Converse Zin Proud to be_ 2024 to drugie wydanie wyjątkowej publikacji wykorzystującej zasięgową platformę marki, by oddać głos osobom, które często z różnych przyczyn nie przebijają się z własnym przekazem w publicznym dyskursie. Zin został stworzony z okazji Miesiąca Dumy i czerwcowego świętowania równości, a jego premiera w princie miała miejsce na gali inaugurującej Warsaw Queer Week 2024. W tym wydaniu chcieliśmy i chciałyśmy, by ta prozaiczna, a jednak tak cenna duma z bycia - po prostu - wybrzmiewała swoją podstawową formą, bo nie potrzebuje dodatkowych definicji i ozdobników. Aby ta publikacja emanowała pozytywną energią, ale także niezwykłą autentycznością i zapamiętywalną formą oraz by dotrzeć z inspirującym przekazem do tych, którzy_re potrzebują go usłyszeć, do współpracy zostały zaproszone Osoby ze społeczności LGBTQIAP+, które użyczyły nam swojego głosu, historii czy artystycznego wyrazu,. Oprócz osób autorskich i ilustrujących ze społeczności Queer, nieodłączną częścią tej inicjatywy byli_ły też All Stars - wspierana przez markę Converse społeczność młodych twórców i twórczyń z wielu dziedzin sztuki. Było to dla nas bardzo ważne, by w ramach tego projektu dać im możliwość skorzystania z pomocy Osób Mentorskch. Zwróciliśmy się zatem do Stowarzyszenia Lambda, która w osobie Miłosza Przepiórkowskiego i Pawła Mamzera objęła patronat merytoryczny nad zinem. Pod okiem Mentorów All Stars poszerzyli swoją wiedzę związaną z inkluzywnością oraz stworzyli manifest, który stał się dla nich inspiracją do ich późniejszych treści do zina. Ważnym elementem tworzenia Zina Proud to be_ 2024 było dla nas nadanie mu wyjątkowej wartości artystycznej także w wyrazie empirycznym. Uważamy, że tematy ważne dla osób ze społeczności LGBTQIAP+, ich historie, wyznania i twórczość artystyczna zasługują na najwyższą jakość kreatywności w formie ekskluzywnego printu. Nietuzinkowa sztuka może i powinna być nośnikiem istotnych społecznie idei. Sięgnęliśmy_łyśmy do złotej ery zinów, czerpiąc inspirację z wczesnej atmosfery techno Berlina lat 80. To także czas, kiedy publikacje przybrały najbardziej osobisty wymiar, co można odczuć nawet w formie i doborze tematów poruszanych na ich stronach. Przyciemnione kolory, stonowany, nieco bardziej surowy charakter oddały scenę idei, która nie potrzebuje sztucznego aplauzu, ale autentycznego uznania i zrozumienia. W tym podejściu duma nie wiąże się z narzucaniem i tworzeniem sztucznego szumu. Naszym celem było, aby tegoroczny Converse Zin wyszedł poza schemat tego, co z założenia nie powinno mieć ograniczeń. Chcieliśmy i chciałyśmy przekroczyć granice pozornej inkluzywności. Obrany kierunek to konsekwentny ruch w stronę autentyczności, która jest dla nas największą wartością. Klient: Converse Polska Agencja: na_ty

#Impakt 

Książka jest częścią cyklu mającego na celu udokumentowanie historii polskiej grafiki użytkowej, ze szczególnym naciskiem na znak graficzny. Tym razem bohaterem albumu, który towarzyszył wystawie, był Jan Hollender (1907–1989) – wybitny polski projektant. Publikacja miała stanowić uzupełnienie ekspozycji. Jan Hollender zasłynął jako twórca znaków takich jak: Pekao (1956), Tarchomińskie Zakłady Farmaceutyczne „Polfa” (1956), Centrum Zdrowia Dziecka w Warszawie (1972), Fabryka Płyt Gramofonowych „Pronit” (1959), oraz „Projekt” (1962). Książka wypełnia istotną lukę w historii polskiego designu XX wieku. Katalog składa się z dwóch części. Pierwsza krótko opisuje biografię Jana Hollendra i przedstawia jego najbardziej znane prace. Druga część to prezentacja ponad 100 znaków wybranych spośród 250 zwektoryzowanych projektów. Książka została wydrukowana na dwóch rodzajach papieru, aby wyraźnie oddzielić poszczególne sekcje. Okładka zadrukowana Pantone w kolorach miedzianym i neonowym pomarańczowym podkreśla klasyczny charakter sylwetki projektanta, zestawiając go ze współczesnym kontekstem. Publikacja wzbogaciła wiedzę na temat polskiej kultury wizualnej w dziedzinie znaku graficznego. Dzięki dwujęzycznemu wydaniu, książka zyskała popularność również wśród projektantów zagranicznych.

