Przygotowaliśmy charytatywny, ręcznie numerowy kalendarz z dwunastoma dziecięcymi marzeniami, które zostały bezinteresownie zwizualizowane przez czołówkę polskich ilustratorów. Nasz pomysł na ten projekt opierał się na połączeniu dziecięcej wrażliwości z warsztatem i wyobraźnią osób, które profesjonalnie zajmują się sztuką ilustracji. W pierwszej kolejności ogłosiliśmy w social mediach konkurs i poprosiliśmy dzieci o podesłanie nam własnej autorskiej pracy plastycznej zatytułowanej ”MOJE NAJWIĘKSZE MARZENIE”. Z puli nadesłanych marzeń wspólnie wybraliśmy 12 najciekawszych projektów, które następnie zostały przekazane 12 wspaniałym ilustratorom, do przygotowania autorskiego REworku. Swoje interpretacje graficzne zgłoszonych prac udostępnili nam: Patrycja Podkościelny, Barrakuz, Gosia Herba, Tymek Jezierski, Maria Regucka, Beata Rojek, Karol Banach, Jan Kallwejt, Hanna Kmieć & Katarzyna Cichosz (studio.kmicic), Maciej Wolański, Jarosław Danilenko, Paulina Kozicka. Finalnie kalendarz został charytatywnie wydrukowany i przekazany fundacji w określonym nakładzie na cele statutowe. Całość prac trwała około 9 miesięcy.

#Impakt społeczny 

Kampania plakatowa, wykonana w ramach promocji pojawienia się w Gdańsku firmy Objectivity. Powstało 9 projektów plakatów, które były wystawione w przestrzeni miejskiej, w komunikacji publicznej, świecie internetu i finalnie na ścianie jednego z budynków. Projekty zakładał połączenie trzech "światów". Polski - za pomocą językowych łamańców, charakterystycznych dla naszego kraju, polskich znaków i słów które zostały narzucone przez "świat IT". Gdańska - na plakatach występowały symbole, budynki które występują w przestrzeni miejskiej Gdańska. Anglii - chcieliśmy przekazać też, że firma Objectivity pochodzi z Wielkiej Brytanii, dla tego zdecydowaliśmy się na użycie kolażu i w przypadkach animacji, na styl Monty Python-a, który bez wątpienia łączy się z tym światem.

#Forma 

Identyfikacja wizualna Tracts, grupy roboczej naukowców, zajmujących się badaniem zmian klimatycznych, socjologicznych, i technologicznych za pomocą trackowania śladów. Logotyp bezpośrednio nawiązuje do tej idei - łapiąc fragmenty obrazów, zjawisk, liter w jeden ciagły zna. Idea ta tworzy całość identyfikacji.

#Forma 

Projekt polegał na całościowym opracowaniu albumu muzycznego. Głównym elementem projektu jest autorska ilustracja, która znajduje się na całej powierzchni projektu (wewnątrz i na zewnątrz).

#Forma 

Projekt powstał w wyniku współpracy studentów, wykładowców i uchodźców z uniwersytetu w Norymberdze jako element publicznej debaty na temat uchodźctwa i integracji z punktu widzenia nauki, obowiązującego prawa i europejskiej polityki migracyjnej. Perspektywę dopełniają osobiste historie ludzi zmuszonych do poszukiwania nowego domu na obczyźnie. W kontekście wzmożonej debaty publicznej projekt ten spełnia role fachowego źródła naukowych informacji dotyczących uchodźstwa i integracji oraz stanowi forum, na którym uchodźcy stając sie podmiotem, a nie przedmiotem debaty sami zabierają glos na swój temat. Osobom postronnym publikacja oferuje możliwość zapoznania sie nie tylko z problematyką tematu ale także przystąpienia do dialogu z "obcym/innym", ze społeczeństwem, a także sobą samym i swoimi przekonaniami. Kto wie — może "ten obcy" nie jest taki straszny ten jak go malują? Projekt powstał jako wielkoformatowa wystawa przenośna w listopadzie 2019. Niestety pandemia coronavirusa spowodowała, ze wystawa została na dwa lata zamknięta w magazynie i wykluczona z debaty publicznej. Zgłoszony projekt kieruje sie tu zasadą Mahometa i jako "wystawa w pudelku" przychodzi do odwiedzającego w sytuacji, kiedy odwiedzający nie może przyjść na wystawę, dzięki czemu ponownie staje sie ważnym akademickim i społecznym głosem w debacie o uchodźstwie i integracji. Publikacja stanowi rodzaj "wystawy w pudełku" i jest graficzną reinterpretacją pierwotnej, mobilnej wystawy, która w całości została wyprodukowana z tektury komórkowej. Na publikację składają się: zamykane pudełko z umieszczonym w dnie lustrem, dwujęzyczna (niemiecko-angielska) książka oraz 13 kart. Na książkę składa się opis faktograficzny sytuacji społeczno-prawnej uchodźców. Treść opisowa została uzupełniona licznymi infografikami, diagramami umieszczonymi na rozkładanych alonżach oraz zdjęciami. Na kartach znajdują się wizerunki uchodźców, ich osobistą wypowiedź oraz droga ucieczki. Lustro zachęca do konfrontacji z samym sobą, a przez to do konfrontacji z drugim człowiekiem. Każdy z nas jest przecież w pewnym sensie uchodźcą czy też wędrowcem. Publikacja ma charakter alarmujący, wyróżniają ją barwy ostrzegawcze: czarna i żółta, roboczy charakter (surowa tektura) i zdecydowana typografia. Przedstawione treści, zastosowane materiały i spójna forma graficzna poszerzają świadomość społeczną, skłaniają do refleksji i wzywają do działania, do bycia zaangażowanym, do pomocy. Dostępność projektu w księgarniach i jego atrakcyjna forma wizualna pozwala dotrzeć do kręgu osób niezaangażowanych w tematykę uchodźstwa i integracji, a przez to poszerzyć ogólną wiedzę i akceptację dla integracji w kręgach pozaakademickich. Publikacja przygotowana została z ogromną starannością i dbałością o detal, przez co przyciąga uwagę i unaocznia ważny, globalny problem społeczny. Dzięki oryginalnej formie publikacja staje się interesująca nie tylko dla osób aktywnie działających na rzecz uchodźców, porusza również tych, którzy wcześniej zdawali się problemu uchodźctwa nie dostrzegać. Staje się narzędziem w walce z wykluczeniem, głosem wzywającym do społecznej solidarności.

#Impakt społeczny 

Projekt znaku oraz całościowe opracowanie albumu muzycznego (CD, winyl, kaseta) dla zespołu jazzowego Bled. Punktem wyjścia do stworzenia projektu były inspiracje i referencje które dostałam od zespołu – klimat pustynny, książka Diuna. To elementy, które w jakimś stopniu miały byc motywem przewodnim. Pracę zaczęłam od projektu znaku graficznego, opartego na modularnej typografii. Następnym krokiem było przygotowanie materiałów promocyjnych na social media, plakatów i wizytówek. Kulminacją projektu było zaprojektowanie albumu muzycznego – CD, winyl i kasetę. Których głównym elementem była autorska ilustracja, oraz wcześniej zaprojektowany znak graficzny.

#Forma 

Ursa Mono jest fontem sprzecznym. Z jednej strony jego modułowa, prefabrykowana forma przywodzi na myśl brutalistyczną sowiecką architekturę, opresyjne wzornictwo, zamknięte struktury oraz łańcuchy. Z drugiej strony, użyte w innym kontekście, przeplatające się, łączące się na wielorakie sposoby litery przypominają tradycyjny haft i rękodzieło wywołując uczucie jedności, ciepła, harmonii. Jest jednocześnie wschodnioeuropejski i meksykański. – Teraz widzę, że Ursa Mono był podświadomie zainspirowany logotypem zakładów Ursus – przyznaje projektant. – Kiedy pracowałem nad tym fontem w 2021 r. nie byłem tego świadomy. Proces projektowania był jednocześnie medytacją i moją reakcją na informacje dotyczące dramatycznej sytuacji uchodźców na granicy polsko-białoruskiej. Dlatego zdecydowałem, że będzie to pierwsze wydawnictwo domu typograficznego TEKIO, a cały dochód przeznaczony zostanie na wsparcie rodzin, które utknęły w pułapce w lasach na granicy polsko-białoruskiej.

#Forma 

Portal internetowy „Katyń Pro Memoria” to wirtualny spaceru po nekropoliach Bykowni, Charkowie, Miednoje oraz Kuropatach. Za pomocą elementów wizualnych, muzyki, głosów znanych lektorów, budujemy w świecie cyfrowym przestrzeń, która opowiada trudną historię. Pracę nad rozszerzoną wersją serwisu – Katyń 2.0 – zbiegły się z zbrojną napaścią Rosji na Ukrainę w 2023 roku. Miejsca, które w nim prezentujemy, jak Charków, przestają istnieć. Serwis nie pełni jedynie funkcji „cyfrowego dodatku do podręcznika od historii". Staje się argumentem na „tak" w dyskusji o tym, czy rosyjską propagandę można pokonać. Jest też dowodem na to jak splątane ze sobą są losy Polaków, Ukraińców i Białorusinów. O tym, że serwis jest potrzebny świadczy fakt, że zapalono w nim już ponad 102 tys. wirtualnych świec. Serwis sprawia, że bohaterowie, ofiary zbrodni katyńskiej przestają być anonimowi. Katyń Pro Memoria prezentuje imiona, nazwiska i historię ich życia, możemy zapalić dla uczczenia ich pamięci wirtualne światło pamięci. Pierwsza wersja serwisu – Katyń 1.0 – była ograniczona do prezentacji cmentarza katyńskiego. Wraz z jego rozwojem o kolejne nekropolie konieczne okazało się stworzenie animacji oraz zaprojektowanie mapy, która poprowadzi użytkownika przez nowe obszary. Mapa musiała być responsywna i spełniać wymogi dostępności. To, że tak skomplikowany wizualnie serwis spełnia wymagania WCAG jest bardzo dużym wyróżnikiem tej realizacji. Naszym zadaniem nie było wierne odwzorowanie poszczególnych nekropolii, ale oddanie ich charakteru oraz zaprezentowanie w każdej z nich innego aspektu sowieckich zbrodni. Stworzyliśmy animacje-intro, która prezentuje wszystkie dostępne nekropolie. Użytkownik wie po jakich obszarach będzie się poruszać. Może podążyć zaproponowaną ścieżką lub samodzielnie wybrać kierunek zwiedzania. W każdym obszarze znajduje się inny obiekt, który reprezentuje inny aspekt Zbrodni Katyńskiej.

