rozwiązań typograficznych. Zastosowaliśmy dwa kroje pisma – ozdobny szeryfowy i prosty grotesk, co dało duży wachlarz możliwości. Cała publikacja została zaprojektowana w odcieniach naturalnej bawełny, grafitu nawiązującego do żeliwa i smaru maszyn włókienniczych, dymu fabrycznych kominów oraz żywego oranżu (piąty kolor w druku) – cegły łódzkich fabryk. Ważnym elementem publikacji jest równolegle prowadzona narracja fotograficzna – precyzyjnie dobrane fotografie archiwalne przeplatają się z wyrafinowanymi, współczesnymi zdjęciami detali maszyn tkackich oraz wyrazistymi portretami łódzkich robotników. Kolejnym istotnym elementem publikacji są szczegółowe i przejrzyste infografiki, schematy oraz rozbudowane tabele – dopracowane w najmniejszym detalu. Okładka został wydrukowana na ekologicznym papierze, o miękkich trawiastych włóknach, co zagwarantowało dużą elastyczność, przy jednoczesnej grubości, okładki i łatwość korzystania z przewodnika. Okładkowy kolaż zrealizowany w oparciu o archiwalne fotografie hali tkalni oraz autorskie liternictwo tytułu zostały wydrukowane sitodrukiem, co dało dużą wyrazistość, przy jednoczesnym zachowaniu struktury papieru. Efekt nierównomiernie poszarpanych włókien, przypominających strzępki bawełny został graficznie powtórzony na stronie tytułowej. Taki bawełniany pył unosił się w historycznych halach, obecnie salach muzeum. Z bawełny i poliamidu została wykonana tasiemka, a jej skład wydrukowany na niej nawiązuje do treści publikacji.

#Forma 

Aplikacja mObywatel i strona info.mobywatel.gov.pl to dwa projekty, które są w pełni kompatybilne, co pozwala użytkownikom aplikacji na komfortowe i świadome jej użytkowanie. Dzięki aplikacji obywatel ma w swoim telefonie stały dostęp do elektronicznych dokumentów i przydatnych usług publicznych, o których dowie się wszystkiego na stronie info.mobywatel.gov.pl. Każdy z tych projektów może być zarówno osobnym bytem, jak i tworzyć jedną idealnie zgraną całość. To zupełnie nowe podejście do projektowania usług publicznych, którego celem jest oddanie w ręce obywateli nowoczesnego produktu cyfrowego najwyższej jakości, służącego im na co dzień i zapewniającego wygodę w organizacji codziennego życia. Podczas projektowania aplikacji mObywatel – nowoczesnego, narzędzia cyfrowego, które umożliwia użytkownikom korzystanie z elektronicznych dokumentów i załatwianie spraw urzędowych za pomocą telefonu, naszym głównym celem było stworzenie intuicyjnego interfejsu z jednoczesnym zastosowaniem nowoczesnych rozwiązań UX/UI. Zależało nam na tym, by uwzględnić potrzeby wszystkich użytkowników aplikacji, bez względu na poziom zaawansowania ich umiejętności cyfrowych. Zadbaliśmy również o możliwość wyboru i personalizacji ekranu głównego, dzięki czemu to użytkownik decyduje o kolejności swoich usług i dokumentów w aplikacji, co znacznie ułatwia mu korzystanie z niej na co dzień. W ramach projektu związanego z nową stroną internetową info.mobywate.gov.pl, mieliśmy również przyjemność zaprojektować keyvisual, makiety UX oraz finalny wygląd strony, która ma na celu przedstawienie funkcjonalności aplikacji mObywatel w sposób nowoczesny i przyjazny użytkownikom. Naszym głównym celem było stworzenie przestrzeni, która nie tylko w sposób estetyczny oddaje zaawansowanie technologiczne aplikacji, ale również upraszcza komunikację z użytkownikami poprzez intuicyjny design. Przy opracowywaniu makiet UX skupiliśmy się na płynnej nawigacji oraz optymalizacji interfejsu, aby użytkownicy mogli łatwo znaleźć potrzebne informacje o aplikacji mObywatel, jej możliwościach oraz korzyściach płynących z jej używania. W projekcie finalnym zadbaliśmy o spójność wizualną, harmonijnie łącząc elementy graficzne z treścią, co podkreśla nowoczesny charakter aplikacji i jej funkcje. Zgłoszenie aplikacji mObywatel oraz strony info.mobywatel.gov.pl do konkursu "Projekt Roku" organizowanego przez STGU jest nie tylko wyrazem naszego zaangażowania, ale także dowodem na to, że nowoczesny design i przemyślana architektura informacji mogą znacząco wpłynąć na odbiór tak zaawansowanych technologicznie narzędzi jak mObywatel. To projekty, które pokazują, jak ważne podczas tworzenia produktów cyfrowych jest słuchanie ich użytkowników i stworzenie w procesie projektowania żywej relacji pomiędzy ich obiorcą a projektantem. Między innymi dzięki badaniom UX oraz analizie komentarzy i opinii użytkowników, pojawiających się w sklepach Google Play i App Store, możemy zastosować takie rozwiązania, które są odpowiedzią na ich potrzeby i oczekiwania. Podkreślają one nie tylko innowacyjność aplikacji, ale również kładą nacisk na wygodę i użyteczność dla każdego obywatela.

#Impakt 

Morfos Design to studio architektoniczne z siedzibą w Mediolanie. Specjalizuje się w projektowaniu zaawansowanych obiektów krytycznych 24/7 (centra operacyjne, pomieszczenia kontrolne) Firma posiada ponad 20-letnie doświadczenie w projektowaniu tych wymagających przestrzeni, kładąc nacisk na innowacyjność, ergonomię oraz integrację elementów natury z nowoczesną technologią. Rezultatem prac strategicznych jest stworzenie ram projektowych, które odzwierciedlają filozofię marki, opartą na równowadze między technologią a naturą oraz silnej orientacji na użytkownika. Znak słowny Morfos składa się z liter wykreślonych w taki sposób aby ich forma odzwierciedlała główne kategorie wizualne marki. Dynamiczne i płynne kształty używane są, aby przekazać ruch i energię. Znak został zaprojektowany w taki sposób, aby był elastyczny i adaptowalny, co umożliwia różne konfiguracje w zależności od kompozycji i kontekstu w jakim ma zostać zastosowany. System "Winiet" jest rozszerzeniem logo systemu, które umożliwia silniejszą integrację logo do firmowych kompozycji. Kształty zaczerpnięte z natury stanowiły inspirację do stworzenia tego języka wizualnego. Jest to bezpośrednie nawiązanie do stylu projektowania stosowanego przez architektów Morfos Design. Team: markiewicz.studio Strategy & Concept: Michał Markiewicz Creative Direction & Design: Michał Markiewicz Motion & 3D: Kasia Olejarczyk Graphic Design: Edyta Mucha Web Design: Edyta Mucha

#Forma 

Zostałem poproszony o zaprojektowanie dyplomów, które Prezydent Gdańska wręczy twórcom związanym z teatrem za ich wybitne osiągnięcia. Zamiast standardowej zadrukowanej kartki A4 w teczce, postanowiłem stworzyć obiekt, który pełni funkcję estetyczną i można go postawić na półce. Dyplom miał wymiary około 20x20 cm i głębokość 8 cm. Wszystkie treści naniosłem na trzy szklane szybki umieszczone wewnątrz. Niektóre napisy były wyklejane, a inne złocone płatkami złota. Aby nadać projektowi teatralnego charakteru, w środku umieściłem papierową kurtynę, na której znajdowały się informacje dotyczące przyznanej nagrody. W ramach projektu sworzyłem także autorską wersję gdańskich lwów.

#Instytucje 

Po wielu latach jedna z najważniejszych polskich instytucji kulturalnych – Narodowy Instytut Muzeów – postanowiła rozpocząć nowy rozdział w swojej historii, podejmując się pełnej metamorfozy wizualnej. Naszym celem było stworzenie identyfikacji wizualnej, która nie tylko odpowiada współczesnym wymaganiom, ale także pozostaje ponadczasowa, elastyczna i odporna na zmieniające się trendy. Główną ideą naszej koncepcji było połączenie tradycji z nowoczesnością – nowy sygnet oparty na wzorze czteroliścia z klucza Domu Gotyckiego w Puławach symbolizuje otwartość na współczesne potrzeby muzealnictwa, jednocześnie nawiązując do bogatego dziedzictwa kulturowego Polski. Czteroliść został zmodyfikowany tak, aby w jego centrum powstał motyw ramy, co w metaforyczny sposób oddaje funkcję Instytutu jako „ramy” dla działalności wszystkich muzeów w Polsce. Zwielokrotnione elementy ornamentu tworzą efekt wielowymiarowości, odzwierciedlając różnorodność i szeroki zakres działań NIM. Znak ten stał się centralnym elementem dla całego systemu identyfikacji wizualnej, na bazie jego konstrukcji w projekcie powstały również proste i intuicyjne piktogramy, które wizualnie porządkują stałe obszary działań Instytutu, ułatwiając nawigację zarówno na stronie internetowej, jak i w mediach społecznościowych. Paleta kolorystyczna została zbudowana wokół koloru „młodego wina” – głębokiej czerwieni, która nawiązuje do dziedzictwa kulturowego i symbolizuje rozwój oraz energię. Uzupełnieniem są ciepły koral i świeży lazurowy błękit, które wprowadzają nowoczesność i lekkość. Wszystkie oddziały i działania Narodowego Instytutu Muzeów zostały zintegrowane w ramach jednego, spójnego brandu, co wzmacnia rozpoznawalność Instytutu na arenie krajowej i międzynarodowej. Cały system identyfikacji wizualnej umożliwia tworzenie spójnego wizerunku wszystkich działań Instytutu, jednocześnie pozwalając na indywidualizację projektów – zarówno stałych, jak i czasowych inicjatyw. Art direction: muflon studio Design: muflon studio Motion design: Marek Dziurkowski

#Instytucje 

Książka: Nieczytelność – dychotomia funkcji i formy w projektowaniu graficznym w oparciu o działania typograficzne i liternicze jest próbą dookreślenia, czym jest nieczytelność, jakie są obszary występowania tego zjawiska oraz jaki wpływ ma ono na finalny odbiór dzieła. W tekście przedstawiona została także unikalna zależność pomię­dzy formą znaku a jego funkcją w oparciu o wypracowane doktryny renomowanych typografów i wybitnych przedstawicieli dziedziny pro­jektowej. Praca ta, stała się także okazją do rozważań wokół granicy czytelności znaku literniczego oraz warunków jego implementa­cji. Celem projektu nie było tylko określenie co czyni literę czytelną, lecz wykazanie jak trudno precyzyjnie wykreślić granice nieczytelności we współczesnej komunikacji wobec dynamicznie zmieniających się czynników zewnętrz­nych, podatne na modę i subiektywne oceny. Nieczytelność – jako język graficzny – oferuje jednak twórcy przyjemne poczucie wolności. Znak literniczy, który wyzwala się ze swojej funkcji, odradza się w innej materii, o szerszym działaniu artystycznym, wymuszając na odbiorcy nieustanną reewaluację tego co jeszcze odbieramy jako literę. Książka ma wymiar 210 × 270 mm. Wielkość ta jest kompromi­sem pomiędzy reprezentatywnym, albumowym wydaniem, a poręczną książką do czytania. Proporcje strony o zmniejszonym kontraście eko­nomicznie mieszczą się na arkuszu drukarskim, przy jednoczesnym odejściu od standardowego dla dokumentów tekstowych formatu A4. Współczynnik proporcji, wysokość i szerokość strony ma wartość 1.28. Parametr ten zbliżony jest do wartości popularnych na rynku tabletów – urządzenia te, podobnie jak powstałe wydawnictwo, służą zarówno do czytania, jak i do oglądania. Okładka książki, wykonana z czarnej tektury barwionej w masie kasze­rowanej tworzywem syntetycznym, wprowadza w projekt sterylny, tech­niczny chłód ekranu, spotykany w urządzeniach multimedialnych. Błysk okładki dobrze kontrastuje z matowym, siermiężnym charakterem wnętrza wydawnictwa a wypukłość materiału przywodzi na myśl matrycę. Ozdobny charaktery sztywnej okładki to także współczesna interpretacja bogato inkrustowanych kodeksów. Pierwsza i ostatnia składka wydawnictwa została przeznaczona na strony tytułowe, spis treści i wstęp na początku książki, a zakończenie i bibliografię na końcu. Składki te formalnie odci­naną się od pozostałej części wydawnictwa, pozba­wione są interpretacji graficznej charakterystycznej dla wszystkich rozkładówek w rozdziałach, a formatowanie tekstu jest wyraziste. Strony te wyróżnia min. znacznie większa punktacja i mocne zaznaczenie akapitów poprzez wykorzystanie inicjałów. Papier do to DNS Indigo w grama­turze 150, wykorzystywany w technologi druku płynnym atramentem HP Indigo, pozwalającej na uzyskanie maksymalnie matowego druku, przy produkcji wydawnictw w niskim nakładzie. Marginesy zewnętrze rozkładówek zostały tak zaprojektowane, aby przy odpowiednim przechyleniu stron w bloku książki, pojawiał się napis. Przy wygięciu bloku w prawo, kaskadowo układające się strony budują przy krawędziach powtarzający się napis FORMA. Wygięcie bloku w lewo natomiast tworzy słowo FUNKCJA. Książka staje się tym samym prostą, analogową animacją, ilustrującą tytułową dychotomię formy i funkcji. Projekt książki opiera się o siatce skrojonej z trzynastu łamów, choć ich rola w budowaniu kręgosłupa publikacji jest umowna. Służą one do porządkowania tekstu i przypisów, ale nie wyznaczają ścisłych obszarów pojawiania się tekstu głównego. Tekst prowadzi czytelnika meandrami poprzez kolejne strony w formie wypełnionych pól tekstowych czy rozsypanych, pojedynczych linijek. Takie podejście do projektowania wydawnictwa pozwoliło, aby zarówno grafika jak i tekst, współistniały jako ważne, aktywne elementy w aranżowaniu kompozycji. W wydawnictwie zrezygnowano z wyróżniania akapitów przez wcięcie lub dodatkowe światło wierszowe; zastępstwie, wykorzystano znak akapitu z dostępnych glifów. Brak wyraźnej przerwy w tekście sprawia, że przybiera on strukturę cieczy, która bez końca zalewa kolejne strony, niczym niekończący się proces skrolowania treści na stronach internetowych. Szarość tekstu, uzyskana przez bezakcentowy skład i jednostajny rytm liter – nie była wartością, którą kierowano się w tym projekcie. W przeciwieństwie – skład ma na celu podtrzymywać odbiorcę w niemalejącym napięciu, dynamicznie zmieniając warunki pojawienia się tekstu na każdej rozkładówce. Litera, którą cechuje zmienność w punktacji i brak możliwości pełnej kontroli nad sposobem jej implementacji, bliższa jest środowisku digitalnemu niż druku. Przypisy w tekście zostały dodatkowo wyróżnione jako wyraziste cyfry wersalikowe, bez zastosowania indeksu górnego, w kontrze na prostokątnej formie. Pole to zbliżone wielkością do pola znaku, przywodzi na myśl ołowianą czcionkę. Środkowa oś, akcentowana przez paginę, to ważny element kręgosłupa publikacji. Pojawiająca się na rozkładówkach inter­pretacja typograficzna, choć kompozycyjnie wyważona, w założeniu ma być wycinkiem większej całości, której jedynie fragment jest oglądany przez odbiorcę. Czerń i biel, użyte w publikacji mają również symboliczne znaczenie. Tak jak noc i dzień, dobro i zło, cisza i dźwięk, pełń i pustka – opozycyjne war­tości współistnieją, zakorzenione w świadomości ludzkiej poprzez obser­wację dualizmu świata. Każdy rozdział wydawnictwa rozpoczyna się stroną tytułową. Rozkładówki w rozdziałach to nasycone graficznie obrazy, czerpiące inspiracje z różnych technik tworzenia litery. Pojawiają się wyraźne nawiązania do poszczególnych etapów rozwoju technologi druku i jej wpływu na formę znaku literniczego. Litery, w tym procesie, ulegają swobodnemu przetworzeniu i deformacji, niejedno­krotnie odbiegają od czytelności ideogramu. Książka ma w założeniu być obiektem eklektycznym, w którym mieszają się różne środki ekspresji plastycznej, od szablonu, skanu, rastra, do precyzyjnej linii wektorowego rysunku lub trójwymiarowego renderu. Każda kolejna rozkładówka wal­czy o uwagę widza. Jest odrębną kompozycją typograficzną, która swoją formą podejmuje próbę nawiązania do treści tekstu głównego. Mnogość obrazów i ich gęstość, może wywołać u odbiorcy wrażenie maksymalnego nasycenia wizualnego – przytłoczenia, które często towarzyszy użytkow­nikom w przeglądaniu materiału graficznego w internecie.

#Forma 

Witamy na No Taboo Mom, blogu, który identyfikuje kluczowe problemy, z jakimi borykają się dziś kobiety. Zapewniamy bezpieczną przestrzeń dla prawdziwych historii o kobiecości, porodzie, macierzyństwie i doświadczeniach poporodowych. Pomimo znacznego postępu w zakresie praw kobiet na całym świecie, wiele aspektów fizycznego i psychicznego samopoczucia kobiet pozostaje ignorowanych, pomijanych lub bagatelizowanych. W No Taboo Mom zagłębiamy się w często mylące lub przesłodzone informacje dla przyszłych matek, badamy rolę systemu opieki zdrowotnej dla kobiet, kwestionujemy równe prawa i role płci oraz otwarcie omawiamy nasze pozytywne i negatywne emocje. Naszą misją jest zakończenie ery półprawd z ukrytymi celami i przedstawienie realistycznego spojrzenia na życie rodzinne zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet. Jak elokwentnie stwierdza Naomi Wolf w swojej książce „Misconception”: „(...) jeśli będziemy mówić bardziej szczerze zarówno o ciemności, jak i świetle na naszej drodze do macierzyństwa, życie rodzinne będzie lepiej rozumiane, a tym samym lepiej wspierane”. Nadszedł czas, aby zabrać głos. Jesteśmy zaangażowani w tworzenie lepszego, milszego i bardziej prawdziwego świata dla naszych synów i córek. Dołącz do No Taboo Mom, czytaj, ucz się i dziel się swoją historią z innymi. Twój głos ma znaczenie! Przetłumaczono z DeepL.com (wersja darmowa)

#Impakt 

OASIS to marka, która skupią się na tworzeniu nowoczesnych nawilżaczy powietrza, w których wykorzystywany jest mech poprawiający jakość działania produtku. Wykorzystaliśmy narzędzia AI w celu prezentacji produtku zarówno w kontekście pomieszczeń w jakich będzie użytkowany ale również do tworzenia kampanii reklamowej "Closer to nature". Kampania ma ukazywać że każde pomieszczenie, w którym przebywamy może stać się naszą oazą i przybliżać nas do natury. Łącznie wygenerowano około 30 grafik i zdjęć wykorzystywanych w budowaniu marki. Zakres prac: - Projekt logo - Strategia wizualna - Architektrua marki - Wizualizacje produktu - Projekt i wdrożenie strony www - Aniamcje - Grafiki wygenerowane przez Midjourney oraz Magnific w celu prezentacji produtku w różnych kotekstach.