#Forma 

Poznajcie Svena Lądoloda, bohatera stworzonego przeze mnie na potrzeby identyfikacji wizualnej wystawy „Co potrafi lądolód?”. Zakres opracowania podzielony został na dwa etapy: pierwszy – materiały promujące ekspozycję (plakaty, citylighty, grafiki przeznaczone do prasy i mediów społecznościowych) oraz drugi – informacja wizualna towarzysząca wystawie, w postaci szeregu mało i wielkoformatowych infografik, tłumaczących różnorakie procesy wpływające na kształt poznańskiego krajobrazu na przestrzeni dziesiątek tysięcy lat. Tematyka, z którą przyszło mi się mierzyć, nie należy do moich koników, tym bardziej uznałam, że może to być świetny pretekst do zaprojektowania infografik. Przy ich tworzeniu będę musiała bowiem zadać szereg pytań, które potencjalnie zadałby zwiedzający wystawę. 
Aranżer ekspozycji założył, że wystawa będzie miała dosyć nietypowy kształt, a mianowicie nabierze ona iście sportowego charakteru i na polu pięciu dostępnych do zwiedzania przestrzeni, przeniesiemy się do sali gimnastycznej, której klimat niektórzy z nas mogą kojarzyć sprzed wielu lat… Po wsłuchaniu się w zagadnienia dotyczące ekspozycji oraz w jej koncepcję, a także po ustaleniach dotyczących tytułu, przyszedł mi do głowy On – bohater wystawy, który zdeterminował kolejne ruchy związane z powstającą ekspozycją i to nie tylko od strony graficznej, ale przede wszystkim merytorycznej. Kuratorka wraz z innymi współodpowiedzialnymi za wystawę osobami, stworzyła treści w odniesieniu do naszego mroźnego olbrzyma, który od tego momentu przyjął imię Sven (lądolód przybył do nas ze Szwecji). W pierwszej sali, poprzez znajdujące się tam infografiki, poznajemy naszego gruboskórnego (3 km grubości) kolegę. Dowiadujemy się o faktach dotyczących jego budowy, siły i możliwości, w czym pomagają nam różnorakie sposoby wizualizacji informacji. W sali drugiej stykamy się z wielką makietą, w której sami nadajemy bieg poznańskim rzekom, w czym pomagają nam mapy związane z określonymi czasami w historii miasta. Makiecie towarzyszą też infografiki odnoszące się do walki naszego olbrzyma z poznańskimi rzekami oraz informacje zamknięte w formie stylizowanych na stare gazety plansz. Dolna część ekspozycji to lodowcowa siłownia, w której zwiedzający – dosłownie – wciela się w Svena Lądoloda, próbując swoich sił podczas określonych ćwiczeń fizycznych, którym towarzyszą instrukcje obsługi, a także infografiki odnoszące się do powtarzalności danych ćwiczeń i ich skutków. Znajdziemy tam także biuro podróży, kierujące nas do mapy Poznania, a także topografii samego budynku Galerii Śluza. Ta mieści się bowiem w zabytkowej architekturze dawnej Śluzy Katedralnej oraz w bezpośrednim sąsiedztwie rzek Cybiny i Warty, co zdeterminowało sposób projektowania informacji, która stała się elementem kluczowym w budowaniu narracji ekspozycji. Identyfikacja wizualna: Agata Kulczyk Kuratorka: Anna Pikuła Teksty: Anna Pikuła, Olga Tarczyńska-Polus, Dawid Barbarzak Aranżacja: Wojciech Luchowski Foto: Weronika Trojanowska

#Idea 

Zainspirowana twórczością hongkońskiego reżysera Wong Kar Wai’a, zaprojektowałam album poświęcony jego filmografii. Moim celem było stworzenie publikacji, która byłaby dostępna na festiwalach filmowych, jak np. Festiwal Pięciu Smaków. Projekt powstał, aby widzowie po obejrzeniu filmu, mogli z takiej pozycji uzupełnić swoją wiedzę o kontekst Hong Kongu lat 90 tych, ale też elementy biografii reżysera. Album może pełnić formę pamiątki z wydarzenia, ponieważ zawiera kadry z filmów Wonga. W celu wzbogacenia doświadczenia z poznawania historii reżysera czytelnik może zeskanować "spotify code" do utworów z poszczególnych filmów. Zainspirowana charakterystyczną stylistyką Wong Kar Wai'a pełną rozmyć i rozedrganych kadrów zastosowałam na rozkładówkach gradient, który stopniowo przechodzi przez całą publikację od intensywnie czerwonego po żółty. Reżyser lubił eksperymenty formalne, dlatego jako banderole wykorzystałam czerwoną folię w postaci filtra do światła, na której wydrukowałam kadr z filmu.

#Świeża Krew 

Plakat do francuskiego filmu "Vincent musi umrzeć" ("Vincent Must Die") w reżyserii Stéphana Castanga. Film opowiada historię mężczyzny, który budzi niekontrolowaną agresję u wszystkich osób, które napotka. Vincent doświadcza przemocy fizycznej i ciągłych ataków. To czarna komedia z elementami surrealizmu. Postanowiłem zaprojektować plakat, jakbym sam wpadł w szał na widok głównego bohatera i chciał go zabić. Papierową kartkę z jego wizerunkiem wielokrotnie przebiłem długopisem, którym na końcu zapisałem tytuł filmu. Ten agresywny proces znalazł odzwierciedlenie w charakterze plakatu. Projekt został bardzo pozytywnie przyjęty przez dystrybutora, publiczność, reżysera oraz środowisko projektowe. Stefan Sagmeister udostępnił plakat na swoim profilu na Instagramie.

#Idea 

Z okazji 65. rocznicy powstania Karkonoskiego Parku Narodowego zaprojektowaliśmy znak jubileuszowy. Szukaliśmy nawiązań do typografii i stylistyki z okresu powstania parku (1959 rok). Postanowiliśmy użyć fontu Neue Haas Grotesk Display Pro, który jest cyfrowym odwzorowaniem pisma Neue Hass Grotest, które zostało zaprojektowane w 1957 roku przez Maxa Miedingera. Zależało nam na prostocie przy jednoczesnym uzyskaniu stylu "retro". Zainspirowaliśmy się dawnymi turystycznymi emblematami, przypinkami i turystycznymi odznakami PTTK, starając się zawrzeć w projekcie także zniuansowane nawiązania do znaków z poprzednich jubileuszy KPN. Oprócz mocnych cyfr i wyrazistej stylistyki, ważne było dla nas umieszczenie w sygnecie symboli nawiązujących to tematyki parkowej. W znaku została umieszczona chorągiewka symbolizująca szczyt, tablica z oznaczeniem szlaku, drzewo iglaste oraz skała. Również kolory korelują z tematem przyrody. w Sygnecie pojawia się błękit nieba oraz zieleń nawiązująca do roślinności.