#Forma 

Zaczynając pracę nad tym projektem postanowiliśmy skupić się na tym czym film jest dla twórców i odbiorców. Chcieliśmy pokazać, że film jest medium niezwykle otwartym i wielowątkowym, w którym jest miejsce na różne emocje i sposoby patrzenia. Film, takim jak rozumieją go twórcy festiwalu, potrafi być inkluzywny i demokratyczny. Żaden z elementów graficznych brandingu nie był ograniczony przez sztywne zasady, nie chcieliśmy aby identyfikacja festiwalu, który ma pokazywać nieokiełznaną kreatywność twórców filmowych, też była otwarta i (w granicach rozsądku) nieokiełznana. W ramach prac projektowych nad identyfikacją wizualną festiwalu przygotowaliśmy m.in. serię plakatów, clip promocyjny, całą serię postów i animacji wykorzystywanych w mediach społecznościowych, publikację festiwalową oraz nagrody i dyplomy dla zwycięzców i uczestników. Ważne było dla nas aby nowa identyfikacja wizualna sprawdzała się nie tylko jako statyczna grafika plakatu. Chcieliśmy by było w niej sporo elementów ruchomych, animowanych. Bo film to przecież ruchome obrazy! Link to klipu otwierającego finałową galę festiwalu: https://vimeo.com/manage/videos/767278089/640c16f76f i pozostałych animacji: https://vimeo.com/manage/videos/767289152/f8ac5f4470 https://vimeo.com/manage/videos/767289254/65727956fc https://vimeo.com/manage/videos/767289384/28351e5b74 https://vimeo.com/manage/videos/767289510/9cac1bb345 https://vimeo.com/manage/videos/767289549/4c032a0e95 “... Identyfikacja i materiały są istotne również dla uczestniczek i uczestników, doceniają poziom i czują się ważni. Nagrody, materiały informacyjne i promocyjne, statuetki – zachwycają. To dodaje skrzydeł i motywuje, wszystkich zaangażowanych.” (Dariusz Janiczak, twórca festiwalu FIlmOn) Nad projektem pracował zespół Admind (admindagency.com) w składzie: Design Lead / Koncepcja: Andrzej Leraczyk Project Manager / Koordynacja: Magdalena Darmobit Projektanci: Andrzej Leraczyk, Marco Couto, Katarzyna Klebert, Anna Niklewicz, Aleksandra Sznapka.

#Impakt społeczny 

Planer MOC - Mapa Obserwacji Cyklu - to pierwszy w Polsce planer ułatwiający obserwację siebie i planowanie zajęć względem cyklu hormonalnego. Dzięki wsparciu wielu osób, które uwierzyły w nasz projekt i pomogły zakończyć sukcesem prowadzoną przez nas kampanię crowdfundingową, udało nam się zebrać 23 849 zł i wydać MOC. Świadomość i obserwacja cyklu miesiączkowego to innowacyjna metoda profilaktyki zdrowia i dbania o dobrostan. Uważamy, że wszyscy powinni mieć dostęp do tej wiedzy! Gdy natrafiłyśmy na ogrom wiedzy, jaki daje samoobserwacja i śledzenie swojego cyklu, poczułyśmy, że MUSIMY się tym podzielić! Na polskim rynku brakowało narzędzi, które ułatwiłyby obserwację własnego rytmu hormonalnego i planowania w zgodzie z nim. My to narzędzie stworzyłyśmy. Wahania hormonów względem cyklu mają wpływ na (między innymi!): poziom energii prędkość zapamiętywania potrzebę działania skłonność do podejmowania ryzyka nastawienie do świata stan emocjonalny humor potrzebę kontaktu pewność siebie wygląd ciała samoocenę apetyt problemy jelitowo-żołądkowe uczucie senności nawet na możliwości sportowe planer składa się z 3 części: 1. Baza wiedzy: Wartościowa wiedza, wskazówki i porady dotyczące cyklu, miesiączki i dbania o siebie, zilustrowana pięknymi grafikami. Żeby wyjaśnić jak hormony na nas wpływają korzystamy z metafory pór roku w cyklu. Dzięki temu dużo łatwiej zrozumieć i zaobserwować swój własny naturalny rytm. W tej części znajdują się również informacje, jak korzystać z planera, aby w pełni wykorzystać jego potencjał. 2. Roczny planer niedatowany: Część do zapisywania zadań i spotkań na wzór tradycyjnych kalendarzy, wzbogacona przypominajkami o badaniach, takich jak samobadanie piersi czy cytologia. 3. Trackery: Dwanaście autorsko zaprojektowanych tabelek do obserwacji cyklu na cały rok. Korzystając z nich można śledzić 3 wybrane przez siebie elementy takie jak nastrój, energia, produktywność, emocjonalność, drażliwość lub inne.

#Impakt społeczny 

Jogra - karty jogi i gra dla dzieci, to autorski projekt Warsztat Joga, który pojawił się w sprzedaży w marcu 2022. Prototypowanie miało miejsce pod koniec 2021 roku. Prace na kartami, grą i wszystkim innymi dodatkami trwały ponad 2 lata. Gra jest ekologiczna i zachęca dzieci do aktywności, a także pobudza ich kreatywność. Jogra została wydana w niewielkim nakładzie 300 sztuk. Zawiera 65 kart podstawowych, drewniane kości, plansze oraz planszetki do rozgrywek. Na kartach zwierzęta zamieszkujące polskie lasy praktykują jogę. Idea kart nawiązuje do łączności z naturą, stąd pomysł, aby leśne zwierzęta z lasów polskich wcieliły się w rolę instruktorów jogi, a produkty z których są wykonane były w pełni eco friendly. Karty zostały wydrukowane na papierze ekologicznym, niepowlekanym, w 100% recyklingowym z domieszką włókien suszonej trawy. Papier posiada certyfikat FSC. Druk zrealizowała drukarnia Recyklus. Jogra jest dostępna w dwóch wersjach opakowania. W drewnianym pudełku albo lnianym woreczku. Pudełka zostały wykonane z drewna topoli. Wierzch i spód ze sklejki liściastej. Dodatkowo pudełka zostały zaolejowane przyjaznym dla dzieci środkiem. Pudełka wykonała stolarnia 4 Timber. Woreczki zostały uszyte z polskiej tkaniny lnianej, zakupionej w Alternative Textiles. W środku woreczka znajduje się specjalny tunel na kości i znaczniki zwierząt. Woreczki zostały uszyte ręcznie, lokalnie. Leśne zwierzęta oraz całą oprawę graficzną Jogry stworzyła Renata Orzeszek prowadząca pracownię projektową Bez szablonu przy współpracy graficznej Agaty Żelechowicz. Pomysłodawcą i wydawcą Jogry jest Ewa Kołaczyńska, założycielka Warsztat Joga.

#Proj. przyjazne środowisku 

Zgłoszenie dotyczy serii ilustracji w przestrzeni stałej wystawy narracyjnej w Muzeum im. Marii Konopnickiej w Suwałkach, będącym filią Muzeum Okręgowego w Suwałkach. Projekt był dofinansowany z funduszy unijnych w ramach projektu Interregio. Takiej wystawy jeszcze w historii muzealnictwa nie było. Konwencja jest niespotykana: widz wchodzi do głowy Marii Konopnickiej, śledzi jej myśli, uczucia, wspomnienia i sny — poetyckie impresje dotyczące ważnych wydarzeń, emocji, traum, wyparć, życiowych dylematów. Najważniejszy jest scenariusz, wzorcowo skonstruowany pod względem napięć i zwrotów. Żeby myśli Marii stały się namacalne użyliśmy najnowocześniejszych środków wyrazu — dziesiątek stanowisk multimedialnych i interaktywnych, odważnych stylistycznie grafik. Imersja i emocje to nasze priorytety. Częścią wystawy są etiudy filmowe, słuchowiska dźwiękowe, animacje i poetyckie instalacje scenograficzne. Wszystko w bliskiej surrealizmowi estetyce, ale nie zabraknie również współczesnych wtrętów popkulturowych (np. science-fiction). Na wystawie znajduje się największa w Europie projekcja wideo typu Pepper's ghost. Moje ilustracje wpisują sie w klimat i narrację wystawy — stanowią emocjonalny dodatek, komentarz naszej protagonistki Marii. Świadczą o procesach w głowie Marii Konopnickiej, dodają kolejnych pięter do jej rozważań. Wystawa jest narracyjna nie tylko z nazwy, czyli wszystkie środki wyrazu, które zapropnowałem służą do rozbudowania opowieści. Opowieść (fabuła) jest w przypadku niniejszej wystawy1 najważniejszym aspektem oddziaływania na widza. Obrana konwencja przedstawienia biografii Marii Konopnickiej, jako ciągu jej wspomnień — wędrówki po zakamarkach jej umysłu, jest podyktowana introwersją bohaterki naszej opowieści. Energię do działań (a przecież działania, motywy tych działań i dylematy przed ich podjęciem są istotą każdej opowieści) Konopnicka czerpała z wnętrza swojej sfery psychicznej. W jej umyśle tkwi największy potencjał narracyjny: bujna wyobraźnia, własny „filtr poznawczy”, błędy i przekłamania w postrzeganiu rzeczywistości, marzenia, ambicje, mozaiki emocji, przenikające się (czasami przeciwstawne) światopoglądy, wyparcia, przeniesienia. To wszystko jest tematem niniejszego zbioru ilustracji.