#AI jako narzędzie 

North53° to polska marka naturalnych kosmetyków dla mężczyzn. Nasze studio odpowiadało za kompleksowy branding oraz projekt pierwszego opakowania dla marki olejku do brody. Nazwa North53° nawiązuje do szerokości geograficznej miasta Szczecin (53°26′17″N), z którego marka pochodzi. Główne hasło marki to "POSZUKUJ. ODKRYWAJ. ZNAJDŹ". Jest to pierwsze opakowanie kosmetyczne w Polsce, które ma alfabet Braille’a. Trzeba pamiętać, że w odkrywaniu świata, mimo przeszkód, jest również grupa mężczyzn, która jest niewidoma i chce korzystać z kosmetyków do pielęgnacji brody. Wyzwaniem, jakie stało przed studiem, było zaprojektowanie opakowania w taki sposób, aby wpisywało się w strategię marki: REduce, REuse, REcycle. Klientowi bardzo zależało, aby opakowanie papierowe nie było wyrzucane. Obraliśmy kierunek 'zero waste', co oznacza „zero odpadów". Zaprojektowaliśmy opakowanie w taki sposób, aby nadać mu drugie życie. W myśl zasady REuse należy ponownie wykorzystać produkt, który ma się już w posiadaniu. Głównym motywem graficznym opakowania jest mapa topograficzna terenu, która oddaje charakter marki. Opakowanie zostało wyprodukowane na ekologicznym papierze z certyfikatem FSC i dodatkowo uszlachetnione o tłoczenie. Trzy boczne ściany opakowania tworzą jedną grafikę i te właśnie ściany możemy zaadaptować na grafikę, nie wyrzucając opakowania. Możemy wyciąć grafikę i włożyć ją do ramki lub użyć jako zakładka do książki. Jedyne, co nas ogranicza, to nasza własna wyobraźnia, jak wykorzystamy to opakowanie. Elementy opakowania jak cały branding starannie stworzyły atrakcyjną wizualnie i angażującą tożsamość marki, która współgra z jej wartościami i estetyką. KIERUJ SIĘ INSTYNKTEM. WEŹ AZYMUT NA NORTH53. Art Director - Marek Kowalczyk Photography - Łukasz Mazurkiewicz

#Idea 

Książka „Typo-historie. Typografia w architektonicznej przestrzeni miejskiej Łodzi okresu PRL”, dokumentuje zapomniane łódzkie neony z czasów PRL. Jej celem jest także zidentyfikowanie użytych do ich projektów krojów pisma, a także zwrócenie uwagi na problem niszczenia dzieł sztuki użytkowej z tego okresu. Tekstowi towarzyszą archiwalne fotografie, kolaże oraz kompozycje typograficzne, a książka składa się z 22 rozdziałów, z których 17 opisuje konkretne neony. Dzięki zawartych w nich materiałom czytelnik ma możliwość bliższego poznania procesu projektowania neonów, a także może lepiej zrozumieć, jak projektanci dokonywali wyboru odpowiedniego kroju pisma. Książka podkreśla znaczenie tego typu instalacji w krajobrazie miejskim, a także zwraca uwagę na ich niewątpliwą wartość artystyczną. Ważnym procesem tworzenia książki był etap poszukiwań. Jego nadrzędnym celem była identyfikacja krojów pisma użytych do projektów łódzkich neonów. Był to etap trwający najdłużej i wymagający zgromadzenia dużej ilości materiałów archiwalnych oraz kontaktu z wieloma instytucjami oraz podmiotami, a także spędzenia wielu godzin, poszukując odpowiednich krojów w katalogach Letraset i Mecanorma. Równie ważną częścią było także zebranie informacji o opisywanych instalacjach, a także o historii miejsc w jakich się znajdowały. Poszukiwania te widoczne są nie tylko w tekstach, ale przede wszyskim w grafikach i ilustracjach. Treść książki wzbogacona została o materiał fotograficzny, który został zunifikowany za pomocą obróbki cyfrowej, zastosowanej w każdej z fotografii, m.in. rastrowania oraz zamiany kolorów na monochromatyczne (czerwono-czarny lub zółto-czarny). Użyta w pracy kolorystya – żółcienie, czerwienie i czernie nawiązują do barw użytych we fladze Łodzi. Znaczną część książki stanowią także kolaże, równiez żłożone z archiwalnych zdjęć, stworzone dla każdego z przedstawianych miejsc. Pokazują one najczęściej budynek lub wnętrze budynku, na którym znajdował się opisywany w danym rozdziale neon. Każdy z takich rozdziałów zawiera także ilustracje typograficzne, pokazujące wybrany litery kroju, oddające także charakter ilustrowanego miejsca.

#Świeża Krew 

Plakat do francuskiego filmu "Vincent musi umrzeć" ("Vincent Must Die") w reżyserii Stéphana Castanga. Film opowiada historię mężczyzny, który budzi niekontrolowaną agresję u wszystkich osób, które napotka. Vincent doświadcza przemocy fizycznej i ciągłych ataków. To czarna komedia z elementami surrealizmu. Postanowiłem zaprojektować plakat, jakbym sam wpadł w szał na widok głównego bohatera i chciał go zabić. Papierową kartkę z jego wizerunkiem wielokrotnie przebiłem długopisem, którym na końcu zapisałem tytuł filmu. Ten agresywny proces znalazł odzwierciedlenie w charakterze plakatu. Projekt został bardzo pozytywnie przyjęty przez dystrybutora, publiczność, reżysera oraz środowisko projektowe. Stefan Sagmeister udostępnił plakat na swoim profilu na Instagramie.

#Idea 

Książka – Polskie projektantki krojów pism. Nieopowiedziana historia Informację zebrane w publikacji są podparte pracami badawczymi, trwającymi 1,5 roku. Liczne kwerendy w Polsce jak i kontakt z instytucjami zagranicznymi pozwoliły mi na uzupełnienie brakujących wątków lub przyjrzenie się temu co pozostało. Książka prezentuje dorobek i dziedzictwo Polskich projektantek krojów pisma z XX wieku, oprócz prezentacji czysto historycznej staram się reinterpretować na współczesny sposób ich projekty. Aby lepiej zobrazować niektóre kroje pisma zestawiam je z powstałymi współcześnie digitalizacjami. Samodzielnie na potrzeby tej publikacji stworzyłam digitalizację – kroju pisma Eska – Mari Eski oraz Hel – Heleny Nowak. Publikacja jest swojego rodzaju hołdem dla pracy, którą wykonywały te zapomniane pionierki w projektowaniu krojów pism w Polsce.

#Świeża Krew 

To, co czyni Gminę Potęgowo wyjątkową na tle innych gmin w kraju to odnawialne źródła energii. Od wielu lat władze konsekwentnie inwestują w ich rozwój i są otwarte na inicjatywy w tym zakresie. Dzięki temu Potęgowo słynie z największej ilości energii elektrycznej wytwarzanej z OZE w Polsce oraz biogazowni, która daje mieszkańcom najtańsze ciepło w kraju. Decyzja o rozpoczęciu pracy nad marką Gminy dojrzewała długo. Potrzeba było kilku lat, aby upewnić się, że droga, którą obrano jest słuszna, a zgromadzone atuty są niepodważalne w komunikacji. Pierwszym krokiem w procesie tworzenia nowej marki było głębokie zrozumienie wyróżników i wartości Gminy. Pogłębione wywiady, a także warsztaty strategiczne, w których uczestniczyły nie tylko władze, ale również przedstawiciele biznesu, instytucji gminnych i sołectw upewniły nas, że to miejsce z ogromną świadomością potencjału, który chce komunikować. Wszak Potęgowo, to Potęga możliwości. Nowa strategia podkreśla to, co w DNA Potęgowa istniało od wielu lat - to gmina pionierska, innowacyjna i odważna, ale również otwarta, inspirująca i sprzyjająca. Te wyróżniki funkcjonują na wielu poziomach i przejawiają się we wszystkich inicjatywach, a energia, którą mają nie tylko władze, ale również mieszkańcy i inwestorzy jest zaraźliwa. Wypracowana esencja marki pokazuje, że Gmina Potęgowo jest przykładem, jak dzięki odważnym i ekologicznym inwestycjom tworzyć najlepsze miejsce do życia i rozwoju. Siła, potencjał i nowoczesność zostały podkreślone w części wizualnej. Nowa identyfikacja jest bardzo odważna, i wyróżnia się w obszarze komunikacji jednostek samorządowych. Wyrazisty sygnet pokazuje nie tylko moc, ale również rozwój, ogromny progres i dążenia gminy. Mocna jest również kolorystyka, nietypowa, niemal internetowa. Przy komponowaniu palety braliśmy pod uwagę obszar on-line, bo tam skupia się również duża część komunikacji gminnej. Mnogość proponowanych rozwiązań graficznych sprawia, że możliwość rozwoju marki pod kątem wizualnym jest niemal nieograniczona. Dzięki nowej strategii marki i brandingowi, Gmina Potęgowo prezentuje się nie tylko jako lider w dziedzinie odnawialnych źródeł energii, ale także jako nowoczesna jednostka samorządowa, odważna i zorientowana na przyszłość. Ta podkreślona tożsamość ma na celu przyciągnięcie uwagi odbiorców, inwestorów i partnerów, którzy chcą być częścią tego dynamicznie rozwijającego się miejsca. Wszystko jest efektem ogromnej świadomości i pewności decyzji władz gminy, oraz zespołu odpowiedzialnego za powstanie nowego wizerunku. Dzięki zaproponowanym rozwiązaniom i założeniom strategii budowanie tożsamości miejsca jest dla nich naturalne i niewymuszone. #TeamRio: Marta Zarzycka - Graphic Designer Marek Guziński - Creative Director Izabela Bojanowska-Guz - Project Manager Marcin Zgórski - Project Manager Klient: Gmina Potęgowo Wójt Dawid Litwin

#Instytucje 

Publikacja „Pozwól mi odnaleźć mój dom: Pustka” powstała na podstawie pracy teoretycznej, napisanej pod opieką dr hab. Luizy Nader, w której zastanawiam się nad pojęciami: dom, ojczyzna, wolność, nomadyzm i pustka. Praca jest efektem podróży w głąb moich wspomnień, w poszukiwaniu spokoju w pustce przestrzennej poprzez konfrontacje z pustką katastroficzną. Przy pomocy własnego archiwum fotograficznego, które zbierałam na terenie Białorusi i Finlandii przez ostatnie kilka lat, opowiadam moją historię utracenia domu i odnalezienia spokoju w pustce. Konstrukcja publikacji pozwala na tworzenie nowych znaczeń, w zależności od tego, w jaki sposób będą przewijane strony Pustki. Tworzą się nowe znaczenia także przy odczytywaniu leporello, które jest złożone językiem nomadycznym, który stworzyłam na podstawie tekstów mojej pracy teoretycznej. Pojęcie pustki jest wieloznaczne i jest moim wizualnym narzędziem do mówienia na tematy, o których boję się mówić na głos. Częścią dyplomu są dwa kroje pisma Rebel i Michail, zaprojektowane na potrzeby publikacji. Praca magisterska została zrealizowana na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w Pracowni Litografii i Publikacji unikatowych prof. Błażeja Ostoja Lniskiego.

#Świeża Krew 

"PROGRES/REGRES" to zine idący naprzeciw ogólnym trendom i zaprzeczający zautomatyzowaniu świata. Mini wydawnictwo zostało prawie w pełni stworzone w technikach manualnych. Motywacją do stworzenia zina stały się rozważania nad antropocenem, a także nad tym czy można go uznać za progres czy regres dla świata, ludzi i natury. Z jednej strony w epoce człowieka można zaobserwować niespotykany rozwój, polepszenie warunków życia, a także pęd w kierunku zmian mających ułatwić społeczeństwu funkcjonowanie. Natomiast z drugiej strony, antropocen to czas nieodwracalnych zmian klimatycznych, wyniszczenia środowiska przez człowieka oraz wyobcowania jednostek w cyfrowym świecie. "PROGRES/REGRES" pozostawia odbiorcy pole do szerszej interpretacji i otwiera dyskusję o skutkach antropocenu – tych zauważalnych obecnie, a także tych, które dopiero nadejdą. Ilustracje zawarte w zinie, niekiedy w abstrakcyjny sposób odnoszą się do zmian zachodzących w epoce antropocenu. Finalnie, zine ma oddziaływać na odbiorców, zwracając ich uwagę zwłaszcza na niszczący wpływ człowieka na środowisko, zanieczyszczenie wód, oceanów, gleby, a także potworne zmiany zachodzące w świecie roślin i zwierząt. Bardzo ważny w samym projekcie był sam proces tworzenia, podczas którego nieustannie towarzyszyły mi hasła "progres" oraz "regres". Samo dążenie do efektu końcowego wymaga czasami zrobienia kilku kroków w tył. Może odnosi się to też do zmian cywilizacyjnych i postępu społeczeństwa? Powstanie zina odbywało się kilkuetapowo. Pierwszym krokiem było przygotowanie wklęsłodrukowych matryc wykonanych z recyklingowych opakowań po mleku typu Tetra Pak. Wycinanie nożykiem, żłobienie śrubą czy wydzieranie fragmentów aluminiowej strony opakowań to odejście od aktualnych trendów tworzenia digitalowych ilustracji. Tak przygotowane matryce zostały odbite na różnych rodzajach podłoża za pomocą prasy drukarskiej i farby graficznej. Następnie odbitki zostały zeskanowane, a wzór przeniesiony na sito do sitodruku. Druk sitodrukiem doprowadził do powstania nakładu 25 unikalnych sztuk zina w formacie A5. Projekt "PROGRES/REGRES " powstał w oparciu o ludzki błąd i przypadek, które są też nieodłącznym elementem epoki człowieka. Każdy egzemplarz zina jest wyjątkowy i żadna rozkładówka nie wygląda identycznie. Na unikalność zina wpłynęło użycie tradycyjnych technik graficznych, a także nierównomierne nakładanie różnych kolorów farby na sito. Co więcej, zine został wydrukowany na trzech rodzajach papieru, aby podkreślić różnorodność świata, tak silnie zauważalną w antropocenie.

#Idea 

Hanka jest krojem pisma opartym na siatce, który został zaprojektowany dla Muzeum Tatrzańskiego. Inspiracją do jego powstania było drewno, ślady narzędzia i rytmy wzorów pochodzących z podhalańskiej kultury góralskiej. W celu prezentacji projektu powstały elementy identyfikacji wizualnej Muzeum Tatrzańskiego (logotyp, kolorystyka, typografia, przykładowe plakaty) wykorzystujące krój pisma.

#Świeża Krew 

Realizacji projektu przyświecała potrzeba dbałości o wysoki standard i jakość na poziomie produktu oraz rozwiązań graficznych. Poprawa organizacji treści i skuteczności działania, przy jednoczesnym poszanowaniu przyzwyczajeń użytkowników a także spójne i charakterystyczne oznakowanie obszaru metropolii w kontekście transportu. Obszar GZM pod względem transportu miejskiego tworzy rozbudowaną sieć obejmująca 41 gmin. Wyzwanie stanowiła zmienność i zróżnicowanie np: przystanki obsługują od 1 do aż 35 linii, każdą linię cechuje różna częstotliwość kursów oraz ilość przystanków. Kluczem do znalezienia spójnego systemu informacji stał się klucz wizualny oparty na zdecydowanej kolorystyce, jasnej hierarchii informacji, modułowości i zauważalności, dobrych kontrastach czytelności. Powstałe elementy systemu zostały przebadane pod kątem czytelności w różnych warunkach odczytu i z perspektywy zróżnicowanej grupy użytkowników, w tym ze specjalnymi potrzebami. Projekt powstał w oparciu o wytyczne powarsztatowe w grupie osób z niepełnosprawnościami i zaopiniowany przez rzeczniczkę ds osób z niepełnosprawnościami. Modele i prototypy były konsultowane w obsługującymi i serwisantami w celu optymalizacji rozwiązania. – Rozkłady jazdy. Analizy i badania czytelności pozwoliły na określenie wytycznych projektowych: układów, wielkości typograficznych, stosowanych kontrastów i wysokości zamieszania informacji. Ze względu na skalę wdrożenia i częstotliwość wprowadzania zmian, zastosowano optymalne formaty i wielkości, standardowe i powszechnie dostępne arkusze drukarskie, dostępne materiały oraz technologie wykonania. Rozkłady jazdy zostały zaprojektowany przy wyżej wspomnianych wytycznych i jednocześnie dostosowane do używanego przez zleceniodawcę programu BUSMAN. – Słupki przystankowe. Funkcje zostały ściśle związane z potrzebami informacyjnymi, dodatkowo podlegały wytycznymi Ustawy o transporcie, Prawo o ruchu drogowym. W związku z dużą zmiennością informacji i jej ilości, forma nośnika musiała być modułowa i umożliwiająca łatwą i szybką do wymianę. – Oznakowanie wiat przystankowych. Zapewniają kluczowe informacje dla użytkowników przy jednoczesnym uwzględnieniu specyfiki nazewnictwa stosowanego w gminach a także możliwości montażu na różnych typach wiat, szybką i tanią wymianę informacji. Na wytyczne projektowe miały wpływ również różne formy własności i organizacja pracy stosowane w gminach.Jednym z kluczowych wyzwań projektowych było zaprojektowanie systemu we współpracy z instytucją, w której wielokrotnie zmieniała się kadra podejmująca decyzje oraz wytyczne dotyczące zakresu opracowania. Jednym z kluczowych wyzwań projektowych było zaprojektowanie systemu we współpracy z instytucją, w której wielokrotnie zmieniała się kadra podejmująca decyzje oraz wytyczne dotyczące zakresu opracowania. Dodatkowym wyzwaniem było stworzenie systemu możliwego do wdrożenia i realizacji przez zamawiającego w ramach istniejącej infrastruktury, z wykorzystaniem zatrudnionych pracowników oraz dostępnego parku maszynowego instytucji, a także zlecenie wykonania projektu w trybie przetargu, co wiązało się ze współpracą z różnymi wykonawcami, zmieniającymi się w trakcie trwania wdrożenia i codziennej obsługi infrastruktury przystankowej. Szczególną trudność stanowiło spełnienie kluczowej wytycznej dotyczącej niskich kosztów wykonania. Nie ukrywamy, że był to projekt wymagający wielu kompromisów, ale jako projektanci musimy stawiać czoła wyzwaniom związanym z opracowywaniem rozwiązań, które poprawiają jakość wizualną przestrzeni publicznej, integrują i scalają całość w rozległej przestrzeni metropolii, umożliwiają łatwą wymianę i eksplorację, a także charakteryzują się ponadczasowością.