#Forma 

,,Brak świadomości społecznej w zakresie tematyki ryb jako zwierząt tzw. hodowlanych oraz ich hodowli powoduje, że — pomimo badań naukowych potwierdzających odczuwanie przez ryby bólu — zwierzęta te nie są objęte należytą ochroną, a tematyka ich cierpienia i ochrony w przestrzeni publicznej pozostaje niesłyszana. Nie rozmawiamy o wpływie hodowli ryb na klimat, bioróżnorodność, a w przestrzeni publicznej debata na temat warunków i standardów hodowli, traktowania i ochrony ryb — nie istnieje". Celem autorskiego projektu jest podniesienie świadomości na temat ryb, ich dobrostanu oraz sytuacji prawnej dotyczącej ochrony tych zwierząt. Książeczka obala mity, które narosły wokół ryb, i wyjaśnia rzeczywistość. Zebrane artykuły specjalistów ukazują tę grupę stworzeń w nowym świetle. Proces projektowy obejmował badania dotyczące świadomości ludzi na temat ryb (np. czy ryby są uważane za mięso? czy mogą odczuwać ból?), pogłębianie wiedzy poprzez liczne źródła naukowe, gromadzenie i selekcję tekstów informacyjnych oraz złożenie materiału w spójną, merytoryczną całość.

#Impakt 

Punkt wyjścia: Hip-hopowa płyta “KAM-RAP-POL” Kamila Pivota najpierw zrodziła się jako pomysł na tzw. concept-album, na którym każdy utwór opisywał inny pomysł na biznes. Dopiero na dalszym etapie prac powstał tytuł i pomysł na to, by wszystkie utwory na płycie nawiązywały poetyką do nazw polskich firm powstających w latach 90., np.: KAM-CAR, KAM-ŁUK, POL-KAM-TEL. Wtedy też pojawiło się wyzwanie - w jaki sposób wydanie i oprawa albumu może nie tylko korespondować z treścią utworów, ale też swoją formą nawiązać do płyt wydawanych w Polsce pod koniec lat 90 ? Pomysł: Kamil zwrócił się do mnie z pomysłem na identyfikację całego projektu jeszcze przed nagraniem płyty. Opowiadając mi o projekcie bardzo szybko wpadłem na pomysł, żeby podkreślić w mocny sposób założenie stojące za muzyką. Poetyka nazw polskich firm - znamy to wszyscy. Postanowiłem wykorzystać stylistykę typopolo, graficznych samoróbek, źle przyklejonych szyldów i całą oprawę wizualną pociągnąć w ten sposób. Egzekucja: Stylistyka lat 90, nietrafione zestawienia kolorów, błędy w składzie tekstu, odklejające się szyldy to wszystko widać w oprawie graficznej towarzyszącej albumowi. Każdy materiał od okładek digitalowych, przez napisy w klipach po wydanie cd jest opowieścią dokładnie o tym o czym są teksty Kamila. Na rynku muzycznym opartym o wysokobdużetowe sesje zdjęciowe, ai, mocne zestawienia kolorów udało się stworzyć coś bezpretensjonalnego a jednocześnie wyróżniającego się. Najważniejsze dla mnie było to, że udało się oprawą graficzną dopowiedzieć muzykę i pomysł na album - to było dla mnie kluczowe. Design: Jacek Walesiak Photos / Music Videos: Grzegorz Hospod

#Forma 

Femitype to kampania poświęcona kobiecej typografii. Jej głównym celem jest promowanie projektantek i ich twórczości. Bohaterkami projektu są: Małgorzata Bartosik, Gulia Boggio, Viktoriya Grabowska, Kateryna Korolevtseva, Zuzanna Rogatty oraz Anna Wieluńska. Projekt powstał z zamiłowania do krojów pisma. Porusza ważny dla mnie temat – wkładu kobiet w typografię – który przez wiele lat był pomijany. Moim celem jednak nie było skupianie się na warstwie historycznej, a przybliżenie sylwetek świetnych projektantek. Zaprezentowanie stworzonych przez nie krojów, zachęcając do dalszego zgłębienia ich twórczości. W ramach pracy nad projektem przygotowałam: identyfikację graficzną kampanii, serię sześciu plakatów prezentujących kroje różnych projektantek oraz materiały promocyjne – naklejki, pocztówki i koszulki (wykonane własnoręcznie sitodrukiem). Dodatkowo stworzyłam projekt strony internetowej (www.femitype.pl) łączącej strukturę bloga oraz biblioteki krojów. Realizując kampanię „femitype” udało mi się skontaktować ze wszystkimi sześcioma bohaterkami projektu, które postanowiły poświęcić mi swój czas udzielając wywiadów. Tym samym stały się one treścią głównego elementu całej pracy – ZINU. Kampania powstała w ramach dyplomu licencjackiego, realizowanego w pracowni projektowania graficznego na wydziale Sztuki Nowych Mediów, Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych. W lipcu 2024 roku została ona obroniona na 5 z wyróżnieniem. Promotorka główna projektu - dr Anna Światłowska.

#Świeża Krew 

UpComing to coroczna wystawa, która prezentuje najlepsze prace dyplomowe z dziewięciu wydziałów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Tegoroczna, 15. edycja pod tytułem HANDLE WITH CARE koncentruje się na temacie podróży — zarówno metaforycznej, jak i dosłownej — w której prace absolwentów są pakowane i wysyłane w ich zawodową przyszłość. Projekt wystawy i katalogu nawiązuje do motywów związanych z wysyłką i pakowaniem. W identyfikacji wizualnej wykorzystaliśmy materiały, takie jak karton i kolorowa taśma pakowa, a także elementy wizualne, jak etykiety dostawcze i symbole magazynowe. Każdy z dziewięciu wydziałów został oznaczony innym kolorem taśmy, co ułatwiało identyfikację i nawigację po wystawie i katalogu. Z 850 egzemplarzy katalogu każdy jest unikalny – ozdobiony ręcznie dziewięcioma kawałkami taśmy w różnych kolorach. Okładki wykonano z kartonu, a typografia została nadrukowana czarnym sitodrukiem. W projekcie wystawy głównym motywem stały się surowe materiały związane z przemysłem wysyłkowym, takie jak drewniane skrzynie i palety, stalowe konstrukcje i podajniki magazynowe oraz plastikowe kurtyny. Projekt identyfikacji wizualnej i katalogu: Ania Wieluńska, Claire Barrow Projekt wystawy i nadzór autorski: Łukasz Izert Processing: Piotr Welk Pełna lista osób odpowiedzialnych za projekt znajduje się pod załączonym linkiem.