#Proj. dla int. publicznych 

Od kilku lat interesuję się działalnością zapomnianych i przemilczanych graficzek tworzących w okresie PRL-u (1945–1989). Jak w wielu innych dziedzinach, także na tym polu kobiety były i są niedoceniane. Jakiś czas temu zorientowałam się, że w środowisku akademickim i graficznym osiągnięcia starszych graficzek są zasadniczo w ogóle nieznane. Pomija się je także w literaturze przedmiotu, w większości opracowań zbiorowych czy jubileuszowych dotyczących powojennej historii polskiego projektowania graficznego. Gdy zainteresowałam się tym tematem, zaczęłam odkrywać kolejne twórczynie i kompletować archiwum ich prac, zbierać wszelkie informacje o ich życiu i aktywności artystycznej. Projektowi temu poświeciłam profil na Instagramie, którego celem jest opowiedzenie historii tych zdolnych kobiet. Prezentuję na nim ich realizacje graficzne, opisuję życie, dzielę się relacjami ze spotkań z nimi.

#Impakt społeczny 

Projekt jest przykładem na to, że w konserwatywnych instytucjach znajdują się osoby otwarte na zmiany, że wprowadzenie nowoczesnego języka graficznego jest w kontekście historycznym możliwe. Projekt opiera się na nowoczesnej typografii, żywej kolorystyce, zachęcających layoutach i lakonicznego sposobu komunikacji, dostosowanego do wymogów webu. Jest też dowodem na to, że instytucje publiczne można przekonać, by nie kierować się tym, co podoba się pojedynczym osobom, ale określić cele i stworzyć projekt, który przyniesie założone w briefie efekty. Zakres – analiza tego co należy zmienić w identyfikacji wizualnej i komunikacji projektu, zdefiniowanie celi, projekty: znak, layouty drukowane, layouty cyfrowe (media społecznościowe, serwis www), animacja przewodnia, koncepcja i realizacja serwisu internetowego www.archiwumpamieci.pl (UX, UI, implementacja IT, koncepcja funkcjonalności ułatwiających przekazywania pamiątek), koncepcja komunikacji w zakresie haseł i języka projektu. Realizacja serwisu archiwumpamieci.pl – Superskrypt

#Proj. dla int. publicznych 

Głównym celem projektu „Świteź” jest popularyzacja i chęć zainteresowania „Balladami i romansami” Adama Mickiewicza osób młodych, które na co dzień niechętnie sięgają po klasykę, za to lubią literaturę fantastyczną i gry. Na projekt składa się gra karciana, opracowana przez znanego game designera Wojciecha Rzadka i prof. Tomasza Majkowskiego oraz internetowa platforma wiedzy stworzona przez prof. Pawła Bukowca z Wydziału Polonistyki Uniwersytetu Jagiellońskiego. Zrealizowano także cykl szkoleń dla nauczycieli i bibliotekarzy, dotyczących wykorzystania efektów projektu w praktyce czytelniczej oraz cykl turniejów gry dla młodzieży (m. in. wśród młodzieży polskiej w Solecznikach i w Budapeszcie). Dotychczasowe doświadczenie i ogromne zainteresowanie odbiorców pokazują, że tego typu podejście do klasycznej lektury okazało się bardzo trafione. W skład gry wchodzi 9 kart Ballad oraz 46 kart Motywów. Na karcie Ballad znajdują się ilustracje do wybranych dziewięciu utworów „Ballad i romansów", odpowiadający im cytat oraz zestaw 5 ikon, które stanowią symbole ilustracji kart Motywów. Na rewersie każdej z kart znajdują się kody QR, które po zeskanowaniu kierują wprost na interesujące nas zagadnienie na platformie wiedzy – www.mickiewicz.promocjaksiazki.pl W grze karcianej bardzo ważną rolę pełnią ilustracje. Chcieliśmy odejść od tradycyjnych wyobrażeń, przedstawiających bohaterki Ballad i romansów z rozwianym włosem, w zwiewnych koszulach. Zadanie znalezienia współczesnej formy graficznej dla kanonicznego dzieła postawiliśmy przed Anną Pałosz – artystką specjalizującą się w syntezie i poszukiwaniu prostych, wyrazistych rozwiązań. Jej pomysły były inspirowane folklorem pogranicza litewsko-białoruskiego, a więc terenów „domowych” Mickiewicza. Zainteresowanie stroną graficzną gry były na tyle duże, iż powiększyliśmy ilustracje rozmiaru karty do pokera do wielkiego formatu i pokazaliśmy je na samodzielnych wystawach we Wrocławiu (Galeria Sztuka na Marinie), w bibliotekach w Krakowie i Katowicach. Grafiki były także prezentowane na plenerowej wystawie przed Muzeum Karykatury w Warszawie, a za pośrednictwem Instytutu Polskiego eksponowane są aktualnie na Litwie. W listopadzie wystawa będzie prezentowana również w Multimedialnej Bibliotece dla dzieci i Młodzieży w Warszawie. Projekt zrealizowany został dzięki dofinansowaniu z programu „Ballady i romanse” Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

#Idea 

Eklerownia 2.0 to kontynuacja opowieści, która zaczęła się na początku pandemii. Koncept gastronomiczny bazujący na samych eklerach przetrwał trudne czasy i doczekał się otwarcia kolejnego lokalu. Tym razem na ulicy Mariackiej w Gdańsku. Ideą było połączenie tradycji ulicy z czasami dzisiejszymi. Wyjściową do stworzenia witraży były ilustracje pochodzące z identyfikacji wizualnej Eklerowni i wyniesienie ich na wyższy poziom. Przed procesem projektowym zabrałam właścicieli na spacer do pobliskiej Bazyliki Mariackiej, aby zetknąć się z tą piękną sztuką. Zaprojektowałam witraże, które są umieszczone w drzwiach głównych oraz wewnątrz, podzielone są one na kwatery, podobnie jak witraże z Bazyliki, lecz w przewrotny sposób prezentują one tematykę niż ta, którą możemy tam spotkać. Paleta barw wynika z kolorystyki instalacji umieszczonej w centralnej części lokalu. Kolejnymi elementami wystroju są ręcznie robione na szydełku poduszki oraz grafiki zatopione w różowym mikrobetonie, które można odszukać w różnych miejscach :). Instalacja: Ksawery Kirklewski, Jakub Kirklewski Zdjęcia: Joanna Karpowicz Wykonanie witraży: Maciej Mazurkiewicz Wykonanie poduszek: Alina Kotowska

#Idea 

Nathanael Fijalkow jest młodym naukowcem, prowadzącym badania związane z machine learning. Nathanael prowadzi badania w dwóch ośrodkach naukowych – we francuskim CNRS oraz londyńskim The Alan Turing Institute of data science and artificial intelligence. Chcą popularyzować swoje badania i publikacje oraz ułatwić sobie networking w środowisku naukowym zlecił nam realizację osobistej strony internetowej – cyfrowej formy Curriculum vitae.

#Forma 

Zostaliśmy zaproszeni do stworzenia key visualu tegorocznej, 63. edycji Koncertów Chopinowskich w Łazienkach Królewskich. Naszym warunkiem przyjęcia projektu było unikanie oczywistych motywów typu profil Chopina ?, fortepian ?, bądź wierzba płacząca ?. Zamiast tego zaproponowaliśmy gęsty roślinny wzór z natury zsamplowanej z Łazienek Królewskich, fragment rękopisów Chopina na których widać jak z wściekłością pokreślił swoje nowe dzieło, a do tego całkowicie od zera narysowana typografia (oparta na proporcjach pięciolinii, przez co wchodzi w rytmiczną relację z rękopisem). Naszym celem było stworzenie atmosfery z którą wiąże się przeżywanie Koncertów Chopinowskich w Łazienkach Królewskich oraz nawiązanie do uniwersalnych jakości muzyki.

#Forma 

Zdrowie intymne nastolatek w Polsce to temat tabu, co wynika z braku odpowiedniej edukacji seksualnej. Albo się o nim nie rozmawia, albo informacje, które dotyczą infekcji intymnych, są oparte na szkodliwych mitach. Zmierzyliśmy się z tym problemem wspólnie z Recordati Polska – producentem leku Gynoxin. Tworząc platformę edukacyjną #TeżToMiałam, umieściliśmy nastolatki w centrum komunikacji o ich zdrowiu intymnym — bez bulls**tu, konkretnie i na temat. Identyfikację wizualną platformy oparliśmy na dwóch elementach: stylistyce graficznej zaczerpniętej z girl-zinów oraz znaku graficznym, który w naszej komunikacji symbolizuje szum informacyjny wokół infekcji intymnych.