#Instytucje 

Converse Zin Proud to be_ 2024 to drugie wydanie wyjątkowej publikacji wykorzystującej zasięgową platformę marki, by oddać głos osobom, które często z różnych przyczyn nie przebijają się z własnym przekazem w publicznym dyskursie. Zin został stworzony z okazji Miesiąca Dumy i czerwcowego świętowania równości, a jego premiera w princie miała miejsce na gali inaugurującej Warsaw Queer Week 2024. W tym wydaniu chcieliśmy i chciałyśmy, by ta prozaiczna, a jednak tak cenna duma z bycia - po prostu - wybrzmiewała swoją podstawową formą, bo nie potrzebuje dodatkowych definicji i ozdobników. Aby ta publikacja emanowała pozytywną energią, ale także niezwykłą autentycznością i zapamiętywalną formą oraz by dotrzeć z inspirującym przekazem do tych, którzy_re potrzebują go usłyszeć, do współpracy zostały zaproszone Osoby ze społeczności LGBTQIAP+, które użyczyły nam swojego głosu, historii czy artystycznego wyrazu,. Oprócz osób autorskich i ilustrujących ze społeczności Queer, nieodłączną częścią tej inicjatywy byli_ły też All Stars - wspierana przez markę Converse społeczność młodych twórców i twórczyń z wielu dziedzin sztuki. Było to dla nas bardzo ważne, by w ramach tego projektu dać im możliwość skorzystania z pomocy Osób Mentorskch. Zwróciliśmy się zatem do Stowarzyszenia Lambda, która w osobie Miłosza Przepiórkowskiego i Pawła Mamzera objęła patronat merytoryczny nad zinem. Pod okiem Mentorów All Stars poszerzyli swoją wiedzę związaną z inkluzywnością oraz stworzyli manifest, który stał się dla nich inspiracją do ich późniejszych treści do zina. Ważnym elementem tworzenia Zina Proud to be_ 2024 było dla nas nadanie mu wyjątkowej wartości artystycznej także w wyrazie empirycznym. Uważamy, że tematy ważne dla osób ze społeczności LGBTQIAP+, ich historie, wyznania i twórczość artystyczna zasługują na najwyższą jakość kreatywności w formie ekskluzywnego printu. Nietuzinkowa sztuka może i powinna być nośnikiem istotnych społecznie idei. Sięgnęliśmy_łyśmy do złotej ery zinów, czerpiąc inspirację z wczesnej atmosfery techno Berlina lat 80. To także czas, kiedy publikacje przybrały najbardziej osobisty wymiar, co można odczuć nawet w formie i doborze tematów poruszanych na ich stronach. Przyciemnione kolory, stonowany, nieco bardziej surowy charakter oddały scenę idei, która nie potrzebuje sztucznego aplauzu, ale autentycznego uznania i zrozumienia. W tym podejściu duma nie wiąże się z narzucaniem i tworzeniem sztucznego szumu. Naszym celem było, aby tegoroczny Converse Zin wyszedł poza schemat tego, co z założenia nie powinno mieć ograniczeń. Chcieliśmy i chciałyśmy przekroczyć granice pozornej inkluzywności. Obrany kierunek to konsekwentny ruch w stronę autentyczności, która jest dla nas największą wartością. Klient: Converse Polska Agencja: na_ty

#Impakt 

Publikacja koncentruje się na problemach emocjonalnych opiekunów osób z chorobami otępiennymi i przechodzeniu procesu żałoby po stratach w relacji z podopiecznym. Powstała w reakcji na niską świadomość społeczną, brak wsparcia instytucjonalnego i konieczność radzenia sobie z nakładającymi się kosztami emocjonalnego obciążenia opieką nad osobami z demencją. Projekt ma być narzędziem wsparcia, zbierającym w przystępnej formie wiedzę o emocjach i stratach w żałobie, aby poprawić jakość życia opiekuna i chorego. Odpowiada on na deficyt treści otwarcie i w krótkiej formie mówiących o odczuciach i doświadczeniu opiekunów, jawnie nazywających i tłumaczących proces żałoby antycypacyjnej. Książka jest skierowana do opiekunów nieformalnych (takich jak członkowie rodziny lub inni bliscy), którzy bez specjalistycznego wykształcenia związanego z opieką, podejmują się jej świadczenia. Kumulacja trudności w sferze psychicznej, fizycznej, ekonomicznej oraz społecznej zaburza ich funkcjonowanie i zdrowie psychiczne, co ma istotny wpływ na jakość sprawowanej opieki, a tym samym jakość życia osoby z demencją. Zarówno treść jak i forma wspierają trudności poznawcze docelowego odbiorcy. Merytoryczna wiedza z literatury naukowej jest porcjowana i przełożona na prosty i język, i łączy się z opisem indywidualnych doświadczeń oraz przestrzenią na refleksję. Projekt to próba otwarcia na dialog społeczny – budowania rzeczywistego, wychodzącego od źródła obrazu stanu i potrzeb, systemu wsparcia zaczynającego się w najbliższym środowisku. Ma przyczynić się do ograniczenia stygmatyzacji w obszarze chorób otępiennych, szerząc istotną perspektywę opiekunów i indywidualne procesy żałoby. Licencjacki projekt dyplomowy powstał na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach pod przewodnictwem prof. dr hab. Tomasza Bierkowskiego i dr Natalii Pietruszewskiej-Golby. Za konsultacje merytoryczne opracowanej przeze mnie treści książki odpowiada dr Magdalena Leszko – psycholog i gerontolog.

#Świeża Krew 

Zgłoszeniem jest publikacja herstoryczna i queerstoryczna, podsumowująca projekt i wystawę "Krzycz, Siostro, krzycz!". W niej kontynuujemy wątki łączące dzieje XX wieku ze współczesnością. Historie naszych bohaterek dają wgląd w traumatyczne losy kobiet w czasach narodowego socjalizmu. Dyskryminowano i prześladowano je ze względu na żydowskie pochodzenie, bezrobocie, pracę seksualną, chorobę dziedziczną, zaangażowanie polityczne czy orientację seksualną. Odarto je z godności i człowieczeństwa, a niektórym odebrano również prawo do życia. Przeważnie nie mogły opowiedzieć własnej historii, dlatego tak ważne było dla nas, aby na stronach tej książki oddać im głos. Jako projektant starałem się nie ulec pokusie epatowania traumą związaną z Zagładą. Chciałem zniuansować przekaz. Ideą stojącą za projektem było stworzenie kontrastu, zestawienie przeciwieństw. Chciałem też nawiązać do istniejących w nas skojarzeń i doświadczeń związanych z przeszłością. Wywołać nostalgię. W to doświadczenie chciałem ingerować wprowadzając dysonans. Więc z jednej strony projektowałem publikację mającą przywoływać wyszukane formy przywołujące błogie wspomnienie tradycji, elegancji, porządku. Tekst zbudowany jest z eleganckiej antykwy renesansowej zapewniającej wygodę czytania. Tym też podyktowany jest dwułamowy układ tekstu ciągłego. Centralny układ stron wzmacniany jest trójłamowym składem bogatych przypisów dolnych. Uwagę czytelnika mają przyciągać złożone centralnie wyimki. Żywa pagina staję się jakby niedbałym, odręcznym dopiskiem na łączeniu stron. Zastanawiałem się nad znanym nam błogim doświadczaniem przewracania stron starych ksiąg. Dotyku ich pożółkłych marginesów na drzewnym papierze. Dzięki dodatkowemu kolorowi PANTONE udało mi się wywołać adekwatne wrażenie. Zestawienie białego kredowego papieru z reprodukcjami (też lekko pożółkłego) z naturalnym, drzewnym miało podobny cel – przywołania w pamięci obcowania ze starymi wydawnictwami. Mając już uchwycone to doświadczenie wprowadziłem dysonans w postaci ilustracji gdzie motywy towarzyszące wystawie wydają się być zniszczone przez czas, przez złej jakości techniki reprodukcyjne, ale też przez czyjeś intencjonalne destrukcyjne działanie. Efekt ten udało uzyskać eksperymentalną metodą druku na papierze termicznym, który następnie był odpowiednio zgniatany i szarpany. Publikacja zawiera 29 ilustracji stworzonych w ten sposób. Bezpośrednią inspiracją tych ilustracji była reprodukcja zdjęcia na kartach z Jad Waszem przedstawiającego zamordowaną przez faszystów Lilkę Dzierzgowską, ciotkę jednej z autorek tekstów. Ostatnia strona okładki przedstawia niewyraźny portret kobiety z naniesionym na nim śladzie kreślenia i wymazywania. Jako wyraz szacunku dla poruszanych w publikacji tematów powtórzyłem własnoręcznie ten gest za pomocą odpowiednio stępionego narzędzia. Zrobiłem to na tysiącu egzemplarzach książki. Książka została stworzona dzięki środkom Fundacji Pamięć, Odpowiedzialność i Przyszłość (Stiftung Erinnerung, Verantwortung und Zukunft). Fundacja zarządza środkami przekazanymi przez przedsiębiorstwa, które w czasie drugiej wojny światowej wykorzystywały pracę niewolniczą Polaków. nakład: 1000 egzemplarzy, wyprodukowano na papierach: Mirror silver gloss 300 g/m2, Munken Print Cream 18 80 g/m2, papier kredowy 115 g/m2 złożono pismami: Calluna, Calluna Sans, Adobe Garamond Pro. Wydawca: Centrum Sztuki Współczesnej Kronika Druk: Centrum Usług Drukarskich Henryk Miller, Ruda Śląska redakcja: Paweł Wątroba tekst: Agata Cukierska, Julian Czurko, Anna Natalia Dzierzgowska, Joanna Ostrowska, Zuzanna Sokołowska, Paweł Wątroba Zdjęcia: Iwona Sobczyk Projekt graficzny, skład, łamanie, ilustracje, zdjęcia: Marcin Wysocki

#Idea 

Jesienią 2023 roku Królewska Galeria Rzeźby w Starej Pomarańczarni Łazienek Królewskich gościła wystawę rzeźb Marii Papy Rostkowskiej, jednej z najciekawszych polskich rzeźbiarek XX wieku. Zostaliśmy zaproszeni do zaprojektowania towarzyszącego wystawie katalogu. Kuratorzy wystawy postawili sobie za cel wydobycie kolekcji rzeźb marmurowych z kontekstów historycznych i stylistycznych, pozwalając na wysunięcie na pierwszy plan warsztatu rzeźbiarskiego, wykończenia materiału i relacji formy artystycznej z przestrzenią. Sztuka Marii Papy Rostkowskiej była dla niej sposobem na znalezienie ukojenia w dramatycznych doświadczeniach życiowych, rodzajem poszukiwania szczęścia. Największą miłością artystki był biały marmur. W związku z tym zaproponowaliśmy elegancki format katalogu, z nowoczesnym układem pełnym kontrastów. Publikacja na zewnętrznym pudełku prezentuje jedną z rzeźb artystki wytłoczoną z użyciem matrycy 3d, która na czystym, niezadrukowanym papierze daje możliwość doświadczenia przestrzeni, co w przypadku rzeźby jest niezwykle istotne. Dopiero po wyjęciu z pudełka/wsuwki naszym oczom ukazują się ultramarynowe litery, które towarzyszą nam później przez całą książkę. Opracowując układ, skupiliśmy się na zabawie skalą w typografii, naprzemiennych formach justowania tekstu, a także na użyciu lekkiego i mocnego kontrastu kolorów. W sekcji katalogu wystawy wykorzystaliśmy rozkładówki alonże, aby stworzyć dużo miejsca na prezentację zdjęć wystawowych. Aby przełamać porządek narzucony przez czcionkę Suisse Int'l, zastosowaliśmy charakterystyczny font Salo Mateusza Machalskiego, aby poprowadzić czytelników przez kluczowe cytaty. Publikacja została nagrodzona za kunszt edytorski w konkursie Muzealna Książka Roku 2023 oraz otrzymała wyróżnienie w kategorii „Sztuka i fotografia” w 64. edycji konkursu Najpiękniejsze Polskie Książki 2023.

#Instytucje 

Projekt jest zgłaszany przez zespół projektowy: Tomasz Pilch (Blürbstudio), Aleksander Znosko (Aleksander Znosko Studio), Błażej Bauer. Krótki opis pracy Publikacja towarzysząca kandydaturze Miasta Rzeszowa w konkursie o tytuł Europejskiej Stolicy Kultury 2029. Punkt wyjścia i wyzwanie projektowe Zaprezentowanie kandydatury w stosownej formie: poprzez projekt adekwatny do idei stojących za proponowanym konceptem. Szczególne wyzwanie dotyczyło odgórnie określonego formatu i ściśle ograniczonej liczby stron — w zestawieniu z ogromną ilością treści do pomieszczenia w ramach książki. Istotnym rozpoznaniem w punkcie wyjścia był też trend wykazywany przez większość krajowych kandydatur w poprzednich latach: dominująca estetyka turystyczna, pstrokata, na niskim poziomie powagi. Koncepcja W odpowiedzi na centralny koncept propozycji Miasta Rzeszowa — „Moving Map”, Rzeszów stający się geograficznym centrum Europy wraz z powiększeniem tejże o Ukrainę, kultura jako ważna europejska tarcza w dobie rosyjskiej agresji — postawiliśmy na stylistykę aktualnie właściwą szanującym się instytucjom (zarówno tym bardziej tradycjonalistycznym, jak i wyraźnie awangardowym) w Zachodniej Europie: elegancję i powagę zdeterminowane przez wpływy szwarjcarskie w projektowaniu. Do nowoczesnej typografii dołączyły w założeniach precyzyjny skład tekstu, znaczący dobór koloru i akcent wykończenia okładki — mające subtelnie podkreślić przekaz, bez estetycznego przeładowania. Egzekucja Perfekcyjny skład publikacji podkreślił powagę podnoszonej sprawy. Miejscowo zdynamizowane layouty nawiązały do kontekstu kulturowych przeobrażeń. Zieleń, będąca kolorem życia, wyartykułowała zbawienną rolę kultury — ale też zarejestrowała funkcję kultury jako narzędzia walki, będąc kolorem wykorzystywanym w kamuflażu; kamuflażowy był również efekt przetworzenia fotografii w całej publikacji. Zastosowany do kalendariów i schematycznych planów kolor srebrny zakodował przyszłość, jej pożądaną wizję. Tłoczenie na okładce powieliło powtórzoną w tytule literę M do postaci skierowanego naprzód śladu bieżnika: drogi, jaką należy podążąć w myśl postępu. Rezultat Rzeszów zaprezentował się na europejskim konkursie jako odosobniony przypadek, w którym kultura nie została sprowadzona do rangi souveniru. Miasto zakomunikowało nie tylko doniosłą wagę kultury w epoce politycznego tumultu, ale i swoją rozwojową otwartość na rozwiązania nowoczesne. Tym samym okoliczności administracyjno-urzędowe, jakie ustanawia postępowanie konkursowe, okazały się skuteczną sposobnością do promocji najlepszych standardów projektowania graficznego. Projekt Aleksander Znosko — koncept, typografia, projekt Tomek Pilch — koncept, typografia, projekt Błażej Bauer — redakcja, skład i łamanie Michał Pac — opracowanie ilustracji Estrada Rzeszowska — zamawiający

#Forma 

Projekt jest zgłaszany przez zespół projektowy: Tomasz Pilch (Blürbstudio), Aleksander Znosko (Aleksander Znosko Studio), Błażej Bauer. Krótki opis pracy Publikacja towarzysząca kandydaturze Miasta Rzeszowa w konkursie o tytuł Europejskiej Stolicy Kultury 2029. Punkt wyjścia i wyzwanie projektowe Zaprezentowanie kandydatury w stosownej formie: poprzez projekt adekwatny do idei stojących za proponowanym konceptem. Szczególne wyzwanie dotyczyło odgórnie określonego formatu i ściśle ograniczonej liczby stron — w zestawieniu z ogromną ilością treści do pomieszczenia w ramach książki. Istotnym rozpoznaniem w punkcie wyjścia był też trend wykazywany przez większość krajowych kandydatur w poprzednich latach: dominująca estetyka turystyczna, pstrokata, na niskim poziomie powagi. Koncepcja W odpowiedzi na centralny koncept propozycji Miasta Rzeszowa — „Moving Map”, Rzeszów stający się geograficznym centrum Europy wraz z powiększeniem tejże o Ukrainę, kultura jako ważna europejska tarcza w dobie rosyjskiej agresji — postawiliśmy na stylistykę aktualnie właściwą szanującym się instytucjom (zarówno tym bardziej tradycjonalistycznym, jak i wyraźnie awangardowym) w Zachodniej Europie: elegancję i powagę zdeterminowane przez wpływy szwarjcarskie w projektowaniu. Do nowoczesnej typografii dołączyły w założeniach precyzyjny skład tekstu, znaczący dobór koloru i akcent wykończenia okładki — mające subtelnie podkreślić przekaz, bez estetycznego przeładowania. Egzekucja Perfekcyjny skład publikacji podkreślił powagę podnoszonej sprawy. Miejscowo zdynamizowane layouty nawiązały do kontekstu kulturowych przeobrażeń. Zieleń, będąca kolorem życia, wyartykułowała zbawienną rolę kultury — ale też zarejestrowała funkcję kultury jako narzędzia walki, będąc kolorem wykorzystywanym w kamuflażu; kamuflażowy był również efekt przetworzenia fotografii w całej publikacji. Zastosowany do kalendariów i schematycznych planów kolor srebrny zakodował przyszłość, jej pożądaną wizję. Tłoczenie na okładce powieliło powtórzoną w tytule literę M do postaci skierowanego naprzód śladu bieżnika: drogi, jaką należy podążąć w myśl postępu. Rezultat Rzeszów zaprezentował się na europejskim konkursie jako odosobniony przypadek, w którym kultura nie została sprowadzona do rangi souveniru. Miasto zakomunikowało nie tylko doniosłą wagę kultury w epoce politycznego tumultu, ale i swoją rozwojową otwartość na rozwiązania nowoczesne. Tym samym okoliczności administracyjno-urzędowe, jakie ustanawia postępowanie konkursowe, okazały się skuteczną sposobnością do promocji najlepszych standardów projektowania graficznego. Projekt Aleksander Znosko — koncept, typografia, projekt Tomek Pilch — koncept, typografia, projekt Błażej Bauer — redakcja, skład i łamanie Michał Pac — opracowanie ilustracji Estrada Rzeszowska — zamawiający