#Forma 

Identyfikacja graficzna oraz zainicjowany przez studio noviki projekt wykładów na temat Ai – projekt wymiany wiedzy i badania pomiędzy specjalistami na Taiwanie dotyczący Ai - odbywający się na głownych uniwersytetach technicznych w Taipei. Identyfikacja graficzna projektu stworzona przez studio Noviki została opracowana wspólnie z Ai za pomocą modeli wytrenowanych do reprezentacji Taiwańskich Smoków oraz kolorów i form zaczerpniętych z flagi Taiwanu. Wykłady odbyły się między innymi podczas „Taiwan Design Week” w Taiwan Design Research Institute, National Taipei University of Technology, Ming Chuan University, Misty Book Store, National Taiwan Normal University oraz Shih Chien University. Dodatkowo odbyły się liczne spotkania z przedstawicielami wiodących tajwańskich organizacji związanych z designem, takimi jak Javin Mo ze studia Milkxhake, Jessie Chen z Circle Magazine, Tingyi S. Lin z National Taiwan University of Science and Technology, oraz członkami Taiwan Graphic Design Association i organizatorami Taipei Illustration Fair. https://poland.tw/web/tajwan/promocja-polskiego-designu-na-tajwanie video: https://vimeo.com/manage/videos/876056021 https://vimeo.com/manage/videos/876056128 dokładne info https://noviki.net/taipei/

#AI jako narzędzie 

Miasto–Moda–Maszyna to publikacja będąca uzupełnieniem narracji wystawy stałej w Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi. Publikacja jest merytorycznie niezwykle rozbudowana – zawiera bogato ilustrowany przewodnik po trzech piętrach i jednocześnie sekcjach wystawy, katalog obiektów muzealnych, eseje kreślące kontekst problemowy, historyczne tabele oraz liczne infografiki. Zróżnicowanie treści było projektowym wyzwaniem, bo w jednej, spójnej formie należało wprowadzić dużą liczbę rozwiązań typograficznych. Zastosowaliśmy dwa kroje pisma – ozdobny szeryfowy i prosty grotesk, co dało duży wachlarz możliwości. Cała publikacja została zaprojektowana w odcieniach naturalnej bawełny, grafitu nawiązującego do żeliwa i smaru maszyn włókienniczych, dymu fabrycznych kominów oraz żywego oranżu (piąty kolor w druku) – cegły łódzkich fabryk. Ważnym elementem publikacji jest równolegle prowadzona narracja fotograficzna – precyzyjnie dobrane fotografie archiwalne przeplatają się z wyrafinowanymi, współczesnymi zdjęciami detali maszyn tkackich oraz wyrazistymi portretami łódzkich robotników. Kolejnym istotnym elementem publikacji są szczegółowe i przejrzyste infografiki, schematy oraz rozbudowane tabele – dopracowane w najmniejszym detalu. Okładka został wydrukowana na ekologicznym papierze, o miękkich trawiastych włóknach, co zagwarantowało dużą elastyczność, przy jednoczesnej grubości, okładki i łatwość korzystania z przewodnika. Okładkowy kolaż zrealizowany w oparciu o archiwalne fotografie hali tkalni oraz autorskie liternictwo tytułu zostały wydrukowane sitodrukiem, co dało dużą wyrazistość, przy jednoczesnym zachowaniu struktury papieru. Efekt nierównomiernie poszarpanych włókien, przypominających strzępki bawełny został graficznie powtórzony na stronie tytułowej. Taki bawełniany pył unosił się w historycznych halach, obecnie salach muzeum. Z bawełny i poliamidu została wykonana tasiemka, a jej skład wydrukowany na niej nawiązuje do treści publikacji.

#Forma 

Szwendownik to książeczka dla wszystkich, którzy lubią się szwendać i są z tego dumni. Jeżeli, tak jak my (członkowie i członkinie Towarzystwa Krajoznawczego Krajobraz), na samą myśl o chodzeniu w różne miejsca bez celu czujecie dreszcz ekscytacji – to coś dla was. W środku znajdziecie 30 miejsc w Polsce wartych odwiedzenia. Są trochę na uboczu, ukryte obok oficjalnych atrakcji turystycznych. A przecież mogłyby stać się perłami w koronie polskiego krajobrazu. Dlatego naszej publikacji nadaliśmy podtytuł „nowy kanon krajoznawczy”. Tworzenie kanonów, czyli zestawień miejsc i tras, które trzeba znać, to element tradycji krajoznawczej. Tę sięgającą XIX wieku tradycję połączyliśmy z konwencją albumów z naklejkami z lat 90. XX wieku. Każdemu z miejsc odpowiada obrazek, który możecie nakleić po jego odwiedzeniu. Wystarczy, że podczas wyjazdów turystycznych czy służbowych zawsze będziecie mieć przy sobie Szwendownik. Może akurat trafi się dzień wolny żeby się powłóczyć? W ten sposób możecie stopniowo odkrywać kolejne punkty kanonu. Nie wyznaczamy wam na to dedlajnu. Nie będziemy sprawdzać, czy nie oszukujecie z naklejkami. Nie musicie „uzbierać ich wszystkich”. W ogóle nic nie musicie. Po prostu w drogę i widzimy się na szlaku. Powodzenia!  Informacje techniczne: Książeczka o formacie 105x150 mm Okładka twarda, oklejona płótnem z sitodrukiem Oprawa szyta i klejona Druk offsetowy, czarny + pantone Projekt graficzny i ilustracje: Zofia Janina Borysiewicz Wybór miejsc i teksty: Jan Mencwel, Szczepan Żurek Redakcja: Justyna Chmielewska Towarzystwo Krajoznawcze Krajobraz: – razem z mieszkańcami tworzymy nietypowe mapy i szlaki turystyczne – opracowujemy współczesne przewodniki krajoznawcze – tworzymy wystawy i strony internetowe, promujące historię i dziedzictwo miejsc – organizujemy mikrowyprawy – prowadzimy mobilne muzeum w przyczepie kempingowej