#Impakt społeczny 

Seria okładek do książek Alberta Camus dla Państwowego Instytutu Wydawniczego. Klasyki literatury światowej "Dżuma", "Obcy" oraz "Upadek". Okładki wraz z prezentacją serii zostłały pierwszy raz opublikowane w marcu 2022. Trudność i wyzwanie w tego rodzaju projektach jest ogromna, jak zaprojektować okładki książek, które nie powielą ogólnie znanych klasycznych realizacji, jak pokazać w nowoczesnej i aktualnej graficznie formie tak dobrze znane wszystkim dzieła literackie. Moim założeniem było w minimalistyczny sposób oddać atmosferę każdej z książek, pamiętając jednocześnie o ich treści. Powstały zatem trzy okładki, będące nową i niepowtarzalną interpretacją każdej z książek. Jednocześnie pozostając serią prostą do identyfikacji.

#Proj. dla int. publicznych 

Neighbours to charytatywny projekt albumu prezentującego grafiki powstałe po inwazji Rosji na Ukrainę. Wzięło w nim udział 114 twórców z Ukrainy i 6 krajów sąsiadujących z Ukrainą (Polska, Mołdawia, Słowacja, Węgry, Rumunia, Białoruś). Pomysłodawcą projektu Neighbours – drukarnią Magda Rejman / Drukomat. Album powstał w dwóch wersjach wydawniczych, pod dyrekcją artystyczną Patryka Hardzieja to zobrazowany manifest twórców przeciwko wojnie w Ukrainie. Ich artystyczna wypowiedź wybrzmiewa jako społeczny wyraz walki o wolność, tak, aby mówiąc różnorodnym językiem sztuki – z całych sił wspierać ukraińskie siostry i braci, stojących naprzeciw zbrojnej agresji. Sláva Ukrayíni! Cały dochód ze sprzedaży albumów i plakatów zostanie przekazany Fundacji UNAWEZA Martyny Wojciechowskiej, na pomoc ukraińskim dzieciom ewakuowanym z domów dziecka i dzieciom z rodzin zastępczych.

#Impakt społeczny 

Podczas pandemii zaczęliśmy zwracać większą uwagę na pochodzenie produktów. W obliczu kryzysu chcieliśmy wspierać lokalnych przedsiębiorców, aby ich biznesy przetrwały ten trudny czas. Planując mój projekt dyplomowy, również chciałem pomóc małej rodzinnej firmie. Winnica Stanków znana była lokalnej społeczności z produkcji dobrej jakości wina, brakowało jej jednak spójnych elementów identyfikacji wizualnej, która zwiększyłaby atrakcyjność produktu i dała możliwość pozyskania nowych klientów. Projekt tworzony był z myślą o teraźniejszych, jak i przyszłych potrzebach winnicy. Przygotowane zostały dwie gotowe etykiety, oraz trzynaście innych, w postaci edytowalnych plików PDF. Właściciele w łatwy sposób mogą dokonywać zmian, za sprawą załączonych instrukcji. Prosty, niewymagający uszlachetnień druk, będzie niewielkim kosztem dla winnicy, w szczególności gdy właściciele będą drukować etykiety na bieżąco, bez niepotrzebnego marnowania papieru. Zależało mi, aby projekt jak najlepiej oddawał charakter winnicy, dlatego przy tworzeniu ilustracji inspirowałem się nie tylko otoczeniem, pogodą, czy przyrządami używanymi do produkcji wina, ale także chciałem nawiązać do nazwy miejscowości — Zalasowa, w której uprawiana jest winorośl. Właśnie dlatego powstałe rysunki posiadają efekt odbitego drewna, a zdjęcia produktowe butelek zrobione zostały w leśnym otoczeniu.

#Świeża krew 

Arya Sit! asked me to design a set of labels for natural treats that will pop on the store shelf and multiple other media. I created eye catching, fun labels in joyful, vibrant colors. The idea based on a silhouette of a dog asking for a treat by sitting and rising up his paw will be an instagram challenge and a distinctive mark for the brand featured by #aryasit hashtag.

#Świeża krew 

Komunikacja wizualna szóstego numeru magazynu Powidoki to zwrot ku naturze. Nie zawsze coś, co jest ekologiczne musi być na pierwszy rzut oka atrakcyjne wizualnie. Często pod powierzchnią skrywa się cały jego przekaz m.in. to, z jakich materiałów został wykonany. Oczywiście forma oraz ergonomia jest istotna, ale nie możemy zapominać o szeregu czynników, które wpływają nie tylko na estetykę, ale także jakie za sobą niesie wartości i korzyści. Dżdżownice kalifornijskie są doskonałym przykładem. Żywią się materią organiczną przeznaczoną do kompostowania. Ich pożywieniem mogą być w zasadzie wszystkie resztki, jakie normalnie przeznaczamy na kompost tworząc zamknięty „eco” obieg. Zakupiliśmy 2000 dżdżownic, które zamieszkały z nami w studio Powidoków i zostały bohaterkami 6-go numeru magazynu o ecodesignie. Dżdżownice stały się alegorią wizualną na okładce numeru oraz uczestniczyły w sesji zdjęciowej. Do druku magazynu wykorzystany został recyklingowy papier zrobiony m.in. z resztek fusów kawy. Odpadki z próbnych przelotów z drukarni zmieliliśmy i zrobiliśmy nowy papier z nasionami, który można posadzić! Resztki papieru pocięliśmy i zrobiliśmy serię wizytówek i zakładek do książek. Odpadki papieru z kawy stały się także pożywieniem dla dżdżownic. Ideą procesu projektowego było wykorzystanie maksymalnych możliwości ograniczenia zużycia odpadów produkcyjnych i wykorzystanie materiałów pochodzących ze zrównoważonych źródeł. Podczas promocji magazynu w Akademickim Centrum Designu rozdawaliśmy rośliny wraz papierem gotowym do posadzenia w ziemi. Został zorganizowany pokój odsłuchowy, gdzie można było posłuchać sekretnego życia dżdżownic! Wszystko po to, by zwrócić uwagę na to, że my – ludzie jesteśmy częścią natury i nie możemy jej lekceważyć, a proces projektowy powinien zawsze uwzględniać aspekt środowiskowy. Art director: Przemysław Hajek (pomysł, projekt, realizacja) organizacja spotkania w ACD: Izabela Bloch handmade paper: Magdalena Soboń fot. Jarosław Darnowski (ACD) fot. Sebastian Komicz (backend fotosession) fot. Jakub Huszaluk (worms) fot. Jagoda Świtała (hands + worms) fot. Anna Kliniewska (face + worms) Więcej na stronie https://powidoki.asp.lodz.pl/dla-prasy Zakładka Powidoki 06 [Ecodesign]

#Proj. przyjazne środowisku 

Azor to projekt aplikacji dog walkingowej, wykorzystującej zjawisko uberyzacji, dedykowanej dla właścicieli psów świadomych potrzeb swoich podopiecznych. Produkt ten stanowi rozwiązanie dla osób, które nie są w stanie zapewnić odpowiedniej aktywności pupilowi w ciągu dnia, ale również kreuje nowy rodzaj stanowiska pracy dla osób chcących zarabiać wyprowadzając psy. Aplikacja łączy obie strony, usprawniając komunikację poprzez automatyzację i koordynację kolejnych kroków całego procesu. W celu zapewnienia koniecznej dozy zaufania względem opiekuna, poza samą aplikacją informującą o jego kompetencjach, przewidziany został również lokalizator Azor łączący się z nią. Wykorzystuje on technologię ultra-wideband, dającą możliwość śledzenia stanu aktywności psa oraz udostępniania właścicielowi jego bieżącej lokalizacji na mapie. Komercjalizacja dog walkingu w Polsce oraz w Europie jest tematem niszowym. W celu wprowadzenia na rynek rozwiązania podejmującego to zagadnienie należało wykreować identyfikację wizualną marki oraz aplikacji w sposób przypominający o profesjonalizmie oraz zaufaniu, jednocześnie nieodstraszający swoją oschłością, a przyciągający skojarzeniami z zabawą i pozytywnie spędzonym czasie pupila. W trakcie procesu projektowego wykonany został dogłębny research obejmujący m.in. przeprowadzenie badań ilościowych oraz jakościowych, a intuicyjność finalnej wersji została potwierdzona testami użyteczności. Celem działań było zaprojektowanie gotowego do wdrożenia produktu, składającego się z kompleksowej identyfikacji wizualnej marki, makiet i prototypu aplikacji oraz konceptu lokalizatora. Projekt został wykonany w ramach dyplomu licencjackiego na Uniwersytecie Pedagogicznym w Krakowie, pod kierownictwem dr Anny Zabdyrskiej.