#Instytucje 

Biograficzna publikacja Zorki Wollny, zaprojektowana przez studio nowiki, stanowi unikalny przykład połączenia formy graficznej z narracją biograficzną. Publikacja jest koncepcyjnie zorganizowana jako graficzna partytura, która nie tylko dokumentuje życie i twórczość artystki, ale także angażuje wizualnie poprzez dynamiczne kompozycje graficzne. W projekcie tym grafika jest integralną częścią narracji, świadomie interferując z tekstem i fotografiami. Taka interakcja tworzy rytmiczny układ, który prowadzi czytelnika przez kolejne etapy życia i pracy artystki. Poszczególne elementy graficzne zostały zaprojektowane tak, aby współgrały z treścią, dynamizując rytm całej publikacji i podkreślając jej złożoność. Projekt ten nie ogranicza się do tradycyjnej formy książki biograficznej, lecz proponuje nowatorskie podejście, gdzie wizualne kompozycje stają się narratorem na równi z tekstem. Dzięki temu publikacja zyskuje na wielowymiarowości, oferując czytelnikowi nie tylko informację, ale i doświadczenie wizualne, które oddaje charakter i intensywność twórczości Zorki Wollny. - publikację mogę dostarczyć do wglądu

#Forma 

Idea Marka iTaxi dąży do tego, aby stać się najbezpieczniejszą, najbardziej inkluzywną i zrównoważoną platformą transportową w Polsce. Silna motywacja i odważne działania klienta zainspirowały nas do gruntownej przebudowy identyfikacji wizualnej i odświeżenia nieaktualnej strategii komunikacji marki. Przeprojektowaliśmy rdzeń komunikacji marki transformując narrację inspirowaną technologią “smart” w humanistyczny, skupiony wokół użytkownika storytelling: ja + usługa = iTaxi Logo Aby wyróżnić markę spośród konkurencyjnych przewoźników, postawiliśmy na silny sygnet, podkreślający technologiczne ambicje i rozwojowe pomysły klienta. Konstrukcja sygnetu oparta jest o formę dopełnienia, jaką jest postawienie kropki nad i, a jej geometria zawiera w sobie nawiązanie do narracji ja + usługa. Zaproponowany przez nas logotyp dopowiada genezę sygnetu, która szczególnie w wersji animowanej czytelnie ilustruje podróż z punktu A do punktu B, tłumacząc jednocześnie ideę zależności między użytkownikiem, a usługą. Kolorystyka Budując paletę kolorystyczną marki zależało nam na zaproponowaniu świeżych, pełnych energii barw, które jednocześnie odwoływać się będą do tradycji taksówkarskiej i nie powielą rozwiązań charakterystycznych dla konkurencji. Postawiliśmy na zachowanie historycznej tożsamości marki przy jednoczesnym wzmocnieniu jej cyfrowego core’u i dobudowaniu palety odcieni dopełniających o jasno określonych funkcjach.przyporządkowane odpowiednim funkcjom i tematom komunikacji. Typografia i layouty Nowa typografia marki w połączeniu z czystością jej nowych layoutów sprawia, że marka jest bardziej nowoczesna, przejrzysta w odbiorze i w widoczny sposób kładzie akcent na komunikację z klientem. Modułowość i prostota gridów stosowanych w języku iTaxi gwarantuje łatwość w przygotowaniu assetów po stronie zespołu klienta. Brak ozdobników i zbędnego chaosu wizualnego komunikuje nowe założenia strategiczne marki, w których najwazniejsza jest szczerość, przejrzystość i bezpieczeństwo użytkownika. Flota pojazdów Jednym z największych wyzwań jakie postawiło przed nami projektowanie nowego brandingu iTaxi było stworzenie nowych wzorów oklein dla całej floty pojazdów, jaką dysponuje klient. Wraz z zakupem nowych samochodów elektrycznych pojawiła się potrzeba zbudowania systemu, który budowałby nową tożsamość marki a przy tym w czytelny z poziomu ulicy sposób wyróżniałby i podkreślał funkcje poszczególnych pojazdów floty. Komunikacja Wraz z nową strategią komunikacji marki i nowym zestawem wartości, którymi kieruje się iTaxi, pojawiła się potrzeba stworzenia i określenia ram dla spójnego tone of voice brandu. Przygotowaliśmy podstawowy słownik marki wraz z koncepcją języka komunikacji, który na podstawie wyznaczonego przez nas kierunku klient rozwinął wraz ze swoim działem komunikacji i partnerami specjalizującymi się w copywritingu.

#Forma 

Czwarty, wydany w tym roku tom interdyscyplinarnej serii „Biblioteka Res Facta Nova” Polskiego Wydawnictwa Muzycznego to bestsellerowa książka brytyjskiego filozofa Rogera Scrutona, kompozytora i pisarza poświęcona rozważaniom nt. muzyki z perspektywy filozofii analitycznej. Jest to dzieło muzykologiczne wagi ciężkiej, ale dzięki niesłychanej błyskotliwości i szerokim horyzontom intelektualnym autora czyta się je niemal z wypiekami na twarzy. Podobnie jak wcześniejsze tomy w serii książka zyskała twardą szytą oprawę płócienną z obwolutą. Ponadsześćsetstronicowe dzieło z setkami przykładów nutowych (złożonych od nowa, w ujęciu typograficznym kompatybilnym z projektem układu typograficznego książki) wydrukowane zostało na papierze Munken Polar, oprawione w fioletowe płótno Brillianta i ujęte w obwolutę na ww. Munkenie w wyższej gramaturze. Jednokolorowy druk w środku, obwoluta wydrukowana dwoma kolorami (czarny i pantone kompatybilny z kolorem płótna), dodatkowo czarna kapitałka, tasiemka i wyklejka barwiona w masie oraz nici w kolorze płótna. Okładka książki jest niezadrukowana – jedyne elementy projektowe to wytłoczone na ślepo logo serii na froncie i grzbiecie, logo wydawcy na froncie i grzbiecie oraz nazwisko autora i tytuł na grzbiecie. Ze względu na dość duże różnice w stopniu detaliczności ww. elementów wykrojnik tłoka został podzielony na części, żeby wycyzelować ostateczny efekt i czytelność tłoczenia. Projekt typograficzny oparty na trzech rodzinach pism: Lyon Text (w dwóch odmianach czytelnościowych – do tekstu i nut), identyfikacyjnym/okładkowym Feixen Edgy i Sans oraz uzupełniającym nagłówkowym Objektivem. Krój zmienny Feixen Edgy wykorzystany został w projekcie grzbietu publikacji, na którym umieszczony jest akronim nazwy serii. Jego szerokość jest proporcjonalna do szerokości grzbietu, co sprawia, że w każdej książce wygląda nieco inaczej (efekt można docenić w kilku tomach ustawionych obok siebie) Seria BRFN nawiązuje bezpośrednio – zarówno merytorycznie, jak i projektowo – do serii „Biblioteka Res Facta” wydawanej przez PWM w latach 1969–1988. Autorem oprawy graficznej serii BRF był Janusz Bruchnalski i mój projekt jest swego rodzaju revivalem (z zachowaniem podstawowych wyznaczników projektowych) i hołdem złożonym wybitnemu poprzednikowi. Forma jest zupełnie odmienna (od formatu przez dobór gestów projektowych, oprawę po typografię), ale, jak wierzę, wierna duchowi serii BRF. Seria operuje zamkniętym katalogiem 8 kolorów (pantone / nici / płótno), które po zamknięciu cyklu będą powtarzane w kolejnych publikacjach. Seria do wieloletniego kolekcjonowania i o randze i wpływie liczonych raczej w perspektywie dekad niż lat. Takie publikacje mają szansę się ukazywać niemal wyłącznie w instytucjach publicznych – ze względu na koszty, przede wszystkim tłumaczenia, opracowania merytorycznego, ale też projektowego/składowego i koszty produkcyjne komercyjne wydawnictwa nie byłyby sobie w stanie pozwolić na takie przedsięwzięcia. Książka trafi do grona specjalistx, a także kręgów akademickich i pasjonatx i będzie studiowana w kolejnych dekadach, wpływając na poziom refleksji teoretycznej i praktycznej nt. muzyki, nie tylko klasycznej (Scruton pozwala sobie również np. na analizy piosenek Nirvany czy R.E.M.) Druk i oprawę z ogromną pieczołowitością wykonała drukarnia Akapit.

#Instytucje 

Zin, czy raczej książeczka, stanowi nostalgiczną podróż do czasów szkolnych i beztroskich lat dzieciństwa. Zamknięte w niej elementy szkolnego życia odzwierciedlają wspomnienia, które nosi w sobie każdy z nas. Niezobowiązująca forma przywodzi na myśl zeszyty szkolne, pełne naszych notatek i rysunków, a dominująca czerwień nawiązuje do koloru nauczycielskiego długopisu, symbolu ocen i komentarzy, które niegdyś kształtowały naszą młodzieńczą rzeczywistość.

#Forma 

Santa Grafika to cykl spotkań projektantów i twórców z branży kreatywnej, który wyrósł z potrzeby tworzenia otwartej przestrzeni do wymiany doświadczeń, rozmów o bieżących problemach branży i budowania społeczności. Inicjatywa rozpoczęta przez Weronikę Harzyńską z potrzeby przeciwdziałania zamknięciu się branży w „własnych jamach” szybko przerodziła się w dynamiczną platformę, na której projektanci spotykają się regularnie – czasem nawet dwa razy w miesiącu. Santa Grafika wyróżnia się na tle innych wydarzeń swoją nieformalną atmosferą, otwartością i inkluzyjnością. Spotkania mają charakter swobodnych prelekcji połączonych z panelami dyskusyjnymi, które skupiają się na realnych problemach współczesnego projektowania – od wyzwań związanych z technologią AI, przez work-life balance, po kwestie związane z równouprawnieniem w branży. Co istotne, publiczność ma aktywny udział w dyskusji, co czyni każde spotkanie wyjątkowym i mocno reagującym na bieżące potrzeby i problemy środowiska projektowego. Charakter i wpływ projektu: Santa Grafika aktywnie wchodzi w interakcje ze społecznością projektantów, wciągając ich do rozmowy na tematy często pomijane na dużych konferencjach. Projekt reaguje na rzeczywistość, podkreślając wagę relacji międzyludzkich i zdrowia psychicznego w branży, która często zmaga się z presją i wyścigiem o zlecenia. Santa Grafika wychodzi poza utarte schematy, stawiając na autentyczność i otwartość, co czyni ją wyjątkową przestrzenią w polskiej branży kreatywnej. To miejsce, gdzie młodzi projektanci mogą stawiać pierwsze kroki na scenie, a doświadczeni twórcy dzielić się swoimi przemyśleniami, problemami i wypracowanymi rozwiązaniami. Unikalność projektu: Santa Grafika nie boi się poruszać trudnych tematów – od niepewności związanej z AI po wyzwania związane z równouprawnieniem w branży. To projekt, który nie stoi z boku, lecz wtrąca się i zmienia rzeczywistość – integruje różnorodne grupy, inicjuje wartościowe rozmowy i buduje mosty między osobami o różnym doświadczeniu zawodowym. Jako przedsięwzięcie tworzone bez budżetu, w całości oparte na wolontariacie i współpracy, pokazuje, jak ogromny impakt można mieć bez zasobów finansowych, jedynie dzięki zaangażowaniu i determinacji. Santa Grafika to projekt o nieocenionym znaczeniu społecznym, który nieustannie adaptuje się do potrzeb swoich uczestników, stawiając na dialog, autentyczność i integrację środowiska projektowego. Dzięki współpracy z artystami, partnerstwom z różnymi organizacjami i ekspansji na inne miasta, Santa Grafika nie tylko reaguje na bieżące problemy, ale też inspiruje i aktywizuje swoją społeczność do działania. Santa Grafika to wyjątkowa inicjatywa, która powstała dzięki determinacji jednej osoby, prowadzącej projekt nieprzerwanie od ponad dwóch lat. W tym czasie udało się zorganizować ponad 18 spotkań w 4 miastach w Polsce, dwie wystawy, kilka paneli dyskusyjnych oraz warsztatów. Santa Grafika narodziła się z potrzeby wyjścia z pocovidowego marazmu, w czasie gdy wiele wydarzeń na polskim rynku artystycznym wygasło. Była odpowiedzią na tęsknotę za bezpośrednimi spotkaniami, wspólnymi doświadczeniami i integracją środowiska, która nabrała jeszcze większej wartości w czasach post-pandemicznych.

#Impakt 

Autorzy: Grzegorz Sołowiński i Maciej Frymus Klient: Scrips Projekt marki SCRIPS to jest doskonałym przykładem jak nowoczesne podejście do designu może iść w parze z troską o środowisko. Marka Scrips stworzyła kompleksowy suplement diety, który wspiera funkcje kognitywne, poprawia jakość snu, wspomaga krążenie i redukuje stres, a przy tym opiera się na rozwiązaniach przyjaznych dla środowiska, odpowiadając na potrzeby ekologicznie świadomych konsumentów. Projekt opakowania suplementu diety Scrips został stworzony z myślą o minimalizowaniu odpadów i redukcji użycia toksycznych materiałów, w pełni spełniając kryteria zrównoważonego projektowania. Innowacyjne podejście do opakowania, wykorzystującego grzybnię i biomasę, zapewnia, że opakowanie ulega całkowitemu rozkładowi w ciągu 40 dni, co znacząco zmniejsza negatywny wpływ na środowisko. Dodatkowo, opakowanie może być ponownie wykorzystane jako doniczka, co nie tylko przedłuża jego życie, ale także edukuje użytkowników w kierunku myślenia ekologicznego i zrównoważonego. Słoiczek wielokrotnego użytku, który jest częścią opakowania, to kolejny kluczowy element świadczący o zrównoważonym podejściu do projkektu marki. Możliwość uzupełniania go za pomocą refilli nadających się do recyklingu redukuje potrzebę produkcji i zakupu kolejnych opakowań, co przekłada się na zmniejszenie ilości odpadów plastikowych. Projekt słoiczka jest estetyczny, funkcjonalny i praktyczny, co pozwala na eksponowanie go w przestrzeni domowej – na półce z książkami czy obok kosmetyków – zamiast chowania do szuflady, jak ma to miejsce w przypadku większości suplementów diety. Charakterystyczne wgłębienie w nakrętce nie tylko ułatwia otwieranie, lecz także umożliwia przygotowanie porannej dawki suplementu, co podkreśla funkcjonalność i przemyślany design produktu. Druk na owijce wykonany jest farbami wodnymi techniką sitodruku na papierze ekologicznym Kendo Freelife – którego skład to 5% włókna konopnego, 40% materiału z recyklingu z certyfikatem FSC® i 55% czystego włókna przyjaznego dla środowiska z certyfikatem FSC®, czyni ten produkt jeszcze bardziej przyjaznym dla środowiska. CAPS by Scrips to pierwszy produkt marki. Dzięki unikalnemu kształtowi i kolorystyce, wyróżnia się na bardzo konkurencyjnym rynku suplementów diety. Sprzedaż suplementu rozpoczęła się w marcu 2024 roku i już w pierwszym miesiącu produkt zyskał popularność na rynkach europejskich, takich jak Francja, Niemcy czy Hiszpania, co świadczy o dużym potencjale i przyszłym sukcesie marki. Zakup produktu możliwy jest tylko za pośrednictwem strony internetowej, co skłoniło nas - projektantów do stworzenia opakowania, które nie tylko przyciąga uwagę na zdjęciach i wideo, ale również prezentuje się jeszcze lepiej w rzeczywistości. Dzięki temu klienci chętnie dzielą się zdjęciami suplementu w swoich domach i na swoich mediach społecznościowych, co napędza organiczny wzrost marki. Projekt marki Scrips, poprzez swoje zrównoważone i innowacyjne podejście do produkcji i designu, stanowi doskonały przykład na to, jak łączyć estetykę z ekologią, odpowiadając jednocześnie na potrzeby współczesnych, świadomych ekologicznie konsumentów.

#Projektkowanie zrównoważone 

Autorzy: Grzegorz Sołowiński i Maciej Frymus Klient: Scrips Projekt marki Scrips, w szczególności produkt CAPS by Scrips, stanowi doskonałe połączenie unikalnej idei i przemyślanej formy. CAPS by Scrips to innowacyjne suplementy diety oparte na bazie grzybów, które wspierają pamięć, koncentrację, równowagę emocjonalną i ogólne zdrowie psychiczne. Ta koncepcja stanowi serce projektu i napędza jego rozwój, nadając mu kierunek oraz witalność. Myśl przewodnia projektu koncentruje się na stworzeniu produktu, który nie tylko poprawia zdrowie i samopoczucie, ale także w pełni realizuje wartości zrównoważonego rozwoju. Idea łączenia naturalnych właściwości grzybów z ekologicznymi praktykami produkcji sprawia, że CAPS by Scrips to produkt, który odzwierciedla holistyczne podejście do zdrowia i odpowiedzialności wobec środowiska. Wykorzystanie grzybni i biomasy do produkcji opakowań, które ulegają pełnemu rozkładowi w ciągu 40 dni, to rozwiązanie, które minimalizuje wpływ na środowisko i wprowadza innowację do rynku suplementów. Co więcej, opakowanie może być ponownie użyte jako doniczka, co nie tylko redukuje ilość odpadów, ale także inspiruje do myślenia proekologicznego. Forma projektu CAPS by Scrips wyróżnia się na rynku dzięki przemyślanemu i estetycznemu designowi. Słoiczek wielokrotnego użytku, zaprojektowany z dbałością o każdy szczegół, łączy w sobie funkcjonalność z elegancją. Charakterystyczne wgłębienie w nakrętce ułatwia korzystanie z suplementu, a jego nowoczesny i stylowy wygląd sprawia, że może być eksponowany w przestrzeni domowej – na półce z książkami czy obok kosmetyków. Takie podejście podkreśla wysoką jakość wykonania, a także harmonizuje z ideą, że produkt zdrowotny może być zarówno praktyczny, jak i piękny. Mistrzowskie wykorzystanie narzędzi współczesnego projektowania graficznego jest widoczne we wszystkich aspektach wizualnej tożsamości marki, od kolorystyki po materiały promocyjne i projekt strony internetowej. Strategia komunikacji i sprzedaży marki, ograniczona do sprzedaży online poprzez stronę internetową, pozwala na bezpośrednie zaangażowanie klientów i budowanie silnej relacji z marką. Atrakcyjne wizualnie opakowanie, które świetnie prezentuje się na zdjęciach i wideo, dodatkowo wspiera promocję produktu, zachęcając klientów do dzielenia się zdjęciami w mediach społecznościowych, co wzmacnia organiczny wzrost i rozpoznawalność marki. Podsumowując, CAPS by Scrips to projekt, który wyróżnia się dzięki swojej inspirującej idei opartej na zdrowiu i ekologii oraz dzięki mistrzowskiej formie, która łączy estetykę z funkcjonalnością. To produkt, który nie tylko odpowiada na potrzeby współczesnych konsumentów, ale także wyznacza nowe standardy w dziedzinie zrównoważonego projektowania, łącząc naturalne właściwości grzybów z nowoczesnym i przyjaznym dla środowiska podejściem do designu.