#Idea 

Zgłoszeniem jest publikacja herstoryczna i queerstoryczna, podsumowująca projekt i wystawę "Krzycz, Siostro, krzycz!". W niej kontynuujemy wątki łączące dzieje XX wieku ze współczesnością. Historie naszych bohaterek dają wgląd w traumatyczne losy kobiet w czasach narodowego socjalizmu. Dyskryminowano i prześladowano je ze względu na żydowskie pochodzenie, bezrobocie, pracę seksualną, chorobę dziedziczną, zaangażowanie polityczne czy orientację seksualną. Odarto je z godności i człowieczeństwa, a niektórym odebrano również prawo do życia. Przeważnie nie mogły opowiedzieć własnej historii, dlatego tak ważne było dla nas, aby na stronach tej książki oddać im głos. Jako projektant starałem się nie ulec pokusie epatowania traumą związaną z Zagładą. Chciałem zniuansować przekaz. Ideą stojącą za projektem było stworzenie kontrastu, zestawienie przeciwieństw. Chciałem też nawiązać do istniejących w nas skojarzeń i doświadczeń związanych z przeszłością. Wywołać nostalgię. W to doświadczenie chciałem ingerować wprowadzając dysonans. Więc z jednej strony projektowałem publikację mającą przywoływać wyszukane formy przywołujące błogie wspomnienie tradycji, elegancji, porządku. Tekst zbudowany jest z eleganckiej antykwy renesansowej zapewniającej wygodę czytania. Tym też podyktowany jest dwułamowy układ tekstu ciągłego. Centralny układ stron wzmacniany jest trójłamowym składem bogatych przypisów dolnych. Uwagę czytelnika mają przyciągać złożone centralnie wyimki. Żywa pagina staję się jakby niedbałym, odręcznym dopiskiem na łączeniu stron. Zastanawiałem się nad znanym nam błogim doświadczaniem przewracania stron starych ksiąg. Dotyku ich pożółkłych marginesów na drzewnym papierze. Dzięki dodatkowemu kolorowi PANTONE udało mi się wywołać adekwatne wrażenie. Zestawienie białego kredowego papieru z reprodukcjami (też lekko pożółkłego) z naturalnym, drzewnym miało podobny cel – przywołania w pamięci obcowania ze starymi wydawnictwami. Mając już uchwycone to doświadczenie wprowadziłem dysonans w postaci ilustracji gdzie motywy towarzyszące wystawie wydają się być zniszczone przez czas, przez złej jakości techniki reprodukcyjne, ale też przez czyjeś intencjonalne destrukcyjne działanie. Efekt ten udało uzyskać eksperymentalną metodą druku na papierze termicznym, który następnie był odpowiednio zgniatany i szarpany. Publikacja zawiera 29 ilustracji stworzonych w ten sposób. Bezpośrednią inspiracją tych ilustracji była reprodukcja zdjęcia na kartach z Jad Waszem przedstawiającego zamordowaną przez faszystów Lilkę Dzierzgowską, ciotkę jednej z autorek tekstów. Ostatnia strona okładki przedstawia niewyraźny portret kobiety z naniesionym na nim śladzie kreślenia i wymazywania. Jako wyraz szacunku dla poruszanych w publikacji tematów powtórzyłem własnoręcznie ten gest za pomocą odpowiednio stępionego narzędzia. Zrobiłem to na tysiącu egzemplarzach książki. Książka została stworzona dzięki środkom Fundacji Pamięć, Odpowiedzialność i Przyszłość (Stiftung Erinnerung, Verantwortung und Zukunft). Fundacja zarządza środkami przekazanymi przez przedsiębiorstwa, które w czasie drugiej wojny światowej wykorzystywały pracę niewolniczą Polaków. nakład: 1000 egzemplarzy, wyprodukowano na papierach: Mirror silver gloss 300 g/m2, Munken Print Cream 18 80 g/m2, papier kredowy 115 g/m2 złożono pismami: Calluna, Calluna Sans, Adobe Garamond Pro. Wydawca: Centrum Sztuki Współczesnej Kronika Druk: Centrum Usług Drukarskich Henryk Miller, Ruda Śląska redakcja: Paweł Wątroba tekst: Agata Cukierska, Julian Czurko, Anna Natalia Dzierzgowska, Joanna Ostrowska, Zuzanna Sokołowska, Paweł Wątroba Zdjęcia: Iwona Sobczyk Projekt graficzny, skład, łamanie, ilustracje, zdjęcia: Marcin Wysocki