#Świeża krew 

"Paradyz. Archiwum opowieści teatralnych" to wystawa narracyjna w konwencji obwoźnego teatrzyku cudów: artefaktów i pamiątek zachowanych przez pasierba Stanisława Wyspiańskiego — Teodora. To lunaparkowe panoptikum sprawia wrażenie tejamniczej machiny, która zagnieździła się na ostatnim piętrze Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Wystawa zbudowana jest z tajemniczych urządzeń utrzymujących przy życiu tajemnicze wewnętrzne mechaniczne byty. To wszystko służy tylko snuciu opowieści bękarta — Teodora – o powolnym umieraniu jego ojca. Wystawie towarzyszą metaforyczne ilustracja w konwencji collage'u — trochę retro, ale jedak z postmodernistyczną przewrotnością. W przestrzeni sanatoryjnej łaźni zostały wykonane ilustracje w formie zegarów, które mierzą poziom bólu. Wiele z ilustracji należy odszykać w skrytkach, szafkach. Ilustracje wypełniają machiny — w nieoczywisty sposób świadczą o ich funkcji i pochodzeniu. Stanowią ważny nośnik poetyckiej opowieści pełnej apokryfów i młodopolskich plotek. Występują w filmach i animacjach. Dodają grozy, dziwności i melancholii. Dominują 2 kolory — zieleń i czerwień. Gdy Teodor opowiada o sielskim dzieciństwie dominuje kolor zielony, gdy opowiada o śmierci ojca — wkracza czerwień. Na koniec wszystko niknie w czerniach. Dodatkowym rodzajem ilustracji są totemy — rodzaj graficznych znaków (plakatów) oznaczających kolejną scenę opowieści. Całości dopełnia seria plakatów i materiałów promocyjnych, które są wykonane w tej samej konwencji. Wystawa została zlecona przez Teatr im. Juliusza Słowackiego w ramach grantu od Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

#Proj. dla int. publicznych 

Raz do roku nad polskim morzem odbywa się event, który gromadzi wybitnych przedstawicieli kultury, mediów i polityki oraz tłumy publiczności. W letniej, nieformalnej i przyjaznej atmosferze można porozmawiać (i posłuchać) o ideach, wartościach, dokonaniach oraz szeroko pojętej sztuce, w tym sztuce życia i sztuce wyboru. Mowa o Festiwalu Media i Sztuka w Darłowie, który przez władze miasta nazywany jest „piątym elementem”. MIS - organizowany na piaszczystej plaży, tuż obok latarni morskiej to miejsce inspirujących spotkań i dyskusji. Na ten czas Nabrzeże Portowe przy kompleksie Marina Royale wypełnia się prelekcjami, koncertami i innymi wartościowymi wydarzeniami. Wśród zaproszonych dotąd gości festiwalu byli m.in.: Krystyna Janda, Krzysztof Kowalewski, Danuta Stenka, Stanisław Tym, Robert Więckiewicz, Marian Dziędziel, Jan Nowicki, Andrzej Seweryn, Marian Opania, Marcin Meller, Grzegorz Miecugow, prof. Jerzy Bralczyk, ks. Jan Kaczkowski czy Maria Czubaszek. Emocje powoli opadły, a przygotowania do 10. edycji festiwalu były trzema gorącymi tygodniami w Rio. Władze miasta wiedziały, że to wydanie musi być wyjątkowe, bo impreza ruszyła po dwuletniej przerwie. Identyfikacja wizualna Zadaniem Rio było zaprojektowanie identyfikacji wizualnej, która będzie na tyle plastyczna i rozwojowa, by mogła mieć swoją kontynuację w przyszłych edycjach - za każdym razem w odświeżonej formie. Cztery dni paneli dyskusyjnych, odbywających się w samym środku wakacji są wpisane w DNA festiwalu. Sytuacja wymagała od nas stworzenia oprawy graficznej, która będzie w stanie dotrzymać kroku niezwykle poważnym i egzystencjalnym tematom. Z drugiej strony letnio-wakacyjny kontekst nadmorskiej miejscowości podpowiadał rozwiązania, które padną na podatny grunt także wśród przypadkowych gości okolicznych pensjonatów i hoteli. A dla nich ważniejsze od literackiej nagrody Nike bywają ceny dorsza z zestawem frytek ;) Założenia nowej Identyfikacji wizualnej Stworzona koncepcja graficzna nawiązuje do tego, co w MIS najważniejsze - dyskusji i rozmów. A logotyp, będący plastyczną formą dymków z wpisaną nazwą festiwalu, utożsamia tę ideę. System charakteryzuje się także prostą i zwięzłą komunikacją, która objęła wszelkie materiały graficzne - począwszy od ulotek z programem, plakatów poprzez Social Media, miejskie nośniki i gadżety. A tak wyglądało to na żywo: https://www.facebook.com/mediaisztukadarlowo/videos/3217711391818629

#Proj. dla int. publicznych 

W latach 2004–2020 roczne zużycie biomasy drzewnej do produkcji energii wzrosło w Polsce o prawie 70%. W związku z tym gwałtownie wzrosło pozyskiwanie biomasy drzewnej ze źródeł krajowych, w dużej mierze bezpośrednio z lasów. Niestety pozyskiwanie pierwotnej biomasy leśnej nie jest obojętne dla przyrody. Zaburza ono integralność ekosystemów leśnych, negatywnie wpływa na bioróżnorodność i przeważnie prowadzi do ich degradacji. Rozwój przemysłu bioenergetycznego napędzany był wsparciem ze środków publicznych oraz korzystnym ustawodawstwem. Energia wytworzona ze spalania biomasy została uznana za bezemisyjną i odnawialną, mimo że spalanie biomasy leśnej w celu produkcji energii jest bardziej emisyjne niż spalanie paliw kopalnych. Raport Pracowni na rzecz Wszystkich Istot jest pełen liczb, niecodziennych skrótów i trudnego słownictwa. Jednocześnie został skierowany do osób bez fachowej wiedzy w dziedzinie energetyki lub leśnictwa. W związku z tym naszym głównym celem projektowym było zminimalizowanie bariery informacyjnej i uniknięcie monotonii tekstowego dokumentu. Zaprojektowaliśmy dynamiczny layout pozwalający na kilka układów kompozycji strony. Objaśnienia trudnych terminów umieściliśmy obok tekstu głównego. Wykresy uzupełniliśmy o słowne podsumowania. Dodatkowo wybraliśmy i zilustrowaliśmy ciekawostki, aby zachęcić do wczytania się w główną treść raportu. Wszystko w przyjemnej kolorystyce kojarzącej się z lasem, ekologią i zrównoważoną energią (zielenie, brązy, beże). Publikacja jest dostępna tylko on-line. Dlatego dokładnie przemyśleliśmy funkcjonalność pliku PDF – klikalne linki i spis treści, zakładki, wielkość tekstu i orientacja strony. Raport ma ponad 100 stron i jest bogato ilustrowany. Aby uniknąć zbyt ciężkiego pliku, musieliśmy postawić na ilustracje wektorowe. Tym samym przekazaliśmy Pracowni materiał do swobodnego wykorzystywania w kolejnych publikacjach.

#Proj. przyjazne środowisku 

CEL to to, co znasz, ale też to, co chciałbyś odkryć. CEL nie wyklucza, a łączy. CEL uczy, ale też pozwala czerpać z siebie. CEL to miejsce, do którego dążysz, choć samo do Ciebie zmierza. CEL to klub, który jest wypadkową historii, ale i przyszłości muzyki elektronicznej. CEL jest dla Ciebie i Ty jesteś dla niego w każdym tego słowa znaczeniu. Mamy misję, którą jest rozwój lokalnej sceny elektronicznej. Chcemy wydobywać nowe talenty, ludzi z pasją do muzyki i wyjątkową wrażliwością, a oprawa wizualna ma w pełni oddawać charakter miejsca i imprez organizowanych w CELu, to kreatywne centrum, w którym spotykają się twórcy z różnych dziedzin, a muzyka jest pretekstem, który nas łączy. CEL to także miejsce, w którym odbywają się warsztaty muzyczne oraz hub dla młodych DJ-ów, których pierwsze kroki chcemy wspierać, wierząc w siłę lokalnej społeczności. Z tego powodu powstał także CEL LAB, warsztaty prowadzone przez najlepszych polskich DJów, których miksy regularnie lądują w zagranicznych magazynach muzycznych, a ich nick widnieje na plakatach najważniejszych imprez w kraju. Dzięki ich doświadczeniu wszyscy muzyczni zajawkowicze mogą spróbować swoich sił i posiąść wiedzę od najlepszych z branży. Szeroko, bez ograniczeń, ponad wszelkimi barierami stylistycznymi. Projekt identyfikacji wizualnej dla CELu w pełni i na każdym polu odpowiada założeniom i koncepcjom tworzonym wokół klubu. Wszelkie materiały graficzne i promocyjne są zachowane w odpowiedniej, charakterystycznej i wyróżniających to miejsce stylistyce, na bazie której budowana jest rozpoznawalność CELu w całej Polsce jak i zagranicą. CEL to nie tylko miejsce, a przede wszystkim ludzie, którzy je tworzą, dlatego wszelkie materiały graficzne, filmowe czy animacje są składową wielu doświadczeń i inspiracji związanych z daną społecznością. Głównym założeniem identyfikacji wizualnej jest generowanie modułowych grafik 2D jako podstawy dla animacji i estetyki 3D, uzupełniając całość projektu o eksperymentalne podejście w postaci algorytmów zaburzających percepcję obrazów. Stanowi to doskonałe tło dla szeregu dźwięków, które nieustannie zmieniają się w tle i ewoluują wraz z odbiorcami. Jest to również swego rodzaju metafora inspiracji i różnorodności, które można znaleźć i doświadczyć w CELu. Punktem odniesienia dla stworzenia key visuala jest geometria (a dokładniej kwadrat) wykorzystana w logo, która jest metaforą celu (po polsku CEL) - na niej opiera się kompozycja i elementy siatki modułowej. Najważniejszym zadaniem było stworzenie spójnej tożsamości wizualnej, która znajduje odzwierciedlenie w obu - dźwięku i społeczności, wyrażonej poprzez obrazy, typografię, logo, animację i wideo. Pojawienie się CELu na mapie Polski (szczególnie Katowic) odbiło się szerokim echem w mediach związanych z muzyką elektroniczną. Imprezy organizowane w CELu oraz artyści w nim występujący zostali docenieni w prestiżowych konkursach jak np. MUNOLUDY, a dzięki aktywności i regularnym występom w klubie, przyczyniło się to do szerszej promocji konkretnych artystów i kolektywów, dzięki którym mogli wystąpić np. w prestiżowym HOR Berlin albo w mekce kultury klubowej - Berghain. Całość projektu do obejrzenia pod linkiem: https://www.behance.net/gallery/137010245/CEL-music-club-visual-identity