#Idea 

Projekt marki Scrips, w szczególności produkt CAPS by Scrips, stanowi doskonałe połączenie unikalnej idei i świetnej formy. CAPS by Scrips to innowacyjne suplementy diety oparte na bazie grzybów, które wspierają pamięć, koncentrację, równowagę emocjonalną i ogólne zdrowie psychiczne. Ta koncepcja stanowi serce projektu i napędza jego rozwój, nadając mu kierunek oraz witalność. Myśl przewodnia projektu koncentruje się na stworzeniu produktu, który nie tylko poprawia zdrowie i samopoczucie, ale także w pełni realizuje wartości zrównoważonego rozwoju. Idea łączenia naturalnych właściwości grzybów z ekologicznymi praktykami produkcji sprawia, że CAPS by Scrips to produkt, który odzwierciedla holistyczne podejście do zdrowia i odpowiedzialności wobec środowiska. Wykorzystanie grzybni i biomasy do produkcji opakowań, które ulegają pełnemu rozkładowi w ciągu 40 dni, to rozwiązanie, które minimalizuje wpływ na środowisko i wprowadza innowację do rynku suplementów. Co więcej, opakowanie może być ponownie użyte jako doniczka, co nie tylko redukuje ilość odpadów, ale także inspiruje do myślenia proekologicznego. Forma projektu CAPS by Scrips wyróżnia się na rynku dzięki przemyślanemu i estetycznemu designowi. Słoiczek wielokrotnego użytku, zaprojektowany z dbałością o każdy szczegół, łączy w sobie funkcjonalność z elegancją. Charakterystyczne wgłębienie w nakrętce ułatwia korzystanie z suplementu, a jego nowoczesny i stylowy wygląd sprawia, że może być eksponowany w przestrzeni domowej – na półce z książkami czy obok kosmetyków. Takie podejście podkreśla wysoką jakość wykonania, a także harmonizuje z ideą, że produkt zdrowotny może być zarówno praktyczny, jak i piękny. Mistrzowskie wykorzystanie narzędzi współczesnego projektowania graficznego jest widoczne we wszystkich aspektach wizualnej tożsamości marki, od kolorystyki po materiały promocyjne i projekt strony internetowej. Strategia komunikacji i sprzedaży marki, ograniczona do sprzedaży online poprzez stronę internetową, pozwala na bezpośrednie zaangażowanie klientów i budowanie silnej relacji z marką. Atrakcyjne wizualnie opakowanie, które świetnie prezentuje się na zdjęciach i wideo, dodatkowo wspiera promocję produktu, zachęcając klientów do dzielenia się zdjęciami w mediach społecznościowych, co wzmacnia organiczny wzrost i rozpoznawalność marki. Podsumowując, CAPS by Scrips to projekt, który wyróżnia się dzięki swojej inspirującej idei opartej na zdrowiu i ekologii oraz dzięki mistrzowskiej formie, która łączy estetykę z funkcjonalnością. To produkt, który nie tylko odpowiada na potrzeby współczesnych konsumentów, ale także wyznacza nowe standardy w dziedzinie zrównoważonego projektowania, łącząc naturalne właściwości grzybów z nowoczesnym i przyjaznym dla środowiska podejściem do designu.

#Forma 

Sen Maszyny to hybrydowy projekt studia noviki wspłtworzony na każdym etapie z AI - na który składa się wiele elementów: identyfikacja wizualna projektu, plakatow, broszur, materiałow internetowych, strony www, idnetyfikacji w przestrzeni publicznej i budynku wystawowego. 14 minutowy esej wizualny i instalacja przestrzenna (novki + ai) - link poniżej scenografia współtworzona z ai jako scenografia spektaklu w teatrze Słowackiego w krakowie (fragmenty w makeing off) projekt ogrodu oraz projekt tekstur na meble ogrodowe (noviki+ai +projektanci zieleni) wszystkie te elementy stworzone przez studio noviki opisane są w artykułach w prasie i filmikach wideo w linkach poniżej tekst kuratorski: http://www.press.bmwgroup.com/poland/article/attachment/T0442781PL/617700 dokładny opis projetu: SEN MASZYNY zbudowany jest z wielu dopełniających się elementów. Pierwszy to esej filmowy przedstawiony w formie multimedialnej, immersyjnej wystawy w przestrzeni wystawienniczej MOS Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Drugim jest nawiązująca do filmu instalacja prezentowana w znajdującym się przy placu św. Ducha ogrodzie miejskim Teatru im. Słowackiego, zrewitalizowanym i zaaranżowanym według koncepcji NOVIKI dzięki wsparciu BMW. W eseju filmowym publiczność zostaje zaproszona do przypominającej marzenie senne rzeczywistości, kreowanej razem z artystami przez sztuczną inteligencję. Narracja oparta jest na motywie podróży, która odbywa się zarówno w przestrzeni, jak i w świadomości wypełnionej pozostającymi w procesie ciągłych przemian wyobrażeniami. To podróż oddająca ideę mobilności inteligentnych technologii, definiujących przyszłość i umożliwiających człowiekowi kreowanie oraz rozpoznawanie nowej, wielowymiarowej rzeczywistości, w której przenikają się porządki wirtualny, realny i naturalny. Podobnie płynną tożsamość ma narrator/narratorka filmu, postać o wielu twarzach, która ucieleśnia obecność śniącej sztucznej inteligencji w przedstawionej fabule. Trasa podróży wiedzie ku miejscom i przestrzeniom będącym modelami nowej, rozszerzonej rzeczywistości. Jednym z nich jest teatr – metafora maszyny do produkcji wyobrażeń. Innym jest ogród przedstawiony jako miejsce powoływania do istnienia i rozwijania tworów przekraczających granicę między tym, co biologiczne, a technologiczne. W realizacji filmu wzięli udział aktorki i aktorzy Teatru im. Słowackiego w Krakowie: Lidia Bogaczówna, Marta Konarska, Daniel Malchar i Antek Sztaba. W zdjęciach wykorzystane zostały również zabytkowe wnętrza gmachu Teatru. Sekwencje nakręcone na fizycznym planie filmowym połączono ze scenami i obrazami wygenerowanymi przez sztuczną inteligencję. NOVIKI zaprosili ją do rozwijania składających się na SEN MASZYNY motywów, poszerzając zbiór obecnych w eseju wyobrażeń o efekty halucynowania algorytmów. Do przedstawienia eseju filmowego zaprojektowana została multimedialna wideoinstalacja. Nadaje ona projekcji futurystyczną, przestrzenną formę, która umożliwia publiczności głębsze zanurzenie się w rzeczywistości wykreowanej przez artystów we współpracy ze sztuczną inteligencją. Budując instalację, NOVIKI podążają za myślą legendy filmowej awangardy, Siergieja Eisensteina, który postulował wyzwolenie filmu z ram płaskiego ekranu kinowego i myślenie o tym medium szerzej, wielowymiarowo, poza ograniczającymi swobodę ekspresji, standardowymi formatami. W eseju filmowym ważną rolę odgrywa warstwa dźwiękowa. Na zaproszenie NOVIKI stworzyła ją Zoi Michailova, artystka audio, kompozytorka i DJ-ka na scenie klubowej występująca jako Facheroia. Michailova związana jest z queerowo-feministycznym kolektywem KEM oraz Centrum Kultury Włączającej Teatr 21. Ma na koncie współpracę z czołowymi instytucjami sztuki (m.in. Centrum Sztuki Współczesnej – Zamek Ujazdowski, Muzeum Sztuki Nowoczesnej) i festiwalami (Warszawa w Budowie, Ephemera, Malta Festival Poznań). W jej wszechstronnej działalności ważne miejsce zajmuje komponowanie muzyki i projektowanie dźwięku do spektakli, działań performatywnych, prac wideo i wystaw. Elementy ścieżki dźwiękowej stworzonej we współpracy z Zoi Michailovą, a także fragmenty dialogów z filmu stanowią tworzywo drugiej części SNU MASZYNY – instalacji audio. Miejscem jej prezentacji jest położony przy placu św. Ducha ogród Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Do jego aranżacji NOVIKI zaprosili Kubę Kuleszę – agrocybernetyka związanego z interdyscyplinarnym kolektywem eksperckim Grupa Robocza, który zajmuje się teorią oraz praktyką projektowania opartego na synergii elementów technologicznych i naturalnych. Poddany gruntownej rewitalizacji ogród zamieniony zostanie w miejską oazę – przestrzeń relaksu i wytchnienia od codziennego zgiełku, w której publiczność będzie mogła jednocześnie przebywać wśród natury i wsłuchiwać się w echa narracji śniącej sztucznej inteligencji. Ogród będzie trwałym efektem piątej edycji „BMW Art Club. Przyszłość to sztuka”. Dzięki wsparciu BMW, przestrzeń przez ostatnie lata niedostępna dla mieszkańców Krakowa i turystów, stanie się na powrót częścią tkanki miasta - powróci w nowej, zrewitalizowanej według koncepcji artystów formie. linki które opisuja projekt dokładniej: podcast: https://www.vogue.pl/a/podcast-szturm-sztuk-s-4-odc-3-noviki-o-ai-i-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka artykuły w prasie: https://www.rp.pl/teatr/art40752781-sztuczna-inteligencja-wyrezyserowala-spektakl-w-teatrze-im-slowackiego https://teatrwkrakowie.pl/aktualnosci/bmw-art-club-sen-maszyny https://www.vogue.pl/a/piata-odslona-projektu-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka-o-sztucznej-inteligencji https://www.designalive.pl/sen-maszyny-kiedy-sztuczna-inteligencja-ma-halucynacje/ https://www.whitemad.pl/en/dream-of-the-machine-a-new-edition-of-bmw-art-club-the-future-is-art/ program telewizyjny : https://www.youtube.com/watch?v=Bh3D3n_bvxw Linki dotyczące samej pracy: https://youtu.be/WRg_Oo8w88s Esej wizualny - współtworzony z ai - zarówno w warstwie scenariuszowej, wizualnej jaki i znaczeoniowej. przedstawia opis roli współczesnych technologii, koegzystencji z twórcą, i symbolicznie rozwój systemów Ai w kontekście ludzkiego śnienia, archetypów, creatywnośći - esej jest artystyczną metodą badawczą, połaczeniem animacji, grafiki która stała sie identyfikacja projektu, fizycznego ogrodu w krakowie wyśnionego przez Ai makeing off: https://www.youtube.com/watch?v=A-RcX9_p8CE&t=17s https://www.youtube.com/watch?v=OFrTdVF2oi8 W projekcie „Sen Maszyny” nie tylko współpracujemy z zaawansowanym systemem AI, ale również ukazujemy, że współpraca grafików z tym systemem redefiniuje paradygmat roli projektanta we współczesnym świecie. Nasze podejście wykracza poza traktowanie tej współpracy jako zwykłego narzędzia do tworzenia grafik. Przeciwnie, dążymy do nadania głębszej koncepcji całemu projektowi, integrując narracje pozawizualne oraz łącząc elementy natury, takie jak ogród, z technologiami rzeczywistości rozszerzonej (AR), instalacjami i esejami filmowymi. Naszym celem jest nie tylko prezentacja twórczego potencjału systemu, ale również nadanie mu pewnej podmiotowości, ukazanie pełnego spektrum jego obecności i możliwości, w tym także poprzez krytyczne spojrzenie na te nowe perspektywy. Poprzez takie podejście staramy się zainicjować dialog o przyszłości projektowania, w której AI staje się pełnoprawnym partnerem, a nie tylko narzędziem w rękach człowieka.

#AI jako narzędzie 

Identyfikacja graficzna oraz zainicjowany przez studio noviki projekt wykładów na temat Ai – projekt wymiany wiedzy i badania pomiędzy specjalistami na Taiwanie dotyczący Ai - odbywający się na głownych uniwersytetach technicznych w Taipei. Identyfikacja graficzna projektu stworzona przez studio Noviki została opracowana wspólnie z Ai za pomocą modeli wytrenowanych do reprezentacji Taiwańskich Smoków oraz kolorów i form zaczerpniętych z flagi Taiwanu. Wykłady odbyły się między innymi podczas „Taiwan Design Week” w Taiwan Design Research Institute, National Taipei University of Technology, Ming Chuan University, Misty Book Store, National Taiwan Normal University oraz Shih Chien University. Dodatkowo odbyły się liczne spotkania z przedstawicielami wiodących tajwańskich organizacji związanych z designem, takimi jak Javin Mo ze studia Milkxhake, Jessie Chen z Circle Magazine, Tingyi S. Lin z National Taiwan University of Science and Technology, oraz członkami Taiwan Graphic Design Association i organizatorami Taipei Illustration Fair. https://poland.tw/web/tajwan/promocja-polskiego-designu-na-tajwanie video: https://vimeo.com/manage/videos/876056021 https://vimeo.com/manage/videos/876056128 dokładne info https://noviki.net/taipei/

#AI jako narzędzie 

"Infinity Fidelity", najnowszy album od Silver Rocket wydany w 29 lutego 2024 roku, wyróżnia się zarówno w sferze muzycznej, jak i wizualnej. To projekt, który świadomie łączy tradycyjne formaty nośników z nowoczesnym podejściem do produkcji i designu. Album został wydany w trzech starannie zaprojektowanych formatach: płycie LP, płycie CD oraz kasecie magnetofonowej, z myślą o różnych preferencjach słuchaczy. Edycja winylowa przyciąga uwagę eleganckim, czarno-białym wzorem, który spójnie wpisuje się w estetykę albumu. Wysokiej jakości dźwięk winylu oraz jego estetyczny wygląd czynią tę wersję szczególnie atrakcyjną dla kolekcjonerów i miłośników analogowego brzmienia. Wydanie na płycie CD wyróżnia się nowoczesnym, minimalistycznym projektem graficznym, który odzwierciedla koncepcję albumu. Czarno-biała paleta kolorów i geometryczne wzory są kontynuowane na opakowaniu, zapewniając spójny i elegancki wygląd. Użycie wysokiej jakości materiałów, subtelne tekstury i precyzyjnie dobrane wykończenia nadają całości trwałość i estetykę. Kaseta magnetofonowa, choć traktowana głównie jako produkt retro, została zaprojektowana z myślą o słuchaczach ceniących analogowe doświadczenie audio. Surowy dźwięk kasety, w połączeniu z nowoczesną muzyką, tworzy intrygujący kontrast, podkreślając unikalny charakter wydania. Każdy format, od płyty winylowej po kasetę, został starannie dopracowany, aby zapewnić wyjątkowe wrażenia zarówno wizualne, jak i dźwiękowe. Koncepcyjne wydanie składające się z dwóch dysków, zaprojektowanych tak, aby mogły być odtwarzane jednocześnie. Innowacyjnym rozwiązaniem jest możliwość słuchania dwóch nośników dźwiękowych równocześnie, co wzmacnia efekt interakcji człowieka z maszyną. To nowatorskie podejście nie tylko wzbogaca doświadczenie słuchowe, ale także wpisuje się w filozofię eksperymentowania, która jest bliska Silver Rocket. Każdy dysk można odtwarzać osobno, oferując zupełnie różne wrażenia. Dzięki tej funkcji, słuchacze mogą eksplorować różne aspekty albumu w czasie rzeczywistym, dostosowując swoje doświadczenie do własnych preferencji. Mogą porównywać dwie wersje utworu lub cieszyć się jedną z nich. Taki poziom zaangażowania i innowacji podkreśla zamiłowanie Silver Rocket do przesuwania granic tradycyjnych formatów muzycznych i eksperymentowania z nowymi formami prezentacji. "Infinity Fidelity" staje się tym samym nie tylko albumem, ale również interaktywnym doświadczeniem artystycznym, które oferuje słuchaczom możliwość odkrywania muzyki w sposób, jakiego wcześniej nie mieli okazji doświadczyć. Wydanie dostępne jest w wersji Dolby Atmos, co dodatkowo wprowadza słuchaczy w nową jakość dźwięku przestrzennego. Dzięki tej technologii, zyskuje trójwymiarową przestrzeń akustyczną, pozwalając na bardziej immersyjne i precyzyjne doznania dźwiękowe. Dolby Atmos umożliwia słuchaczowi wczucie się w każdy szczegół produkcji, co podkreśla złożoność i głębię brzmienia. "Infinity Fidelity" to album, który konsekwentnie łączy precyzyjną produkcję muzyczną z dopracowaną oprawą graficzną, oferując różnorodne doświadczenia zarówno pod względem estetycznym, jak i dźwiękowym. Każdy z nośników, na którym został wydany, odzwierciedla specyficzne założenia projektu, umożliwiając odbiorcom wybór takiego formatu, który najlepiej odpowiada ich preferencjom. Silver Rocket po raz kolejny pokazuje, że zarówno dźwięk, jak i obraz mogą współgrać, tworząc harmonijną całość. Okładka albumu to przemyślana synteza prostoty i nowoczesności. Charakteryzuje się minimalistycznym, czarno-białym wzornictwem, które odwołuje się do klasycznej estetyki muzyki elektronicznej i awangardowej. Jej czysta, geometryczna forma sugeruje precyzję i elegancję, jednocześnie nawiązując do idei nieskończoności i doskonałości, co harmonijnie koresponduje z tytułem albumu. Projekt graficzny, z naciskiem na kontrasty, doskonale odzwierciedla dualizm obecny w muzyce Silver Rocket, podkreślając równowagę między tradycją a nowoczesnością. Dodatkowo, okładka symbolizuje dualizm człowiek / maszyna, łącząc ludzkie cechy z kodem binarnym, co stanowi wizualne odzwierciedlenie głównych motywów albumu. Innowacyjnym elementem jest ruchoma animacja, która dodaje dynamiczny wymiar do wizualizacji albumu. Wprowadza to nową warstwę interaktywności i estetyki, podkreślając nowoczesny charakter projektu. Idea, muzyka, design, wideo - Mariusz Szypura