#Idea 

Publikacja „Pozwól mi odnaleźć mój dom: Pustka” powstała na podstawie pracy teoretycznej, napisanej pod opieką dr hab. Luizy Nader, w której zastanawiam się nad pojęciami: dom, ojczyzna, wolność, nomadyzm i pustka. Praca jest efektem podróży w głąb moich wspomnień, w poszukiwaniu spokoju w pustce przestrzennej poprzez konfrontacje z pustką katastroficzną. Przy pomocy własnego archiwum fotograficznego, które zbierałam na terenie Białorusi i Finlandii przez ostatnie kilka lat, opowiadam moją historię utracenia domu i odnalezienia spokoju w pustce. Konstrukcja publikacji pozwala na tworzenie nowych znaczeń, w zależności od tego, w jaki sposób będą przewijane strony Pustki. Tworzą się nowe znaczenia także przy odczytywaniu leporello, które jest złożone językiem nomadycznym, który stworzyłam na podstawie tekstów mojej pracy teoretycznej. Pojęcie pustki jest wieloznaczne i jest moim wizualnym narzędziem do mówienia na tematy, o których boję się mówić na głos. Częścią dyplomu są dwa kroje pisma Rebel i Michail, zaprojektowane na potrzeby publikacji. Praca magisterska została zrealizowana na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w Pracowni Litografii i Publikacji unikatowych prof. Błażeja Ostoja Lniskiego.

#Świeża Krew 

Jedzenie ma ogromny wpływ na nasze zdrowie i samopoczucie. Kiedy jemy różne posiłki, wykorzystujemy także zmysły, które sprawiają, że możemy zacząć postrzegać daną żywność w inny sposób. Doświadczanie świata poprzez skupianie na wszystkich zmysłach umożliwia bardziej efektywne porozumiewanie się z innymi ludźmi, podwyższenie jakości życia (rozwój integracji sensorycznej), ćwiczenie uważności, zapamiętywanie konkretnych sytuacji i towarzyszących im emocji. Jedzenie czekolady najczęściej dostarcza bodźce wzroku, dotyku, węchu i smaku, a najrzadziej zwracamy uwagę na zmysł słuchu. Choco xperience to seria opakowań, które zawierają kody QR z partyturami z dźwiękami wybranej czekolady. Szata graficzna odnosi się do łamania i smaku poszczególnych czekolad: gorzka z migdałami, gorzka z pomarańczą, biała z pistacjami i biała z malinami.

#Forma 

Publikacja koncentruje się na problemach emocjonalnych opiekunów osób z chorobami otępiennymi i przechodzeniu procesu żałoby po stratach w relacji z podopiecznym. Powstała w reakcji na niską świadomość społeczną, brak wsparcia instytucjonalnego i konieczność radzenia sobie z nakładającymi się kosztami emocjonalnego obciążenia opieką nad osobami z demencją. Projekt ma być narzędziem wsparcia, zbierającym w przystępnej formie wiedzę o emocjach i stratach w żałobie, aby poprawić jakość życia opiekuna i chorego. Odpowiada on na deficyt treści otwarcie i w krótkiej formie mówiących o odczuciach i doświadczeniu opiekunów, jawnie nazywających i tłumaczących proces żałoby antycypacyjnej. Książka jest skierowana do opiekunów nieformalnych (takich jak członkowie rodziny lub inni bliscy), którzy bez specjalistycznego wykształcenia związanego z opieką, podejmują się jej świadczenia. Kumulacja trudności w sferze psychicznej, fizycznej, ekonomicznej oraz społecznej zaburza ich funkcjonowanie i zdrowie psychiczne, co ma istotny wpływ na jakość sprawowanej opieki, a tym samym jakość życia osoby z demencją. Zarówno treść jak i forma wspierają trudności poznawcze docelowego odbiorcy. Merytoryczna wiedza z literatury naukowej jest porcjowana i przełożona na prosty i język, i łączy się z opisem indywidualnych doświadczeń oraz przestrzenią na refleksję. Projekt to próba otwarcia na dialog społeczny – budowania rzeczywistego, wychodzącego od źródła obrazu stanu i potrzeb, systemu wsparcia zaczynającego się w najbliższym środowisku. Ma przyczynić się do ograniczenia stygmatyzacji w obszarze chorób otępiennych, szerząc istotną perspektywę opiekunów i indywidualne procesy żałoby. Licencjacki projekt dyplomowy powstał na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach pod przewodnictwem prof. dr hab. Tomasza Bierkowskiego i dr Natalii Pietruszewskiej-Golby. Za konsultacje merytoryczne opracowanej przeze mnie treści książki odpowiada dr Magdalena Leszko – psycholog i gerontolog.

#Świeża Krew 

Oprawa wizualna publikacji winylowej eurowizyjnego singla LUNY pt. "The Tower". Album został wydany w formie podwójnej koperty (record cover plus sleeve cover) z uszlachetnieniami w formie wybiórczo drukowanej błyszczącej folii UV. Matowe wykończenie oferuje wyrafinowane tło, które kontrastuje z selektywnymi, błyszczącymi elementami folii - takimi jak pola szachownicy i wieża szachowa - tworząc dynamiczną grę światła i cienia, która ujawnia się dopiero w bezpośredniej interakcji. Koncepcję graficzną uzupełnia czerwony, transparentny winyl. Projekt graficzny koncentruje się wokół trzech kluczowych elementów wizualnych: fotografii artystki, nowoczesnego kroju pisma i wzorze szachownicy. Dodatkowo nietypowe justowanie tekstu zostało kreatywnie wykorzystane do nadania wrażenia projektu będącego grą, eksperymentem. Całość tworzy spójną estetykę i uderzający efekt wizualny, który nabiera charakteru w bezpośrednim kontakcie z odbiorcą. Projekt wyszedł spod szyldu Universal Music Polska. Autorką fotografii jest Dorota Szulc. Oprawę wizualną zaprojektowała Angelika Bujak Kaplan.