#Idea 

Przygotowaliśmy charytatywny, ręcznie numerowy kalendarz z dwunastoma dziecięcymi marzeniami, które zostały bezinteresownie zwizualizowane przez czołówkę polskich ilustratorów. Nasz pomysł na ten projekt opierał się na połączeniu dziecięcej wrażliwości z warsztatem i wyobraźnią osób, które profesjonalnie zajmują się sztuką ilustracji. W pierwszej kolejności ogłosiliśmy w social mediach konkurs i poprosiliśmy dzieci o podesłanie nam własnej autorskiej pracy plastycznej zatytułowanej ”MOJE NAJWIĘKSZE MARZENIE”. Z puli nadesłanych marzeń wspólnie wybraliśmy 12 najciekawszych projektów, które następnie zostały przekazane 12 wspaniałym ilustratorom, do przygotowania autorskiego REworku. Swoje interpretacje graficzne zgłoszonych prac udostępnili nam: Patrycja Podkościelny, Barrakuz, Gosia Herba, Tymek Jezierski, Maria Regucka, Beata Rojek, Karol Banach, Jan Kallwejt, Hanna Kmieć & Katarzyna Cichosz (studio.kmicic), Maciej Wolański, Jarosław Danilenko, Paulina Kozicka. Finalnie kalendarz został charytatywnie wydrukowany i przekazany fundacji w określonym nakładzie na cele statutowe. Całość prac trwała około 9 miesięcy.

#Idea 

Layout magazynu oraz dobór form graficznych nawiązują do ideologii doomeryzmu. Wybrane fonty oraz elementy składu są zniekształcone, zainspirowane zanieczyszczeniami i wyniszczeniem środowiska. Aneks do dyplomy stanowi kampania reklamowa tegoż magazynu. Aby skontrastować z jasnym layoutem magazynu kampania jest ciemna, wręcz czarna. Korzysta z tych samych zasad przy doborze fontów oraz elementów graficznych tworząc pełny spójny branding z magazynem. Branding składa się z plakatu reklamowego, gadżetów reklamowych (przypinek, naklejek, toreb, koszulek, bluz), zinu/plakatu zawierającego manifest, szablonu pod social media (Facebook, Instagram) oraz okładek dla playlist na YouTube oraz Spotify.

#Świeża krew 

Lost Connections to konceptualny projekt, odnoszący się do postępującego zjawiska homogenizacji kultury i związanego z nim procesu ujednolicania środków typograficznych na rzecz języka angielskiego, przy jednoczesnym zatracaniu różnorodności form lokalnych. Autor projektu postawił sobie za cel odnalezienie cech lokalności i tożsamości w świecie typograficznym, traktując język oraz typografię nie tylko jako medium komunikacji, ale element samoidentyfikacji i symbol odrębności kulturowej. Projekt koncentruje się na ligaturach – wizualnych połączeniach międzyliterowych – ze względu na ich ścisłe powiązanie z językiem. W ramach projektu powstały dwie integralne części – strona internetowa poświęcona ligaturom oraz ilustrujący przykłady krój pisma. Strona internetowa ma formę archiwum zbierającego przykłady ligatur dopasowanych do potrzeb konkretnych języków. Celem platformy jest szerzenie informacji na temat ligatur oraz zaproponowanie podejścia zorientowanego na język we współczesnej typografii. Prezentowane na stronie ligatury oparte są zarówno na przykładach historycznych, jak i na ortografii języków europejskich. Archiwum zwiera również bazę podstawowych informacji dotyczących historii i znaczenia ligatur. Uzupełnieniem strony jest krój pisma o nazwie Connection, stanowiący ilustrację konkretnych przykładów połączeń międzyliterowych. Krój ten, dostępny w wersji Roman i Italic, zawiera pełny zestaw dużych i małych liter, jak również znaki diakrytyczne dla języków Europy Zachodniej, Środkowej i Południowo-Wschodniej oraz rozszerzony zestaw ligatur, zarówno typograficznych, jak i ortograficznych, zaprojektowanych na potrzeby poszczególnych języków. Krój Connection dostępny jest do przetestowania i pobrania za darmo z platformy.

#Świeża krew 

Femigang cechuje kontrast słowa oraz znaku.Celem pracy było zaprojektowanie kampanii społecznej na rzecz praw kobiet w przestrzeni miejskiej i internetowej. Wypracowano obszar tematyczny kampanii społecznej oraz jej nazwę „femigang”. W efekcie stworzono zbiór piktogramów, który był punktem wyjścia do pracy projektowej nad kolejnymi jej elementami. Zaprojektowano serię pięciu plakatów, w których zestawiono wybrane hasła z danymi statystycznymi obrazującymi realia życia kobiet na świecie. Działania projektowe obejmowały również projekt billboardów oraz treści kierowanych do środkó masowego przekazu. Dopełnieniem pracy nad projektem było stworzenie wzorów oraz realizacja apaszek, jako uniwersalnego gadżetu kampanii społecznej.

#Świeża krew 

Po roku działalności wytwórnia Dyspensa Records chciała stworzyć płytę, z luźnych b-side'owych numerów, unikatowych kawałków które nie weszły na inne wydawnictwa w ciągu roku. Chcieli żeby to był mikstejp, który rozeslą do rozgłośni, innych artystów, influencerów. Mnie poproszono po pomysł kreatywny na oprawę do takiego właśnie wydawnictwa przy bardzo małym budżecie na produkcje. Stwierdziliśmy, że połączymy przy tym wydaniu dwie rzeczy - pierwsza, całość oprzemy o naklejki, które przywodzą na myśl lata 90 (pamiętamy obklejone toalety i backstage w klubach) - to także pozwoli przy relatywnie małym nakładzie finansowym spersonalizować każdą płytę. Druga sprawa - sama estetyka naklejek + wykorzystanie Smiley powinno nas pchnąć w świat raveów, b-sidowych wydawnictw. Do tego - tanie, surowe opakowanie, z płyta która ma jedynie enigmatyczny zadruk patternu z logo wytwórni. Robimy mikstejp a nie wielkonakładowe wydawnictwo. Płyt było kilkaset i każda z nich została ręcznie obklejona przed wysyłką. Każdy artysta którego kawałki znalazły się na płycie dostał swoją "dedykowaną' naklejkę. Każda płyta była więc inna - czasem wklejone były wszystkie naklejki, czasem było kilka powtórzonych. Elementem który był niezmienny była zawsze obecność naklejki z tracklistą.

#Idea 

Irek Zyzański, autor książki i ekspat. Spędził 25 lat swojej kariery zawodowej w działach HR i sprzedaży międzynarodowej firmy. Mieszkał na kilku kontynentach i miał szefów 14 narodowości. Zdobył cenne doświadczenie w pracy z ludźmi wszelkich kultur, które chciał zawrzeć w formie książki/poradnika uwrażliwiającego czytelnika na fakt, że każdy patrzy na świat inaczej – przez okulary własnej kultury. Irkowi zależało, aby książka zupełnie odróżniała się od podobnych, traktujących o rozwoju, zarządzaniu, coachingu i komunikacji. Chciał, aby publikacja była przyjazna, z lekkim dystansem, ale nie odbierająca powagi tematowi. W końcu, aby książka uwrażliwiała czytelnika, że wszystko co widzi i czyta może mieć drugie znaczenie. Książka jest wydrukowana w dwóch kolorach na białym papierze. Czerwień z jednej strony nawiązuje do pochodzenia autora, Polaka i jego postrzegania, z drugiej strony jako kolor, który podkreśla/ilustruje najważniejsze informacje.Już od okładki aż po ostatnią stronę, książkę wypełniają ilustracje. Część jest dosłowna, łatwa w odczytaniu, część bardziej swobodna, umowna, nieczytelna. I nie chodzi tutaj o to jedno, słuszne odkodowanie znaczenia grafiki, ale jak wspomina autor, o wywołanie niepewności, uwrażliwienie na wieloznaczność, o patrzenie w różny sposób, sposób sobie właściwy. Komunikacja międzynarodowa jest pułapką ponieważ każdy patrzy przez okulary własnej kultury. Celem publikacji jest właśnie podkreślenie szerokiego znaczenia, niuansów, nie tego co słyszymy a tego, co ktoś chce powiedzieć, wielowarstwowości komunikatów. Książka spotkała się z bardzo pozytywnym odzewem środowiska. Choć nie było to zaplanowane, czytelnicy stworzyli trend zabierania ją w najdalsze zakątki świata i fotografowania jej na tle znanych punktów widokowych. Na 2023 rok zaplanowane jest przełożenie publikacji na wersję angielskojęzyczną. Książka została wydana w październiku 2021 roku.