#Forma 

"Infinity Fidelity", najnowszy album od Silver Rocket wydany w 29 lutego 2024 roku, wyróżnia się zarówno w sferze muzycznej, jak i wizualnej. To projekt, który świadomie łączy tradycyjne formaty nośników z nowoczesnym podejściem do produkcji i designu. Album został wydany w trzech starannie zaprojektowanych formatach: płycie LP, płycie CD oraz kasecie magnetofonowej, z myślą o różnych preferencjach słuchaczy. Edycja winylowa przyciąga uwagę eleganckim, czarno-białym wzorem, który spójnie wpisuje się w estetykę albumu. Wysokiej jakości dźwięk winylu oraz jego estetyczny wygląd czynią tę wersję szczególnie atrakcyjną dla kolekcjonerów i miłośników analogowego brzmienia. Wydanie na płycie CD wyróżnia się nowoczesnym, minimalistycznym projektem graficznym, który odzwierciedla koncepcję albumu. Czarno-biała paleta kolorów i geometryczne wzory są kontynuowane na opakowaniu, zapewniając spójny i elegancki wygląd. Użycie wysokiej jakości materiałów, subtelne tekstury i precyzyjnie dobrane wykończenia nadają całości trwałość i estetykę. Kaseta magnetofonowa, choć traktowana głównie jako produkt retro, została zaprojektowana z myślą o słuchaczach ceniących analogowe doświadczenie audio. Surowy dźwięk kasety, w połączeniu z nowoczesną muzyką, tworzy intrygujący kontrast, podkreślając unikalny charakter wydania. Każdy format, od płyty winylowej po kasetę, został starannie dopracowany, aby zapewnić wyjątkowe wrażenia zarówno wizualne, jak i dźwiękowe. Koncepcyjne wydanie składające się z dwóch dysków, zaprojektowanych tak, aby mogły być odtwarzane jednocześnie. Innowacyjnym rozwiązaniem jest możliwość słuchania dwóch nośników dźwiękowych równocześnie, co wzmacnia efekt interakcji człowieka z maszyną. To nowatorskie podejście nie tylko wzbogaca doświadczenie słuchowe, ale także wpisuje się w filozofię eksperymentowania, która jest bliska Silver Rocket. Każdy dysk można odtwarzać osobno, oferując zupełnie różne wrażenia. Dzięki tej funkcji, słuchacze mogą eksplorować różne aspekty albumu w czasie rzeczywistym, dostosowując swoje doświadczenie do własnych preferencji. Mogą porównywać dwie wersje utworu lub cieszyć się jedną z nich. Taki poziom zaangażowania i innowacji podkreśla zamiłowanie Silver Rocket do przesuwania granic tradycyjnych formatów muzycznych i eksperymentowania z nowymi formami prezentacji. "Infinity Fidelity" staje się tym samym nie tylko albumem, ale również interaktywnym doświadczeniem artystycznym, które oferuje słuchaczom możliwość odkrywania muzyki w sposób, jakiego wcześniej nie mieli okazji doświadczyć. Wydanie dostępne jest w wersji Dolby Atmos, co dodatkowo wprowadza słuchaczy w nową jakość dźwięku przestrzennego. Dzięki tej technologii, zyskuje trójwymiarową przestrzeń akustyczną, pozwalając na bardziej immersyjne i precyzyjne doznania dźwiękowe. Dolby Atmos umożliwia słuchaczowi wczucie się w każdy szczegół produkcji, co podkreśla złożoność i głębię brzmienia. "Infinity Fidelity" to album, który konsekwentnie łączy precyzyjną produkcję muzyczną z dopracowaną oprawą graficzną, oferując różnorodne doświadczenia zarówno pod względem estetycznym, jak i dźwiękowym. Każdy z nośników, na którym został wydany, odzwierciedla specyficzne założenia projektu, umożliwiając odbiorcom wybór takiego formatu, który najlepiej odpowiada ich preferencjom. Silver Rocket po raz kolejny pokazuje, że zarówno dźwięk, jak i obraz mogą współgrać, tworząc harmonijną całość. Okładka albumu to przemyślana synteza prostoty i nowoczesności. Charakteryzuje się minimalistycznym, czarno-białym wzornictwem, które odwołuje się do klasycznej estetyki muzyki elektronicznej i awangardowej. Jej czysta, geometryczna forma sugeruje precyzję i elegancję, jednocześnie nawiązując do idei nieskończoności i doskonałości, co harmonijnie koresponduje z tytułem albumu. Projekt graficzny, z naciskiem na kontrasty, doskonale odzwierciedla dualizm obecny w muzyce Silver Rocket, podkreślając równowagę między tradycją a nowoczesnością. Dodatkowo, okładka symbolizuje dualizm człowiek / maszyna, łącząc ludzkie cechy z kodem binarnym, co stanowi wizualne odzwierciedlenie głównych motywów albumu. Innowacyjnym elementem jest ruchoma animacja, która dodaje dynamiczny wymiar do wizualizacji albumu. Wprowadza to nową warstwę interaktywności i estetyki, podkreślając nowoczesny charakter projektu. Idea, muzyka, design, wideo - Mariusz Szypura

#Idea 

Projekt talii kart „Skat. Legendy śląskie” powstał z myślą o zagłębieniu się w kulturę i tożsamość lokalną regionu Górnego Śląska. Miał także charakter osobisty. Jako Ślązaczce zależy mi na tym, by więcej osób kojarzyło Górny Śląsk nie tylko ze smaczną kuchnią czy gwarą, ale również odkrywało jego nowe walory. Niniejsza praca ma na celu zintegrowanie kart do śląskiego skata z lokalnymi legendami. Każda karta figury przedstawia postać jednej z szesnastu legend, zachęcając użytkownika do zapoznania się z opowieścią oraz odszukania jej charakterystycznych elementów na kartach. Projekt posiada również aspekt opcjonalnego zapoznania się z instrukcją gry w śląskiego skata, by kultywować tę grę karcianą popularną na Górnym Śląsku od XIX w. Geometyczny styl kart to połączenie nowoczesności z tradycją: tradycyjnym aspektem są m.in. ułożenie symboli kolorów i ich barwy, umiejscowienie symboli kolorów w miejscach odpowiednich dla konkretnych figur oraz symetria postaci. Elementy, które muszą pozostać niezmienne pomógł mi odkryć pan Jerzy - profesjonalny skacista, który od 40 lat aktywnie uczestniczy w turniejach skatowych. Dzięki temu niniejsza talia jest funkcjonalna. W skład pracy wchodzą: • talia 33 kart, • książeczka zawierająca opis 16 legend, • cyfrowa instrukcja reguł gry w skata w formacie PDF zawarta w kodzie QR, • dwuczęściowe pudełko. Mam nadzieję, że niniejsza praca przyczyni się do promocji regionu, przyciągnie młodzież oraz młodych dorosłych, zachęcając ich do poznawania kultury Górnego Śląska, a Ślązakom i Ślązaczkom pomoże poznawać swoje korzenie. Projekt jest pracą dyplomową na kierunku Grafika Uniwersytetu SWPS we Wrocławiu i otrzymało wyróżnienie. Karty będzie można zobaczyć na wystawie najlepszych prac dyplomowych na Uniwersytecie SWPS w październiku 2024 r.

#Świeża Krew 

Interaktywny art book, celebrujący najbardziej kreatywną epokę w historii polskiego plakatu, zwaną Polską Szkołą Plakatu, poprzez jedne z najznamienitszych afiszy filmowych i teatralnych, powstałych od lat 1950. do późnych lat 1980., oraz kultowy obiekt służący do ich ekspozycji w przestrzeni publicznej – słup ogłoszeniowy. Książka jest podzielona na dwie części: pierwsza zawiera dziesięć plakatów do wyrwania i oprawienia, zaprojektowanych przez takich mistrzów i mistrzynie jak Jan Lenica, Henryk Tomaszewski, Wojciech Fangor, Wiktor Górka, Jerzy Flisak, Maria „Mucha” Ihnatowicz, Witold Janowski i Jakub Erol, natomiast w drugiej części znajduje się model słupa z miniaturowymi plakatami, do wyjęcia z arkuszy i złożenia. Potrzebny Ci będzie tylko klej! Słup od Zupagrafika jest publikacją dwujęzyczną, wszystkie teksty w książce są w języku polskim i angielskim. Prolog do książki napisała historyczka sztuki, Katarzyna Matul. W środku: 10 polskich plakatów na perforowanych stronach, które można wyrwać i oprawić Wymiary plakatów: 24 x 34 cm‍ Słup ogłoszeniowy do złożenia + małe plakaty, które można na niego przykleić Wysokość słupa: 20 cm

#Forma 

Jak może wyglądać przyszłość? Najczęściej myśląc o jej wizjach, skupiamy się na tym, co widzimy, rzadko budując doświadczanie za pomocą pozostałych zmysłów. Warto zastanowić się przez pryzmat zmysłu słuchu: Czy i jak można usłyszeć przyszłość? Bazując na researchu związanym z brakiem wykorzystywania słuchu w projektowaniu oraz na spekulatywnej przyszłości, stworzony został scenariusz jednego dnia z życia osoby z 2094 roku, w formie czterech chronologicznych słuchowisk przedstawionych z perspektywy pierwszej osoby. Dźwiękowy opis przyszłości pozwala na intensywniejsze doświadczenie oraz większą dostępność - projekt odpowiada na potrzebę dla osób, które nie mają w pełni sprawnego zmysłu wzroku. Ścieżka dźwiękowa łączy w sobie eksperymentalne dźwięki, ludzki dialog wraz z Omni-Inteligencją, ambient czy dźwięki innych planet (NASA). Słuchowiska współgrają z animacjami przedstawiającymi fizyczne kształty oraz kolorystykę słyszalnych dźwięków bazując na dziale fizyki (cymatyka) oraz percepcji odbioru kolorów Niela Harbissona. Publikacja wydawnicza przedstawia ideę projektu, ukazując graficznie przyszłość wraz z opisem tekstowym. Problem poruszany w projekcie i zaproponowane rozwiązanie może być krokiem w stronę rozwoju designu spekulatywnego.

#Świeża Krew 

"Sploty" to marka modowa inspirowana polską sztuką ludową. To nowe spojrzenie na rzemiosło ludowe, takie jak haft czy wycinanka, w połączeniu ze współczesną modą i kolorystycznym maksymalizmem.  Projekt obejmował stworzenie zarówno identyfikacji wizualnej, jak i zaprojektowanie produktów. Główny znak przedstawia stylizowaną formę tulipana, popularnego motywu w zdobnictwie ludowym. Klucz wizualny marki opiera się na połączeniu motywów roślinnych oraz abstrakcyjnych, inspirowanych płaskimi formami sztuki ludowej — w szczególności elementami haftu kaszubskiego oraz haftu kociewskiego. Na jego bazie powstały pocztówki, karty prezentowe, naklejki oraz etykiety, które mają za zadanie współgrać z produktami marki i dbać o pozytywny odbiór przez konsumentów. Prócz standardowych składowych identyfikacji wizualnej, powstały również wzory oraz nadruki na produkty takie jak: apaszki, szale, kołnierzyki, kamizelki haftowane oraz wstążki. Powstałe produkty są kolorowe i odważne, z dużymi, geometrycznymi wzorami. Ich żywe barwy, takie jak czerwień i róż, zestawione z czernią i beżem, tworzą harmonijne, nierzadko symetryczne kompozycje, nawiązujące do typowych dla rzemiosła ludowego układów centralnych. W ramach projektu powstały również fotografie, będące główną częścią kampanii "Splotów", dzięki czemu można zobaczyć zrealizowane produkty w gotowych stylizacjach. Całość prezentuje estetykę będącą połączeniem polskiej sielskiej wsi oraz mocnych, syntetycznych form graficznych. Projekt powstał w ramach dyplomu magisterskiego na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku w pracowni Projektowanie dla Kultury.

#Świeża Krew 

Projekt „Synthetic” jest kolaboracją pomiędzy Tricią Treacy, amerykańską projektantką i artystką książek, oraz Marcinem Nowickim z warszawskiego kolektywu NOVIKI. Współpraca ta eksploruje zjawisko przenikania się tradycyjnych technik rzemieślniczych z nowoczesnymi technologiami, w szczególności z wykorzystaniem sztucznej inteligencji (AI) wprowadzeonej do publikacji przez Marcina Nowickiego z Noviki W projekcie „Synthetic” sztuczna inteligencja odgrywa kluczową rolę poprzez generowanie ptaków, które stają się symbolicznymi postaciami przenoszonymi na kartki książki. Te AI-wygenerowane ptaki, opisane jako miłośnicy długich podróży, mogą być interpretowane jako metafora przemieszczania się syntetycznych odpadów lub idei w globalnym kontekście. Są one jednocześnie symbolem nowoczesności i technologicznym komentarzem do współczesnej ekologii. Książka „Synthetic” jest stworzona z różnych materiałów, takich jak papierowe torby, plastikowe butelki i inne syntetyczne odpady, które zostały zrecyklingowane i ręcznie przekształcone w artystyczne strony książki. Te materiały tworzą unikalną teksturę, która łączy fizyczne warstwy materiałów z konceptualnymi warstwami algorytmów, które są nierozerwalnie związane z nowoczesną technologią AI. Współpraca Treacy i Nowickiego w „Synthetic” jest więc fascynującym przykładem dialogu pomiędzy rękodziełem a cyfrową kreacją. Książka nie tylko eksploruje granice między analogowym a cyfrowym, ale także porusza temat estetyki i ekologii w dobie dominacji syntetycznych materiałów. Porównując tę pracę do tradycyjnych książek, „Synthetic” można postrzegać jako wielowarstwowy projekt – dosłownie i w przenośni. Tradycyjne książki mają swoje fizyczne warstwy: kartki, okładki, i oprawy, które tworzą całość. W „Synthetic” dochodzą jednak jeszcze warstwy konceptualne związane z użyciem AI, które dodają głębi i kontekstualnego znaczenia. Algorytmy, które generują obrazy ptaków, stają się tutaj kolejną „warstwą” książki – warstwą niewidoczną, lecz odczuwalną poprzez efekty, jakie tworzą na stronach. Projekt „Synthetic” jest więc nie tylko książką, ale także manifestem artystycznym, który pokazuje, jak współczesne technologie mogą współistnieć z tradycyjnymi formami sztuki, tworząc nowe, wielowymiarowe dzieła, dotykające problemu technologi, odpadów - ich ponownego wykożystania w produkcji artystycznej

#AI jako narzędzie 

Projekt „Synthetic” jest interesującą kolaboracją pomiędzy Tricią Treacy, amerykańską projektantką i artystką książek, oraz Marcinem Nowickim z warszawskiego kolektywu NOVIKI. Współpraca ta eksploruje zjawisko przenikania się tradycyjnych technik rzemieślniczych z nowoczesnymi technologiami, w szczególności z wykorzystaniem sztucznej inteligencji (AI). W projekcie „Synthetic” sztuczna inteligencja odgrywa kluczową rolę poprzez generowanie ptaków, które stają się symbolicznymi postaciami przenoszonymi na kartki książki. Te AI-wygenerowane ptaki, opisane jako miłośnicy długich podróży, mogą być interpretowane jako metafora przemieszczania się syntetycznych odpadów lub idei w globalnym kontekście. Są one jednocześnie symbolem nowoczesności i technologicznym komentarzem do współczesnej ekologii. Książka „Synthetic” jest stworzona z różnych materiałów, takich jak papierowe torby, plastikowe butelki i inne syntetyczne odpady, które zostały zrecyklingowane i ręcznie przekształcone w artystyczne strony książki. Te materiały tworzą unikalną teksturę, która łączy fizyczne warstwy materiałów z konceptualnymi warstwami algorytmów, które są nierozerwalnie związane z nowoczesną technologią AI. Współpraca Treacy i Nowickiego w „Synthetic” jest więc fascynującym przykładem dialogu pomiędzy rękodziełem a cyfrową kreacją. Książka nie tylko eksploruje granice między analogowym a cyfrowym, ale także porusza temat estetyki i ekologii w dobie dominacji syntetycznych materiałów. Porównując tę pracę do tradycyjnych książek, „Synthetic” można postrzegać jako wielowarstwowy projekt – dosłownie i w przenośni. Tradycyjne książki mają swoje fizyczne warstwy: kartki, okładki, i oprawy, które tworzą całość. W „Synthetic” dochodzą jednak jeszcze warstwy konceptualne związane z użyciem AI, które dodają głębi i kontekstualnego znaczenia. Algorytmy, które generują obrazy ptaków, stają się tutaj kolejną „warstwą” książki – warstwą niewidoczną, lecz odczuwalną poprzez efekty, jakie tworzą na stronach. Projekt „Synthetic” jest więc nie tylko książką, ale także manifestem artystycznym, który pokazuje, jak współczesne technologie mogą współistnieć z tradycyjnymi formami sztuki, tworząc nowe, wielowymiarowe dzieła.

#Projektkowanie zrównoważone 

„Syrian Thread” to złożona publikacja opowiadająca o syryjskich tkaninach. Stanowi kompendium wiedzy o pięciu technikach tworzenia tekstyliów. Praca ma na celu utrwalenie i celebrację syryjskiego rzemiosła. Dodatkowo, ma dla mnie znaczenie personalne- mam pochodzenie syryjskie i poprzez stworzenie tego projektu, chciałam głębiej zrozumieć i docenić kulturę tego kraju. Publikacja składa się z kart, które opisują proces powstawania każdego z materiałów, omawiają surowce, typowe wzory oraz współczesne metody ich wytwarzania. Każdy z pięciu zestawów kart jest zawinięty w tkaninę, którą opisuje, pełniącą rolę zarówno futerału, jak i próbki materiału, co pozwala czytelnikowi na bezpośredni kontakt z oryginalnymi tekstyliami. Całość jest zamknięta w pudełku, co nadaje pracy zwięzły i spójny charakter. Taka forma prezentacji pozwala przybliżyć czytelnikowi tkaniny w interesujący i przystępny sposób , uwzględniając oryginalny materiał, który dopełnia minimalistyczny styl projektu i umożliwia pełne zrozumienie omawianych tekstyliów. Mój projekt wykorzystuje jeden podstawowy kształt do tworzenia ornamentów, które są jednocześnie spójne i różnorodne. Linearne rysunki są moją interpretacją oryginalnych tkanin i pozwalają wybrzmieć bogactwu materiałów. Ilustracje dopełniają ręcznie wykonane złocenia, które nawiązują do bogatej estetyki syryjskich materiałów.