#Forma 

BABA — świeży sposób patrzenia na kuchnię. Stworzyliśmy oprawę i narrację niewielkiego i mocno autorskiego wrocławskiego bistro, znanej szefowej kuchni – Beaty Śniechowskiej. System miał być pojemny, dający dużą dowolność a jednocześnie komunikujący bardzo wysoki, światowy poziom kuchni. Identyfikacja opiera się na efemerycznych manifestacjach BABY, które tworzymy, dokładając oczy do różnych przedmiotów, obrazów i kształtów. Korzystając ze zjawiska paraidoli, czyli dostrzegania znajomych kształtów w przypadkowych szczegółach, zachęcamy odbiorcę do zauważania baby w fizycznych obiektach lub plamach. Tutaj nie ma ograniczeń. Wyobraźnia is the limit. Zrobiliśmy serię organicznych kleksów, w których szukaliśmy różnych manifestacji BABY. Następnie posłużyły nam one do tworzenia materiałów ilustracyjnych online i offline. Przygotowaliśmy zestaw łatwych w użyciu elementów szablonów na media społecznościowe. Posty można zrobić samodzielnie, także w telefonie lub iPadzie. Zaprojektowaliśmy również subtelny branding naczyń, szkła oraz zaproszenia. Zespół projektowy: Tomek Jurecki, Julek Wierzchowski, Oksana Shmygol, Oliwia Zypser, Łukasz Wojtysko, Michał Róg, Jan Drozd, Mirek Kliś, Patrycja Mola Projekt wnętrz: Zuza i Piotr Paradowscy Zespół Baby: Beata Sniechowska, Tomek Czechowski

#Idea 

"Welcome to Warsaw" to zbiór 10 plakatów, stworzonych jako projekt dyplomowy w pracowni prof. Lecha Majewskiego na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Seria plakatów stanowi wizualny komentarz do Warszawy, jej charakterystyki oraz cyklicznych wydarzeń i festiwali. Prace ukazują różnorodne życie kulturalne miasta, podkreślając zarówno specyfikę poszczególnych wydarzeń, jak i unikalną atmosferę stolicy. Kolekcja balansuje pomiędzy pozytywnymi aspektami a bardziej wymagającymi, tworząc głębsze i ciekawsze spojrzenie na miasto."Welcome to Warsaw" to wizualna podróż przez miasto pełne kontrastów, która zachęca do eksploracji, inspiruje oraz celebruje fascynację tym niezwykłym miejscem.

#Świeża Krew 

THE INFINITE MAZE to unikalna gra zawierająca 20 ilustrowanych kart z labiryntami oparta na całkowicie nowatorskiej koncepcji. Karty można ułożyć w dowolnej kolejności, w ponad dwóch trylionach różnych kombinacji, ale zawsze jest tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Każda karta przedstawia swój własny, niepowtarzalny świat. Istnieje wiele sposobów gry: gracze mogą rywalizować ze sobą w wyścigu przez labirynt lub współpracować, aby zaprowadzić swoją postać do domu. Mogą odnaleźć postacie, które zagubiły się w każdym ze światów, i pomóc im w podróży przez labirynt, lub używać kart do opowiadania historii. Nieskończona liczba tworzonych labiryntów gwarantuje zawsze tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Gra składa się z 20 kart, ulotki z instrukcją, zmazywalnego markera oraz pudełka. Przeznaczona dla graczy od 6 roku życia została wydana w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych i Niemczech przez wydawnictwo Laurence King Publishing. Autorska koncepcja mechanizmu gry, a także ilustracje i projekt graficzny całkowicie stworzone zostały przez Aleksandrę Artymowską. Ze strony wydawnictwa projekt nadzorowany był przez Philipa Contosa i Florence Filose.

#Forma 

Realizacji projektu przyświecała potrzeba dbałości o wysoki standard i jakość na poziomie produktu oraz rozwiązań graficznych. Poprawa organizacji treści i skuteczności działania, przy jednoczesnym poszanowaniu przyzwyczajeń użytkowników a także spójne i charakterystyczne oznakowanie obszaru metropolii w kontekście transportu. Obszar GZM pod względem transportu miejskiego tworzy rozbudowaną sieć obejmująca 41 gmin. Wyzwanie stanowiła zmienność i zróżnicowanie np: przystanki obsługują od 1 do aż 35 linii, każdą linię cechuje różna częstotliwość kursów oraz ilość przystanków. Kluczem do znalezienia spójnego systemu informacji stał się klucz wizualny oparty na zdecydowanej kolorystyce, jasnej hierarchii informacji, modułowości i zauważalności, dobrych kontrastach czytelności. Powstałe elementy systemu zostały przebadane pod kątem czytelności w różnych warunkach odczytu i z perspektywy zróżnicowanej grupy użytkowników, w tym ze specjalnymi potrzebami. Projekt powstał w oparciu o wytyczne powarsztatowe w grupie osób z niepełnosprawnościami i zaopiniowany przez rzeczniczkę ds osób z niepełnosprawnościami. Modele i prototypy były konsultowane w obsługującymi i serwisantami w celu optymalizacji rozwiązania. – Rozkłady jazdy. Analizy i badania czytelności pozwoliły na określenie wytycznych projektowych: układów, wielkości typograficznych, stosowanych kontrastów i wysokości zamieszania informacji. Ze względu na skalę wdrożenia i częstotliwość wprowadzania zmian, zastosowano optymalne formaty i wielkości, standardowe i powszechnie dostępne arkusze drukarskie, dostępne materiały oraz technologie wykonania. Rozkłady jazdy zostały zaprojektowany przy wyżej wspomnianych wytycznych i jednocześnie dostosowane do używanego przez zleceniodawcę programu BUSMAN. – Słupki przystankowe. Funkcje zostały ściśle związane z potrzebami informacyjnymi, dodatkowo podlegały wytycznymi Ustawy o transporcie, Prawo o ruchu drogowym. W związku z dużą zmiennością informacji i jej ilości, forma nośnika musiała być modułowa i umożliwiająca łatwą i szybką do wymianę. – Oznakowanie wiat przystankowych. Zapewniają kluczowe informacje dla użytkowników przy jednoczesnym uwzględnieniu specyfiki nazewnictwa stosowanego w gminach a także możliwości montażu na różnych typach wiat, szybką i tanią wymianę informacji. Na wytyczne projektowe miały wpływ również różne formy własności i organizacja pracy stosowane w gminach.Jednym z kluczowych wyzwań projektowych było zaprojektowanie systemu we współpracy z instytucją, w której wielokrotnie zmieniała się kadra podejmująca decyzje oraz wytyczne dotyczące zakresu opracowania. Jednym z kluczowych wyzwań projektowych było zaprojektowanie systemu we współpracy z instytucją, w której wielokrotnie zmieniała się kadra podejmująca decyzje oraz wytyczne dotyczące zakresu opracowania. Dodatkowym wyzwaniem było stworzenie systemu możliwego do wdrożenia i realizacji przez zamawiającego w ramach istniejącej infrastruktury, z wykorzystaniem zatrudnionych pracowników oraz dostępnego parku maszynowego instytucji, a także zlecenie wykonania projektu w trybie przetargu, co wiązało się ze współpracą z różnymi wykonawcami, zmieniającymi się w trakcie trwania wdrożenia i codziennej obsługi infrastruktury przystankowej. Szczególną trudność stanowiło spełnienie kluczowej wytycznej dotyczącej niskich kosztów wykonania. Nie ukrywamy, że był to projekt wymagający wielu kompromisów, ale jako projektanci musimy stawiać czoła wyzwaniom związanym z opracowywaniem rozwiązań, które poprawiają jakość wizualną przestrzeni publicznej, integrują i scalają całość w rozległej przestrzeni metropolii, umożliwiają łatwą wymianę i eksplorację, a także charakteryzują się ponadczasowością.