#Idea 

Hematopozytywni to projekt serwisu internetowego / bloga skierowanego do chłopców młodzieży dotknietych chorobą małopłytkowości. Strona jest podzielona na dwie strefy - HEMO DZIECIAKI, oraz HEMO MŁODZIAKI. Po wybraniu właściwej dla siebie sekcji przechodzimy do strony głównej dedykowanej konkretnej grupie wiekowej. Projekt ma charakter edukacyjny i pomaga w budowaniu świadomości na temat choroby jaką jest hemofilia, oraz czujności wśród małych pacjentów i ich opiekunów. Głównym celem projektu jest pomoc zarówno dla młodzieży jak i dzieci, w znalezieniu sposobu, na wyrażanie siebie, pomimo choroby. Strona ma zachęcić do działania, podkreślając ważność profilaktyki. Umożliwia stworzenie więzi i znajomości z innymi chłopcami (na hemofilię chorują tylko mężczyżni). Tworzy wspierającą społeczność, oraz zaufane miejsce. Treści publikowane na blogu maja na celu udzielania faktycznego wsparcia w codzienności życia z chorobą. Strona jest uzupełniana sukcesywnie, treści są wciąż aktualizowane.

#Idea 

Prawa mechaniki kwantowej towarzyszą nam w sposób realny w tym sensie, że kształtują rzeczywistość (oddziaływania atomów, molekuł, promieniowania), która zarazem nie może być bezpośrednio uchwycona zmysłami, ponieważ nie do tego one ewoluowały. Powstaje „pusta przestrzeń” dla swoistego typu wyobraźni, wolnej, nie archaicznej. Moim pomysłem, ideą projektu jest kreacja wizualnego widowiska, w którym człowiek jako element kosmicznej mozaiki tworzy ją i zarazem interpretuje. Jest wolny i zainspirowany prawami natury oraz aktualnym stanem wiedzy o nich. „Jej Kwantowość” to transdyscyplinarna, wizualno-artystyczna interpretacja zjawisk mechaniki kwantowej, w której nauka i sztuka koegzystują ze sobą, stanowiąc równorzędne źródła poznania tej wciąż elitarnej, nieintuicyjnej dziedziny wiedzy. Podstawową ideą projektu była potrzeba ukazania otaczającego nas, niewidzialnego, nieintuicyjnego świata. Zastosowana formuła przekraczania wytyczyła kierunek wizualizacji świata kwantów – trans rzeczywistości –która łącząc tę kwantową oraz realną wyłoniła nową, percypowaną przez odbiorcę. Kluczem kompilacji stały się wielowymiarowość, odmienne płaszczyzny przekazu, barwność, dosłowność, metafora oraz analogie do świata realnego jako pomostu pomiędzy postrzeganiem abstrakcyjnym, a tym co znane i namacalne.  Analityczne intencje towarzyszące wielomiesięcznej pracy badawczej poprzedzającej proces projektowy oraz pozyskane wnioski pozwoliły na ukonstytuowanie się pomysłu koncepcji artystycznej pracy, która w trakcie tworzenia ewoluowała. Świat mechaniki kwantowej jest nieprzewidywalny, multipotencjalny, co znajduje odzwierciedlenie w gęstwinie „Jej Kwantowości”. Wiedziałam, że środowisko 2D może okazać się niewystarczające, dlatego część rozwiązań powstała w przestrzeni trójwymiarowej, jak również za pomocą animacji komputerowej. Zależało mi na wyjściu poza intuicję, otwarcie na „wolne" poszukiwania twórcze, stworzenie wizji świata na nowo, przedstawieniu jego mechanizmów w taki sposób, w jaki nikt do tej pory tego nie uczynił, przełamując tym samym jednorodne, powtarzalne schematy wizualne. Stąd sposób przedstawienia zjawisk od strony fizyki kwantowej jest nowatorski, nieschematyczny, świeży, zacierający nieprzekraczalność pomiędzy skalą mikro i makro. Całość przekazu, zarówno na poziomie przedstawień, projektu layoutu, oprawy książki (szyta, grzbiet otwarty), jak również techniki wykonania okładki drukiem lentikularnym, miała przybliżać nieprzewidywalną, pełną paradoksów i zaskoczeń rzeczywistość. Po poruszeniu książką, portret realistyczny dziewczyny zmienia się w kwantowy.  Uważam, że nie trzeba znać zaawansowanej fizyki ani formuł matematycznych, aby doświadczyć dobroczynnego wpływu rozumienia złożonych zjawisk. Fakt mentalnego oswajania praw rządzących naturą, której częścią jesteśmy niesie ulgę, spokój, przywraca równowagę, a nawet pogodę ducha w niespokojnym czasie. Uwalnia od groźnego wpływu informacyjnych śmieci oraz kłamstw osób o wątpliwym statusie moralnym i merytorycznym. Wolny, rozumiejący rzeczywistość umysł nie ulega ideologiom, które niszczą dobrostan ludzi i planety. Nic bardziej nie zabezpiecza przed obecnymi i przyszłymi tyraniami oraz ich zgubnymi ideami niż edukacja.

#Idea 

"Warszawa" to mój projekt licencjacki, który ma na celu promowanie stolicy Polski ale w sposób nietypowy. Większość tego typu inicjatyw skupia się na zachęceniu turystów do odwiedzin tego miasta, przede wszystkim prezentując zabytki, czy też obiekty, które każdy warszawiak doskonale zna. Ja postanowiłam stworzyć coś, co będzie atrakcyjne zarówno dla osób odwiedzających stolicę Polski po raz pierwszy, jak i dla tych, którzy mieszkają tu od pokoleń. Tym samym zaprojektowałam przewodnik po Śródmieściu (uważam, że każda dzielnica jest na tyle ciekawa, że zasługuje na oddzielny), który stanowi zbiór 27 miejsc podzielonych na działy jedzenie, picie oraz sklepy. Wszystkie lokalizacje są moim subiektywnym wyborem przy którym kierowałam się tym, gdzie teraz jest najsmaczniej czy też najmodniej. Wszystkie 27 odwiedziłam osobiście i zrobiłam zdjęcia, które są częścią przewodnika. Jak się okazało, mnóstwo osób po zobaczeniu tej publikacji było w szoku, jak wiele ciekawych miejsc mają wokół siebie, a nigdy o nich nie słyszeli. Do przewodnika zaprojektowałam także mapę Śródmieścia, na której zaznaczone są miejsca z przewodnika. Ponieważ bardzo zależało mi na uzyskaniu neonowo-zielonego koloru, zdecydowałam się na wydrukowanie jej własnoręcznie techniką sitodruku. Oprócz tego w swoim projekcie chciałam pokazać jak osoby związane z Warszawą widzą to miasto i jakie mają co do niego odczucia. W związku z tym przeprowadziłam ankietę, która składała się z sześciu abstrakcyjnych pytań na temat stolicy np. "Ile waży Warszawa?". Najciekawsze odpowiedzi zgromadziłam w formie ilustrowanego ZINa, którego okładkę – tak jak mapę – wydrukowałam własnoręcznie na sicie. Obydwie publikacje oprawiałam sama. Dodatkowo stworzyłam aplikację z rozszerzoną rzeczywistością (AR), przez którą można oglądać niektóre rozkładówki ZINa. Zobaczone przez aparat telefonu obrazy animują się. Obrona tego projektu miała miejsce 13.07.2022 roku na Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych w Warszawie. Dyplom obroniłam na 5 z wyróżnieniem. Promotor główna – dr Agnieszka Cieślikowska.

#Świeża krew 

Dla ING Banku Śląskiego przygotowaliśmy nazwę, znak oraz pełen branding oprogramowania służącego budowie i zarządzaniu specjalistycznymi robotami wspierającymi projektowanie elastycznych i nowoczesnych rozwiązań procesowych. SAIO jest wdrażane w wielu procesach korporacyjnych, bankowych, gwarantując spójność i bezpieczeństwo wszelkich powierzanych danych.

#Forma 

Projekt opisany na łamach międzynarodowych magazynów: – Magazine Page – It's Nice That (https://www.itsnicethat.com/news/podpunkt-language-supp-ukraina-graphic-design-020822) Language Supp to inicjatywa darmowych lekcji językowych online, wspierająca dzieci z rodzin uchodźczych. Projekt realizowany jest przez fundację Nativated Group, przy finansowym wsparciu największej organizacji wspierającej dzieci – Save the Children International. Grupą docelową projektu są dzieci i ich rodzice, ale również nauczyciele. Projekt powstał na potrzeby edukacji języka polskiego dzieci z Ukrainy (Language Supp Ukraina). W przyszłości Supp będzie międzynarodową platformą do edukacji języków (wsparcie dla migrantów z różnych części świata). Zadanie postawione przez klienta to stworzenie: – wyrazistej identyfikacji wizualnej, która zachęci do udziału w projekcie zarówno dzieci w wieku 6-7 lat, jak i młodzież powyżej 15 roku życia, – tone of voice, hasła przewodniego. Hasło „Język to jedyna bariera” podkreśla, że pomimo problemów komunikacyjnych osób pochodzących z różnych części świata – myślimy i czujemy tak samo. By móc w pełni wyrazić siebie, rozkwitać i zmieniać świat – musimy znać język naszego otoczenia. Na potrzeby projektu powstały tzw. „słowostworki” – postacie zbudowane na bazie liter i znaków wywodzących się z różnorakich alfabetów świata. Słowostworki komunikują się ze sobą za pomocą chmurek – myśli, mowy ciała i prostych zwrotów. Pokazują, że nauka języka może być łatwa i przyjemna. Słowostworki wyglądają jak kolorowe kwiaty – dzięki Language Supp otwierają się na świat, ukazują swoje prawdziwe piękno i osobowość (analogicznie do poczucia swobody i przynależności, gdy potrafimy komunikować się z rówieśnikami w ich ojczystym języku). Oryginalny znak (typografia przypominająca odręczne pismo i tradycyjną edukację z wykorzystaniem tablicy), przyjazna kolorystyka, łagodne i budujące ciekawą opowieść o językach świata ilustracje, silne hasło – tworzą przyjazna i ciepłą identyfikację wizualną, obietnicę profesjonalnej opieki/wsparcia. Projekt pozwala na budowanie wyrazistych komunikatów i grafik w mediach społecznościowych oraz reklamach projektu. Poza wymienionymi powyżej nośnikami, identyfikacja wizualna rozwinięta została na elementy interfejsu platformy e-learningowej Supp.