#Świeża Krew 

Lakeside to warszawski zespół budynków biurowych w obrębie dzielnicy Mokotów, zaprojektowany przez studio Grupa 5 Architekci. Już na etapie projektu obiekt ten uzyskał precertyfikację BREEAM na poziomie „Outstanding” oraz WELL na poziomie „Gold’’. Certyfikat WELL to pierwszy na świecie system certyfikacji, w którym budynki oceniane są pod kątem ich wpływu na zdrowie i samopoczucie korzystających z nich ludzi. Skupia się on na zastosowaniu szeregu rozwiązań, które mają pozytywny wpływ na samopoczucie, ogólną kondycję, satysfakcję i produktywność pracowników. Nasz wayfinding jest dodatkowym dopełnieniem całego założenia architektonicznego. Grafiki i oznaczenia w przestrzeniach wspólnych budują przyjazną atmosferę i sprawiają, że użytkownicy bez problemu poruszają się po skomplikowanym obiekcie. Każdy system informacji wizualnej powinien harmonijnie współgrać z architekturą i projektem aranżacji wnętrza, w którym się znajdzie. Głównym założeniem zaprojektowanego przez nas systemu oznakowania był więc wybór materiałów i form, które wpiszą się w zaproponowany przez architektów projekt. Postawiliśmy na charakterne grafiki, których inspiracją było otaczające nas miejsce. Pojawiające się w systemie ostre, geometryczne formy zostały optycznie zmiękczone poprzez nawarstwienie materiału. Jest to szczególnie widoczne w projekcie oznakowania pięter, tablicach, itp. Zostały one zrównoważone przez strzeliste piony, które nawiązują do charakterystycznych rytmów widocznych zwłaszcza w projekcie architektonicznym elewacji. Wszystkie grafiki, oznaczenia i piktogramy są ze sobą ściśle powiązane. Projekt graficzny systemu informacji wizualnej opiera się na bardzo charakterystycznym kroju pisma Right Gothic (Pangram Pangram), jego wybór i użycie determinuje kształt wszystkich komunikatów w systemie. Dominują mocne, rytmicznie rozmieszczone elementy, a wysmakowany detal odgrywa bardzo ważną rolę. Paleta barw jest mocno ograniczona i naturalna, tak aby przestrzeń stawała się dla użytkowników jeszcze bardziej przyjazna. Brak wyrazistych, soczystych kolorów uspokaja i ujednolica wnętrze oraz nadaje mu reprezentacyjny charakter. Projekt obejmował przygotowanie wayfinding’u dla 2 budynków kompleksu. Dla każdego z nich została dobrana osobna paleta kolorystyczna.

#Forma 

Modernizacja i rozbudowa budynku Państwowej Ogólnokształcącej Szkoły Muzycznej I stopnia w Katowicach oraz związana z tym zmiana dotychczasowych funkcji pomieszczeń spowodowała konieczność stworzenia systemu wspomagającego orientację w przestrzeni budynku. Głównym założeniem było zaprojektowanie eleganckiego, minimalistycznego i nowoczesnego w formie systemu, który będzie spójny z charakterem miejsca. Projekt systemu obejmuje serię łatwo rozpoznawalnych komunikatów wizualnych – czytelnych, doskonale wpisujących się we wnętrze szkoły. Istotnym aspektem projektu było zachowanie spójnego charakteru wszystkich elementów systemu – kroju pisma, piktogramów, sposobu komunikacji, nazewnictwa funkcji, a także rodzaju użytych nośników. Autorski zestaw linearnych piktogramów ułatwia młodym użytkownikom szkoły korzystanie z jej stref i funkcji. Do systemu informacji wizualnej zastosowano popularny krój pisma Roboto w odmianie Thin do podstawowych zastosowań, oraz odmiany Light oraz Regular do zastosowań uzupełniających. Piktogramy zostały zaprojektowane na podstawie charakterystycznych elementów tego kroju pisma, podkreślając spójność systemu. Oprócz walorów wizualnych konieczne było również zapewnienie trwałości nośników i umieszczonych na nich nadruków, odpowiedniej czytelności informacji oraz odporności na uszkodzenia. Projekt systemu zakłada również jego elastyczność, jest rozwiązaniem ekonomicznym oraz łatwym w montażu, a w razie potrzeby można wymieniać jego elementy lub dodawać nowe.

#Forma 

Projekt powstał w ramach pracy dyplomowej na kierunku wzornictwo na School of Form Uniwersytetu SWPS w Warszawie. W mojej pracy dyplomowej zgłębiam znaczenie szkicu w procesie twórczym artystów, analizując jego rolę nie tylko jako punktu wyjścia, ale również jako potencjalnego finału artystycznej ekspresji. Poprzez serię wywiadów z twórcami z różnych dziedzin, odkrywam, jak szkicowanie wpływa na ich proces kreatywny, od pierwszych luźnych kresek czy luźno zanotowanych słów. Pytam o to czy wracają do starych szkiców oraz czy medium ma znaczenie podczas szkicowania. Efektem mojej pracy jest projekt książki, który nie tylko prezentuje różne perspektywy artystów na istotność szkicu w praktyce, ale również ich podejście do procesu twórczego samego w sobie. Artyści, którzy podzielili się swoimi szkicami: MONIKA DROŻYŃSKA ZUZA GOLIŃSKA VERA KING KRIK KONG MATEUSZ MACHALSKI OLA NIEPSUJ TOMEK PIEŃCZAK AREK SZWED

#Świeża Krew 

Szwendownik to książeczka dla wszystkich, którzy lubią się szwendać i są z tego dumni. Jeżeli, tak jak my (członkowie i członkinie Towarzystwa Krajoznawczego Krajobraz), na samą myśl o chodzeniu w różne miejsca bez celu czujecie dreszcz ekscytacji – to coś dla was. W środku znajdziecie 30 miejsc w Polsce wartych odwiedzenia. Są trochę na uboczu, ukryte obok oficjalnych atrakcji turystycznych. A przecież mogłyby stać się perłami w koronie polskiego krajobrazu. Dlatego naszej publikacji nadaliśmy podtytuł „nowy kanon krajoznawczy”. Tworzenie kanonów, czyli zestawień miejsc i tras, które trzeba znać, to element tradycji krajoznawczej. Tę sięgającą XIX wieku tradycję połączyliśmy z konwencją albumów z naklejkami z lat 90. XX wieku. Każdemu z miejsc odpowiada obrazek, który możecie nakleić po jego odwiedzeniu. Wystarczy, że podczas wyjazdów turystycznych czy służbowych zawsze będziecie mieć przy sobie Szwendownik. Może akurat trafi się dzień wolny żeby się powłóczyć? W ten sposób możecie stopniowo odkrywać kolejne punkty kanonu. Nie wyznaczamy wam na to dedlajnu. Nie będziemy sprawdzać, czy nie oszukujecie z naklejkami. Nie musicie „uzbierać ich wszystkich”. W ogóle nic nie musicie. Po prostu w drogę i widzimy się na szlaku. Powodzenia!  Informacje techniczne: Książeczka o formacie 105x150 mm Okładka twarda, oklejona płótnem z sitodrukiem Oprawa szyta i klejona Druk offsetowy, czarny + pantone Projekt graficzny i ilustracje: Zofia Janina Borysiewicz Wybór miejsc i teksty: Jan Mencwel, Szczepan Żurek Redakcja: Justyna Chmielewska Towarzystwo Krajoznawcze Krajobraz: – razem z mieszkańcami tworzymy nietypowe mapy i szlaki turystyczne – opracowujemy współczesne przewodniki krajoznawcze – tworzymy wystawy i strony internetowe, promujące historię i dziedzictwo miejsc – organizujemy mikrowyprawy – prowadzimy mobilne muzeum w przyczepie kempingowej

#Idea 

TAXI to opowieść o ludziach w podróży i główna oś narracyjna w projekcie muzycznym Łona x Konieczny x Krupa. Różnorodność tej podroży i emocje, które ją budują, zestawione z surowością miasta nocą doprowadziły do stworzenia spójnego, wizualnego języka o charakterystycznych wartościach graficznych. Zaprojektowana narracja wizualna, szorstka i oparta na kontraście litery i koloru, domyka w klamrę kompozycyjną teksty Łony i bogatą strukturę muzyczną Koniecznego i Krupy. Rytmiczny układ linii, połączony z wyraźną typografią oraz fotografiami Andrzeja Koniecznego, tworzą bezkompromisowe relacje między kodem wizualnym, opowieścią drogi a muzyką. Projekt graficzny wydawnictwa TAXI, a także towarzyszących mu akcydensów, stanowi dopełnienie podróży, w swojej formie jednocześnie odwołując się do uniwersalnych doświadczeń zawartych w słowie. W bezpretensjonalnym kluczu graficznym zamykają się również wydania cyfrowe singli. Edycje drukowane sensorycznie rozwijają opowieść poprzez zastosowanie dyskretnych uszlachetnień: w wydaniu deluxe wykorzystanie folii metalicznej nawiązuje do samochodowego lusterka, a zniekształcone odbicie buduje bezpośrednią relację między odbiorcą a dziełem. Typograficzna tkanka na okładce, tracklista, to forma interpretacji mapy miasta, topografii myśli i rozdroży decyzji, w standardowej wersji nadrukowana na foliowy sleeve, który po zdjęciu oddaje głos fotografii Koniecznego. Wyraziste założenia projektu TAXI otrzymały oprawę wizualną, która podkreśla wyzwania i ambicje tej inicjatywy, ale przede wszystkim pozwala odbiorcy chwycić za klamkę do samochodowych drzwi, nie zdradzając zbyt wiele o celu tej podróży. Obfitość ludzkich relacji, obserwowanych z perspektywy podróży w taxi to potencjał materiału nagranego wspólnie przez Łonę, Koniecznego i Krupę. Dla tej podróży bogactwo emocji zostało zestawione z surowością i dystansem miasta a te z kolei stały się płaszczyzną do stworzenia wartości graficznych mających zamknąć całą inicjatywę w jeden spójny, wizualny język.  Powstała zatem narracja wizualna która w swój szorstki i bazujący na silnym kontraście sposób staje się klamrą dla ciężaru tekstów Łony i bogatej struktury muzycznej Koniecznego i Krupy. Kompozycje oparte na relacji typografii z silnym kolorem oraz fotografiami wykonanymi przez Andrzeja Koniecznego domykane są tutaj z rytmicznym układem linii które dopełniają opowieść o podróży. W bezpretensjonalnym graficznym kodzie zamykają się wydania kolejnych singli. Edycje drukowane bardzo sensorycznie rozwijają opowieść przez zastosowanie dyskretnych uszlachetnień które odkrywamy podczas odpakowywania wersji deluxe - metaliczny, zniekształcony refleks będący odbiciem naszych własnych twarzy w lusterku taxi. Zanurzenie się w typograficznej tkance tworzonej z tracklisty - będącej interpretacją mapy miasta, topografii myśli i rozdroży decyzji to wartość jaką odkrywamy trzymając w dłoniach wersji standardową wydawnictwa.  Bardzo wyraziste i ambitne założenia projektu Taxi otrzymały zatem oprawę która podkreśla wyzwania tej inicjatywy, stawia odbiorcę przed drzwiami samochodu jednak nie zdradza za dużo o celu podróży.  dyrekcja artystyczna, projekt graficzny: Jakub Haremza, Marianna Czwojdrak zdjęcia (w projekcie): Andrzej Konieczny

#Forma 

Teatr dla wszystkich Teatr Ludowy to jeden z najważniejszych teatrów współczesnych w Krakowie. Historia instytucji sięga lat 50. XX wieku i powstania Nowej Huty – socrealistycznego założenia architektonicznego wybudowanego na potrzeby przemysłu hutniczego. Miejsce od początku istnienia związane jest z lokalną społecznością. Słowo “Ludowy” można odczytać jako “popularny” – skierowany do szerokiej grupy odbiorców, w tym robotników i budowniczych Nowej Huty. Obecnie teatr w swoim repertuarze ma propozycje dla dzieci, młodzieży oraz widzów dorosłych. Przedstawienia awangardowe, wyznaczające nowe kierunku w polskim teatrze, a także te bardziej popularne i mainstreamowe. Ludowy – krój pisma Szukając inspiracji dla nowego brandingu nie mogliśmy pominąć pięknego neonu na fasadzie frontowej teatru. Na jego podstawie stworzyliśmy krój pisma o nazwie „Ludowy”. Początkowo był przez nas zaprojektowany na potrzeby kilku liter do samego logotypu. Z czasem ewoluował w kompletny font, na którym oparliśmy key visual instytucji. „Ludowy” to Variable Font, czyli krój pisma który w jednym pliku zawiera wiele odmian. W zależności od rodzaju i długości tekstu może płynnie zmieniać swoją grubość, wysokość, szerokość czy pochylenie. Świetnie sprawdza się zarówno na plakatach, drukach, jak i w animacjach czy materiałach do mediów społecznościowych. Identyfikacja wizualna Proces kreatywny zaczęliśmy od przypomnienia sobie wizualnej historii Teatru Ludowego. Analizowaliśmy stare logotypy, plakaty, ulotki oraz przyglądaliśmy się architekturze budynku, w której działa teatr. Architektura socrealizmu i kultowy neon stały się inspiracją do zaprojektowania przez nas kroju pisma na którym zbudowaliśmy identyfikację wizualną, signage i wayfinding budynku. Wayfinding TIM W 2023 roku Teatr poszerzył swoją działalność, tworząc TIM, czyli Teatralny Instytut Młodych. To nowoczesny gmach, w którym odbywają się warsztaty, próby teatralne i spektakle skierowane do młodego widza. Oznakowania przestrzenne bazują na identyfikacji wizualnej Teatru Ludowego i liternictwie inspirowanym neonem. Dzięki temu nowoczesne przestrzenie TIM posiadają łącznik z historią Nowej Huty. Projekt objął m.in. dedykowany system wymiennych tablic z oznaczeniami dla zaplecza teatralnego oraz pomieszczeń biurowych, oznaczenia: scen, sal teatralnych, studia nagrań, archiwum, magazynów, pokoi gościnnych, ciągów komunikacji oraz pięter. Zespół projektowy: Studio Otwarte: Julek Wierzchowski, Patrycja Mola, Oksana Shmygol, Tomek Jurecki, Łukasz Wojtysko, Mirosław Kliś konsultacja typograficzna – Mateusz Machalski współpraca projektowa – Spoiwo Studio wdrożenie oznaczeń – BB Media Teatr Ludowy: dyr. Małgorzata Bogajewska, Jerzy Fedorowicz, Beata Strama, Katarzyna Dudek, Agnieszka Wierzbicka

#Instytucje 

Teatr dla wszystkich Teatr Ludowy to jeden z najważniejszych teatrów współczesnych w Krakowie. Historia instytucji sięga lat 50. XX wieku i powstania Nowej Huty – socrealistycznego założenia architektonicznego wybudowanego na potrzeby przemysłu hutniczego. Miejsce od początku istnienia związane jest z lokalną społecznością. Słowo “Ludowy” można odczytać jako “popularny” – skierowany do szerokiej grupy odbiorców, w tym robotników i budowniczych Nowej Huty. Obecnie teatr w swoim repertuarze ma propozycje dla dzieci, młodzieży oraz widzów dorosłych. Przedstawienia awangardowe, wyznaczające nowe kierunku w polskim teatrze, a także te bardziej popularne i mainstreamowe. Ludowy – krój pisma Szukając inspiracji dla nowego brandingu nie mogliśmy pominąć pięknego neonu na fasadzie frontowej teatru. Na jego podstawie stworzyliśmy krój pisma o nazwie „Ludowy”. Początkowo był przez nas zaprojektowany na potrzeby kilku liter do samego logotypu. Z czasem ewoluował w kompletny font, na którym oparliśmy key visual instytucji. „Ludowy” to Variable Font, czyli krój pisma który w jednym pliku zawiera wiele odmian. W zależności od rodzaju i długości tekstu może płynnie zmieniać swoją grubość, wysokość, szerokość czy pochylenie. Świetnie sprawdza się zarówno na plakatach, drukach, jak i w animacjach czy materiałach do mediów społecznościowych. Identyfikacja wizualna Proces kreatywny zaczęliśmy od przypomnienia sobie wizualnej historii Teatru Ludowego. Analizowaliśmy stare logotypy, plakaty, ulotki oraz przyglądaliśmy się architekturze budynku, w której działa teatr. Architektura socrealizmu i kultowy neon stały się inspiracją do zaprojektowania przez nas kroju pisma na którym zbudowaliśmy identyfikację wizualną, signage i wayfinding budynku. Wayfinding TIM W 2023 roku Teatr poszerzył swoją działalność, tworząc TIM, czyli Teatralny Instytut Młodych. To nowoczesny gmach, w którym odbywają się warsztaty, próby teatralne i spektakle skierowane do młodego widza. Oznakowania przestrzenne bazują na identyfikacji wizualnej Teatru Ludowego i liternictwie inspirowanym neonem. Dzięki temu nowoczesne przestrzenie TIM posiadają łącznik z historią Nowej Huty. Projekt objął m.in. dedykowany system wymiennych tablic z oznaczeniami dla zaplecza teatralnego oraz pomieszczeń biurowych, oznaczenia: scen, sal teatralnych, studia nagrań, archiwum, magazynów, pokoi gościnnych, ciągów komunikacji oraz pięter. Zespół projektowy: Studio Otwarte: Julek Wierzchowski, Patrycja Mola, Oksana Shmygol, Tomek Jurecki, Łukasz Wojtysko, Mirosław Kliś konsultacja typograficzna – Mateusz Machalski współpraca projektowa – Spoiwo Studio wdrożenie oznaczeń – BB Media Teatr Ludowy: dyr. Małgorzata Bogajewska, Jerzy Fedorowicz, Beata Strama, Katarzyna Dudek, Agnieszka Wierzbicka

#Forma 

Teatr Telewizji przez wiele lat nie był objęty spójną opieką graficzną. Brakowało jednolitego systemu, który porządkowałby komunikację wizualną programu i promował spektakle. Wyzwaniem było stworzenie nowoczesnego wizerunku, który jednocześnie byłby naturalnie odbierany przez osoby wychowane na tym formacie. Pomysł na odświeżenie został określony podczas spotkań roboczych z klientem jako "klasycznie nowoczesny". Celem było zachowanie tradycyjnego charakteru programu, przy jednoczesnym wprowadzeniu zmian, które komunikowałyby nowy wizerunek i przyciągały nową publiczność. Opracowano nowy system identyfikacji wizualnej. Znak autorstwa Janusza Kaczkowskiego z lat 60., ze względu na poszanowanie tradycji projektowej, nie został całkowicie zmieniony, lecz jedynie przeprojektowany. Nowe proporcje łączą klasyczny, dobrze znany wizerunek ze współczesnym stylem. W ramach strategii powrócono do wewnętrznej dywersyfikacji, wprowadzając podziały na "scenę współczesną", "scenę klasyczną" i "scenę dla dzieci". Zaprojektowano nowe czołówki i skomponowano nowy motyw dźwiękowy. Głównym elementem kluczowej oprawy wizualnej stała się kurtyna, stylistycznie nawiązująca do dokonań Saula Bassa z lat 60. Rebranding został dobrze przyjęty – delikatne zmiany nie zraziły konserwatywnej publiczności, a aktualność rozwiązań projektowych pomogła w kształtowaniu nowego wizerunku i komunikowaniu nowej strategii. Spektakle zyskały teraz bardziej współczesną i wszechstronną oprawę, dostosowaną do różnych mediów. Planuje się dalsze poszerzanie rebrandingu w ciągu najbliższych kilku miesięcy.