#Instytucje 

W 2023 roku w studio Neue Archiv przy współpracy z FANGOR Foundation rozpoczęliśmy unikatowy w skali polskiej, wieloletni projekt badawczy nad rozbudową Catalogue Raisonné Wojciecha Fangora – polskiego malarza, rzeźbiarza, projektanta, architekta, badacza przestrzeni oraz astronoma. Zakres naszych działań obejmował m.in. rebranding Fundacji oraz wdrożenie projektu strony internetowej wraz z nowym, cyfrowym wydaniem Catalogue Raisonné. „Konstelacje” to interaktywna mapa wizualizująca chronologię oraz działalność twórczą Wojciecha Fangora. Celem projektu było stworzenie nowatorskiego, atrakcyjnego wizualnie i intuicyjnego narzędzia służącego rozszerzaniu dotychczasowej wiedzy oraz inicjowaniu nowych badań wokół życia i twórczości artysty. Zainspirowani zbudowanym przez Fangora w latach 80. obserwatorium astronomicznym w Summit (USA) opracowaliśmy własną wersję gwiazdozbioru życia artysty. Stworzona przez nas interaktywna mapa pozwala na przejrzystą wizualizację, przeszukiwanie oraz filtrowanie w oparciu o kategorie typologiczne i czasowe, złożonego zbioru informacji zagregowanego z licznych źródeł historycznych, archiwalnych oraz naukowych. Mapa opiera się na połączeniu geoprzestrzennych danych dotyczących miejsc pobytu i pracy artysty z rozbudowaną siatką relacji towarzyskich, znajomości, współprac, instytucji, wystaw oraz realizacji. Celem projektu jest naświetlenie możliwości spojrzenia z dwóch perspektyw na życie Fangora: skali makro – ujawniającej główne obszary intensywności twórczej aktywności oraz skali mikro – koncentrującej się na poszczególnych relacjach z osobami i instytucjami. Pojedyncze punkty uzupełnione są kartami opisowymi z dodatkowymi informacjami kontekstowymi oraz połączeniami z zasobami Catalogue Raisonné, a także źródłami zewnętrznymi m.in. Archiwum Wojciecha Fangora w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie. Zespół projektowy Neue Archiv: Maciej Harland, Ernesta Malina

#Idea 

„Zapakowane” to publikacja archiwizująca projekty polskich opakowań z okresu PRL. Projekt dyplomowy powstał w oparciu o zbiory archiwalne wielu instytucji kultury oraz prywatne archiwa cyfrowe. Książka przedstawia najciekawsze osiągnięcia liternicze i ilustracyjne tamtych czasów, mając na celu odkrycie i ożywienie wciąż aktualnych projektów opakowań. Efektem procesu pozyskiwania materiałów są opakowania, które przetrwały próbę czasu, często ukryte lub schowane przez ówczesnych użytkowników. Dzięki współczesnym technologiom i żywym kolorom nadaję drugie życie tym w większości anonimowym projektom. Publikacja stanowi bazę inspiracji, która może być alternatywą dla powtarzających się globalnych trendów oraz wspierać kształtowanie polskiej tożsamości projektowej. Zebrane przykłady wyróżniają się lekkością i minimalizmem, wynikającym z ograniczonych środków i narzędzi użytych przy ich tworzeniu. Dominują w nich proste, kolorowe formy geometryczne, odręczne liternictwo oraz ilustracje, które wspólnie tworzą atrakcyjne kompozycje. Wybrane projekty opakowań z czasów PRL są szczególnie interesujące w dzisiejszych realiach, kontrastując z przeładowanymi informacjami produktami na półkach sklepowych. Ilustracje w ciekawy sposób odzwierciedlają zawartość opakowania, bawiąc się formą i zastosowaniem produktu. Cennym elementem tej publikacji jest zbiór rozwiązań typograficznych, które zaskakująco dobrze wpisują się we współczesne trendy, zastępując komputerowe fonty odręcznymi kompozycjami. To one nadają książce alfabetyczny porządek, rozpoczynając każdy rozdział najciekawszą literą wyjętą z opisywanego opakowania. Kluczowym aspektem digitalizacji tych projektów była analiza polskich znaków diakrytycznych, które rzadko pojawiają się w zagranicznych projektach.

#Świeża Krew