#Instytucje 

THE INFINITE MAZE to unikalna gra zawierająca 20 ilustrowanych kart z labiryntami oparta na całkowicie nowatorskiej koncepcji. Karty można ułożyć w dowolnej kolejności, w ponad dwóch trylionach różnych kombinacji, ale zawsze jest tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Każda karta przedstawia swój własny, niepowtarzalny świat. Istnieje wiele sposobów gry: gracze mogą rywalizować ze sobą w wyścigu przez labirynt lub współpracować, aby zaprowadzić swoją postać do domu. Mogą odnaleźć postacie, które zagubiły się w każdym ze światów, i pomóc im w podróży przez labirynt, lub używać kart do opowiadania historii. Nieskończona liczba tworzonych labiryntów gwarantuje zawsze tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Gra składa się z 20 kart, ulotki z instrukcją, zmazywalnego markera oraz pudełka. Przeznaczona dla graczy od 6 roku życia została wydana w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych i Niemczech przez wydawnictwo Laurence King Publishing. Autorska koncepcja mechanizmu gry, a także ilustracje i projekt graficzny całkowicie stworzone zostały przez Aleksandrę Artymowską. Ze strony wydawnictwa projekt nadzorowany był przez Philipa Contosa i Florence Filose.

#Forma 

Platforma edukacyjna Uncode the Type to współczesna odpowiedź na braki odpowiednio wyselekcjonowanej wiedzy w branży web designu oraz pracy z typografią w digitalu. Poprzez odpowiednią analizę, zebrane i wyselekcjonowane materiały powstała strona, która ma na celu pomoc młodym projektantom wejść w branżę z odpowiednimi, solidnymi podstawami. Uncode The Type zawiera 22 podstrony wraz z widokami mobilnymi. Główne kategorie opierają się na fundamentalnych aspektach związanych z typografią przy tworzeniu stron internetowych. Prototyp wersji desktopowej możliwy jest do obejrzenia pod: https://shorturl.at/UJL7N.

#Świeża Krew 

UpComing to coroczna wystawa, która prezentuje najlepsze prace dyplomowe z dziewięciu wydziałów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Tegoroczna, 15. edycja pod tytułem HANDLE WITH CARE koncentruje się na temacie podróży — zarówno metaforycznej, jak i dosłownej — w której prace absolwentów są pakowane i wysyłane w ich zawodową przyszłość. Projekt wystawy i katalogu nawiązuje do motywów związanych z wysyłką i pakowaniem. W identyfikacji wizualnej wykorzystaliśmy materiały, takie jak karton i kolorowa taśma pakowa, a także elementy wizualne, jak etykiety dostawcze i symbole magazynowe. Każdy z dziewięciu wydziałów został oznaczony innym kolorem taśmy, co ułatwiało identyfikację i nawigację po wystawie i katalogu. Z 850 egzemplarzy katalogu każdy jest unikalny – ozdobiony ręcznie dziewięcioma kawałkami taśmy w różnych kolorach. Okładki wykonano z kartonu, a typografia została nadrukowana czarnym sitodrukiem. W projekcie wystawy głównym motywem stały się surowe materiały związane z przemysłem wysyłkowym, takie jak drewniane skrzynie i palety, stalowe konstrukcje i podajniki magazynowe oraz plastikowe kurtyny. Projekt identyfikacji wizualnej i katalogu: Ania Wieluńska, Claire Barrow Projekt wystawy i nadzór autorski: Łukasz Izert Processing: Piotr Welk Pełna lista osób odpowiedzialnych za projekt znajduje się pod załączonym linkiem.

#Forma 

Rebranding VASCO – pioniera w tworzeniu inteligentnych translatorów mowy. Kompleksowy design system objął brand manual, materiały wspierające sprzedaż, oprawę komunikacji digital oraz projekt wzorniczy opakowań produktów. VASCO to producent inteligentnych translatorów mowy, których działanie – wraz z rozwojem technologii – staje się coraz bardziej płynne. Analiza konkurencji i insighty konsumenckie wykazały, że odbiorcy szukają produktów ułatwiających codzienną komunikację, łatwych w użyciu i mających przyjazny design. Głównym wyzwaniem było stworzenie projektu zrozumiałego na całym świecie, który jednocześnie podkreśli humanistyczny aspekt technologii VASCO. Zapewniliśmy strategiczne wsparcie oraz zajęliśmy się stworzeniem nowej komunikacji wizualnej i językowej. Wiele firm zajmujących się technologią pokazuje szybką, zatłoczoną i przebodźcowaną rzeczywistość. Nam zależało na pokazaniu technologii w humanistyczny sposób. Z dwóch pierwszych liter logotypu VASCO stworzyliśmy uniwersalny symbol komunikacji, zrozumiały przez osoby z całego świata. Nowa identyfikacja wizualna podkreśla łatwość z jaką można porozumieć się w obcym języku. Zastosowana typografia wraz z symbolem tłumaczenia nawiązuje do zapisu w słownikach i nauki o języku. Design system jest elastyczny i skalowalny — łatwy w stosowaniu w mediach cyfrowych i druku. Oparty został o proste zasady kompozycji i trzy główne rodzaje layoutów: wizerunkowy, produktowy i wizerunkowo-produktowy. W doborze materiału zdjęciowego postawiliśmy na międzyludzką komunikację oraz codzienne sytuacje. Tworząc rozwiązania dla świata cyfrowego i analogowego, zależało nam na spójnym user experience. Przykładem może być projekt opakowania inspirowanego słownikiem, które po zdjęciu obwoluty otwiera się jak książka. Użytkownicy doświadczają tego samego ruchu oglądając treści online, jak i otwierając opakowanie. Nowy branding ma miękkie, zaokrąglone kształty oraz zgaszoną, delikatną kolorystykę, która może się zmieniać w zależności od rynkowego i kulturowego kontekstu. Vasco w nowej odsłonie to twórca przyjaznej technologii. Dzięki niej użytkownicy i użytkowniczki mogą skupić się na odkrywaniu świata oraz spokojnym podejmowaniu nowych wyzwań. Elastyczny i skalowalny design system umożliwił spójne wdrożenie nowych elementów wizualnych w różnych kanałach komunikacji, co wzmocniło jednolity wizerunek marki. Powstało nowe logo, key visual, opakowania, ikony, infografiki, motion design oraz oprawa na social media. Przygotowany przez nas brand manual zawiera wszystkie wytyczne dotyczące strategii oraz komunikacji wizualnej i językowej. Nowa oprawa marki została do tej pory wdrożona na 20 rynkach. Zespół projektowy: Julek Wierzchowski, Oksana Shmygol, Tomasz Jurecki, Patrycja Mola, Paweł Loedl, Łukasz Wojtysko, Mirosław Kliś Zespół ze strony Vasco: Karolina Szulc, Piotr Michalski, Anna Jaworska-Płaska

#Idea 

"Welcome to Warsaw" to zbiór 10 plakatów, stworzonych jako projekt dyplomowy w pracowni prof. Lecha Majewskiego na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Seria plakatów stanowi wizualny komentarz do Warszawy, jej charakterystyki oraz cyklicznych wydarzeń i festiwali. Prace ukazują różnorodne życie kulturalne miasta, podkreślając zarówno specyfikę poszczególnych wydarzeń, jak i unikalną atmosferę stolicy. Kolekcja balansuje pomiędzy pozytywnymi aspektami a bardziej wymagającymi, tworząc głębsze i ciekawsze spojrzenie na miasto."Welcome to Warsaw" to wizualna podróż przez miasto pełne kontrastów, która zachęca do eksploracji, inspiruje oraz celebruje fascynację tym niezwykłym miejscem.

#Świeża Krew 

Głównym założeniem rebrandingu WhiteLab Genomics była chęć stworzenia systemu, klucza wizualnego, który nawiązuje do tematu w jasny, jednak niekonwencjonalny i artystyczny sposób, który odróżni firmę od konkurencji. Inspiracją stał się widok rozwoju mikroorganizmów na szalkach Petriego oraz tego co można dostrzec pod mikroskopem. Dzięki odpowiedniemu prostym formom geometrycznym, dobraniu odpowiednich technik oraz wzbogacenia artystycznej części asymetryczną kompozycją typograficzną otrzymano założone cele projektowe. Efektem tego są malarskie grafiki cyfrowe zestawione z surową i nowoczesną typografią. W ramach projektu zostały stworzone elementy, które wyznaczają kierunek dalszych działań. Stworzona identyfikacja stanowi więc system, który może być rozbudowywany w nieskończoność w zależności od potrzeb.

#Idea 

Kolejna IV. edycja Krakowskiego Festiwalu Tańca odbyła się pod hasłem „widok z bliska”, które stało się zaproszeniem do osobistego doświadczania tańca, narracji ciał w przestrzeni, intymnych historii, okazją do budowania bliskich relacji. Podczas festiwalu odbywały się warsztaty ruchowe, warsztaty krytyki tańca, spektakle, performance oraz wydarzenia towarzyszące np. spotkania z artyst_kami oraz wystawa fotografii. Główną ideą identyfikacji stały się dociekania dotyczące widoczności: czy lepiej widać z bliska, czy z daleka
i czy w ogóle widać? Czy rozmywa się z daleka, czy rozmazuje z bliska? Co widać pod słońce? I czy słońce oślepia, czy oświetla? Centralnym elementem identyfikacji wizualnej zostało słońce – przyjemnie kojarzone z nim ciepło, lato, miękka kolorystyka zostały zestawione w kontrze z oślepiającym blaskiem, powodującym spadek widoczności. Odzwierciedlenia tych idei znajdziemy w identyfikacji wizualnej – zaburzenia skali, rozmycia, przysłonięcia tworzą grę z odbiorcą, w której niektóre informacje lepiej widać z bliska.

#Instytucje 

Warszawa powstała z ruin. Gruzy stały się podstawowym materiałem budowlanym, a praca w zgliszczach była codziennością. Odbudowa była złożonym procesem, wymagającym ogromnych nakładów pracy i czasu. Wpłynęła nie tylko na architekturę miasta, ale także na jego krajobraz przestrzenny. Miała również wpływ na odradzające się stosunki społeczne i gospodarcze. Wystawa „Zgruzowstanie Warszawy 1945–1949” to nowe spojrzenie na mit stolicy odrodzonej po wojnie i jedna z najciekawszych kart jej historii. Kurator: Adam Przywara Współpraca: Katarzyna Jolanta Górska Projekt wystawy: Studio Okuljar Architekt*innen SIA Produkcja: Marta Galewska, Katarzyna Jolanta Górska Projekt graficzny wystawy: Alina Rybacka-Gruszczyńska Wystawa otrzymała Nagrodę Architektoniczną Prezydenta m.st. Warszawy w kategorii wydarzenie architektoniczne.

#Instytucje 

„Zapakowane” to publikacja archiwizująca projekty polskich opakowań z okresu PRL. Projekt dyplomowy powstał w oparciu o zbiory archiwalne wielu instytucji kultury oraz prywatne archiwa cyfrowe. Książka przedstawia najciekawsze osiągnięcia liternicze i ilustracyjne tamtych czasów, mając na celu odkrycie i ożywienie wciąż aktualnych projektów opakowań. Efektem procesu pozyskiwania materiałów są opakowania, które przetrwały próbę czasu, często ukryte lub schowane przez ówczesnych użytkowników. Dzięki współczesnym technologiom i żywym kolorom nadaję drugie życie tym w większości anonimowym projektom. Publikacja stanowi bazę inspiracji, która może być alternatywą dla powtarzających się globalnych trendów oraz wspierać kształtowanie polskiej tożsamości projektowej. Zebrane przykłady wyróżniają się lekkością i minimalizmem, wynikającym z ograniczonych środków i narzędzi użytych przy ich tworzeniu. Dominują w nich proste, kolorowe formy geometryczne, odręczne liternictwo oraz ilustracje, które wspólnie tworzą atrakcyjne kompozycje. Wybrane projekty opakowań z czasów PRL są szczególnie interesujące w dzisiejszych realiach, kontrastując z przeładowanymi informacjami produktami na półkach sklepowych. Ilustracje w ciekawy sposób odzwierciedlają zawartość opakowania, bawiąc się formą i zastosowaniem produktu. Cennym elementem tej publikacji jest zbiór rozwiązań typograficznych, które zaskakująco dobrze wpisują się we współczesne trendy, zastępując komputerowe fonty odręcznymi kompozycjami. To one nadają książce alfabetyczny porządek, rozpoczynając każdy rozdział najciekawszą literą wyjętą z opisywanego opakowania. Kluczowym aspektem digitalizacji tych projektów była analiza polskich znaków diakrytycznych, które rzadko pojawiają się w zagranicznych projektach.

#Świeża Krew 

„Zapakowane” to publikacja archiwizująca projekty polskich opakowań z okresu PRL. Projekt dyplomowy powstał w oparciu o zbiory archiwalne wielu instytucji kultury oraz prywatne archiwa cyfrowe. Książka przedstawia najciekawsze osiągnięcia liternicze i ilustracyjne tamtych czasów, mając na celu odkrycie i ożywienie wciąż aktualnych projektów opakowań. Efektem procesu pozyskiwania materiałów są opakowania, które przetrwały próbę czasu, często ukryte lub schowane przez ówczesnych użytkowników. Dzięki współczesnym technologiom i żywym kolorom nadaję drugie życie tym w większości anonimowym projektom. Publikacja stanowi bazę inspiracji, która może być alternatywą dla powtarzających się globalnych trendów oraz wspierać kształtowanie polskiej tożsamości projektowej. Zebrane przykłady wyróżniają się lekkością i minimalizmem, wynikającym z ograniczonych środków i narzędzi użytych przy ich tworzeniu. Dominują w nich proste, kolorowe formy geometryczne, odręczne liternictwo oraz ilustracje, które wspólnie tworzą atrakcyjne kompozycje. Wybrane projekty opakowań z czasów PRL są szczególnie interesujące w dzisiejszych realiach, kontrastując z przeładowanymi informacjami produktami na półkach sklepowych. Ilustracje w ciekawy sposób odzwierciedlają zawartość opakowania, bawiąc się formą i zastosowaniem produktu. Cennym elementem tej publikacji jest zbiór rozwiązań typograficznych, które zaskakująco dobrze wpisują się we współczesne trendy, zastępując komputerowe fonty odręcznymi kompozycjami. To one nadają książce alfabetyczny porządek, rozpoczynając każdy rozdział najciekawszą literą wyjętą z opisywanego opakowania. Kluczowym aspektem digitalizacji tych projektów była analiza polskich znaków diakrytycznych, które rzadko pojawiają się w zagranicznych projektach.

#Idea 

,,Brak świadomości społecznej w zakresie tematyki ryb jako zwierząt tzw. hodowlanych oraz ich hodowli powoduje, że — pomimo badań naukowych potwierdzających odczuwanie przez ryby bólu — zwierzęta te nie są objęte należytą ochroną, a tematyka ich cierpienia i ochrony w przestrzeni publicznej pozostaje niesłyszana. Nie rozmawiamy o wpływie hodowli ryb na klimat, bioróżnorodność, a w przestrzeni publicznej debata na temat warunków i standardów hodowli, traktowania i ochrony ryb — nie istnieje". Celem autorskiego projektu jest podniesienie świadomości na temat ryb, ich dobrostanu oraz sytuacji prawnej dotyczącej ochrony tych zwierząt. Książeczka obala mity, które narosły wokół ryb, i wyjaśnia rzeczywistość. Zebrane artykuły specjalistów ukazują tę grupę stworzeń w nowym świetle. Proces projektowy obejmował badania dotyczące świadomości ludzi na temat ryb (np. czy ryby są uważane za mięso? czy mogą odczuwać ból?), pogłębianie wiedzy poprzez liczne źródła naukowe, gromadzenie i selekcję tekstów informacyjnych oraz złożenie materiału w spójną, merytoryczną całość.

#Impakt 

Projekt Zmiana to zestaw wyposażenia domu wykonany z materiałów znalezionych na złomowisku. Przekształcając te odnalezione zasoby w przedmioty codziennego użytku, projekt wpisuje się w ideę kreatywnego dystrybuowania nadmiaru. Koncepcja ta jest inspirowana rękodziełem, które mój ojciec tworzył samodzielnie przez ostatnie dekady, oraz obserwacjami, jak w garażowych warunkach powstają domowe wyroby. Mój tata, Zygmunt, został zaproszony do projektu jako współautor i współtwórca obiektów, wnosząc swoją wiedzę i doświadczenie. Zestaw składa się z pięciu elementów: krzesła, stołu, stołka, regału i świecznika w trzech wariantach. Każdy z nich powstał w wyniku domowego przetwarzania znalezionych odpadów metalowych, co nadaje im unikatowy charakter. Na projekt składa się również identyfikacja wizualna towarzysząca całemu procesowi, a także publikacja książkowa zawierająca opisy techniczne obiektów i dokumentację procesu. Publikacja ma formę próbnika zamkniętego w metalowej obwolucie z wytłoczonym znakiem projektu Zmiana. Sam znak jest inspirowany literą „Z” jak Zmiana, wyklejoną z taśmy klejącej w garażowych warunkach. Celem projektu Zmiana jest zwrócenie uwagi na współczesny problem nadmiaru, który wynika ze świata szybkiej dostępności. Łatwość produkcji i niskie koszty generują nadwyżkę surowców i materiałów, które zalegają na złomowiskach i w skupach. Projekt czerpie również z przeszłości i etosu majsterkowicza, związanego z deficytem ubiegłej epoki.

#Świeża Krew 

Z okazji 65. rocznicy powstania Karkonoskiego Parku Narodowego zaprojektowaliśmy znak jubileuszowy. Szukaliśmy nawiązań do typografii i stylistyki z okresu powstania parku (1959 rok). Postanowiliśmy użyć fontu Neue Haas Grotesk Display Pro, który jest cyfrowym odwzorowaniem pisma Neue Hass Grotest, które zostało zaprojektowane w 1957 roku przez Maxa Miedingera. Zależało nam na prostocie przy jednoczesnym uzyskaniu stylu "retro". Zainspirowaliśmy się dawnymi turystycznymi emblematami, przypinkami i turystycznymi odznakami PTTK, starając się zawrzeć w projekcie także zniuansowane nawiązania do znaków z poprzednich jubileuszy KPN. Oprócz mocnych cyfr i wyrazistej stylistyki, ważne było dla nas umieszczenie w sygnecie symboli nawiązujących to tematyki parkowej. W znaku została umieszczona chorągiewka symbolizująca szczyt, tablica z oznaczeniem szlaku, drzewo iglaste oraz skała. Również kolory korelują z tematem przyrody. w Sygnecie pojawia się błękit nieba oraz zieleń nawiązująca do roślinności.

#Forma