#Impakt społeczny 

INFO: Hoża, moja ulica / Hoża, my street Paweł Kłudkiewicz Warszawa 2022 ISBN 97-83-963123-0-3 Offset, 148x210mm, 108 stron, 81 ilustracji, twarda oprawa; PL / ENG O PROJEKCIE: Jest to projekt pandemiczny w którym odwrócona została tradycyjna kolejność powstawania książki. Wpierw powstała idea, pomysł na książkę, jej fizyczny kształt i elementy layoutu. W tych ramach powstały ilustracje i na samym końcu tekst. Jako projektant stałem się więc w tym nietypowym projekcie swoim własnym klientem. Poza stworzeniem książki-produktu, sporym wyzwaniem było również nadanie całemu projektowi życia, sprawienia by zaczął funkcjonować w lokalnej świadomości. Tu z pomocą przyszła mi fundacja Bęc Zmiana z którą zorganizowaliśmy cykl spacerów i spotkań dla mieszkańców Hożej, nagraliśmy również kilka podkastów. Z czasem udawało się wytworzyć wokół książki pewną aurę zainteresowania i do rozmowy wokół publikacji udawało się włączyć coraz to nowe środowiska: od lokalnych antykwariuszy po działaczy ruchów lokatorskich. Z czasem udało się zainteresować media – krótki reportaż o ulicy Hożej nagrał TVN. A w radiostacjach - Radio dla Ciebie, Radio Kapitał, Program 2 Polskiego Radia i Radio Kampus ukazały się audycje poświęcone książce o Hożej. O KSIĄŻCE: „Hoża” to sto stron rysunkowego reportażu o warszawskiej ulicy. Hoża, mimo że to nieduża ulica, jest być́ może jak śródmieście Warszawy w pigułce. Bloki stoją tu obok kamienic, a nowe odpicowane knajpy sąsiadują ze starym warszawskim rzemiosłem. Blisko siebie są tu i squaty i apartamentowce. Z rożnych historii o Hożej wyłania się̨ nagle Albert Einstein, innym razem Zadie Smith, a w pewnym sensie nawet Osama bin Laden. Ale Hoża to przede wszystkim ulica Witkacego, Białoszewskiego i Prusa. To ulica gęstych jesionów, zmieniających się̨ pór roku, znajomych piesków, lokalnych sklepów i nigdy nie milknących karetek pogotowia. To czasem miejsce sobotniego, imprezowego szumu. Po którym zawsze przychodzą̨ niedziele długie i spokojne, prawie jak w małym miasteczku. AUTOR Paweł Kłudkiewicz, 1978 grafik, projektant, absolwent warszawskiego Wydziału Architektury. Zajmuje się grafiką użytkową, projektowaniem książek , wydawnictw, plakatów i wystaw. Autor komiksów i książek dla dzieci.

#Impakt społeczny 

Festiwal Filmu Niemego miał swoje początki w roku 1996 kiedy to za sprawą krakowskich kiniarzy z Centrum Filmowego Graffiti zaprezentowani w Kinie Wanda filmy z pierwszej dekady XX wieku. To był pierwszy tego rodzaju festiwal w Polsce i jeden z pierwszych na świecie. Festiwal Filmu Niemego łączy w sobie niemy obraz z muzyką graną na żywo. Od 2003 roku każda kolejna edycja odbywa się w Kinie Pod Baranami i każda z nich ma temat przewodni. Unikatowy charakter kina niemego stał się fundamentem całej identyfikacji. Ideą całego projektu było zaprojektowanie syntezy języka wizualnego łączącego historię z nowoczesnością. Obecna w filmie niemym odręczna i różnorodna typografia znajduje swoje odniesienie w projekcie w postaci połączenia dwóch bardzo różnych typografii. Eleganckiej z elementem dekoracyjności oraz swobodnej i lekko abstrakcyjnej. Zniszczona klisza będąca efektem upływu czasu stała się inspiracją do zaprojektowania autorskiej interpretacji tego zjawiska za pomocą szumu stworzonego z bitmapy. Typografia momentami pełni rolę dekoracyjną ale jeśli zachodzi potrzeba również występuje w spokojniejszej formie. Połączenie dwóch różnych typografii spowodowało uzyskanie oczekiwanego efektu czyli nawiązanie do odręcznej i indywidualnej dla każdego filmu typografii. Dodatkowo został dobrany krój uzupełniający Area w odmianie Hairline. Jest używany wszędzie tam, gdzie znajdują się opisy oraz mniej istotne nagłówki. Projekty składające się na całość identyfikacji zawierają jednocześnie dwie wersje językowe. Wersję polską oraz angielską. Dla czytelnego wyróżnienia tych dwóch języków w projektach zastosowano wersję niepochyloną dla części polskiej oraz wersję italic w części angielskiej. Zaprojektowany został zestaw próbnych siatek definiujących rozłożenie typografii i zniekształconego obrazu. Podczas procesu projektowego wcześniej zaproponowane siatki okazały się zbyt skomplikowane i w niedostateczny sposób spełniały swoje zadanie. Uniemożliwiały łatwe powielanie motywów graficznych w zależności od formatu oraz posiadały niepotrzebne podziały kompozycji. Łatwość użycia oraz prostota spowodowały potrzebę zaprojektowania nowej siatki o wiele prostszej od zaproponowanych wcześniej. Uproszczony layout spełnił wszystkie warunki i został wybrany do dalszej pracy projektowej. Dzięki prostocie jest łatwy w użyciu. Odpowiednio wydzielona przestrzeń na typografię pozwala jej swobodnie i w wystarczający sposób wybrzmieć na formacie. Stylizacja zdjęć oraz odpowiednie ich wykadrowanie zgodnie z layoutem, stworzyło ciekawą kompozycję typograficzno-wizualną nadając całości odpowiedni charakter. Charakter identyfikacji mocno zdefiniował formę znaku Festiwalu Filmu Niemego. Zabieg stosowany w nagłówkach został w nim powtórzony ale z jeszcze większym zarysowaniem różnorodności. Podczas pracy projektowej w poszukiwaniu najlepszego i najczytelniejszego rozwiązania powstała seria znaków, które z powodów wspomnianej czytelności czy kompozycji zostały odrzucone. Znak dodatkowo umożliwia zastosowanie wersji z dopiskiem niezbędnej przy konkretnych edycjach festiwalu.

#Świeża krew 

Active book / zeszyt kreatywny, to książka zapraszająca czytelnika do wspólnej kreatywnej zabawy. Poza warstwą merytoryczną publikacja zawiera polecenia zachęcające małego czytelnika do działań plastycznych takich jak rysowanie, klejenie, wycinanie itd. Dzięki działaniom podejmowanym przez dziecko książka staje się kompletną historią, a każdy z egzemplarzy jest jedyny w swoim rodzaju. Celem publikacji jest przybliżenie tematu choroby jaka jest hemofilia. Książka skierowana jest zarówno do dzieci zdrowych, jak i obciążonych chorobą. Tłumaczy różnice w codziennym funkcjonowaniu, oswaja chorobę, oraz unaocznia fakt, że dzieci z hemofilią nie muszą rezygnować z aktywnego dzieciństwa. Publikacja jest darmową broszurą, dzięki czemu ma szanse dotrzeć do szerokiego grona odbiorców.

#Idea 

Strategia komunikacji i system identyfikacji wizualnej dla produktu Streda™. Streda™ jest częścią holenderskiej firmy Isolectra. O Streda™: Streda™ to elastyczny i zintegrowany z obiektem system smart home. To połączenie uniwersalnego „rdzenia kablowego” przekazującego energię i dane. Ustandaryzowane ścienne stacje dokujące oraz różnorodne moduły gniazdkowe z funkcjami takimi jak gniazdo zasilania, przełącznik czy punkt dostępu Wi-Fi. Wszystko zintegrowane w jeden funkcjonalny system, by stworzyć infrastrukturę domową, którą można dowolnie konfigurować i łatwo modyfikować, dostosowując ją do zmieniających się okoliczności. O symbolu Streda™: Wybraliśmy symbol, który będąc abstrakcyjną formą, wciąż przemawia do odbiorcy i budzi skojarzenia. Znak ma być prosty w formie oraz łatwo zapadający w pamięć. Nowoczesny, minimalistyczny i bezpośredni. Modernistyczny symbol nawiązuje do podstawowych i najważniejszych wartości marki Streda™​​​​​​​. Są nimi elastyczność, integracja i prostota. Wygięte w kształt litery „S” linie przepływające przez podstawową formę okręgu symbolizują naturalny, sprawny przepływ danych i energii. Streda™ Język wizualny: Głównymi i najbardziej rozpoznawalnymi elementami identyfikacji wizualnej Streda™ są dynamiczne fale. Nawiązują do przepływu energii i informacji a także kluczowych wartości Streda™. Wybór koloru fal zawsze zależy od kontekstu, celu oraz sytuacji, w której mają być użyte. Jednak domyślnymi kolorami powinny być neonowy zielony wraz z jasnym szarym. Przy konstruowaniu dynamicznych fal, w celu uzyskania odpowiedniej różnorodności i dynamiki pozostawiliśmy dużą swobodę. Produkt Streda™ (urządzenia, aplikacja, system) aktualnie jest w trakcie wdrażania i wprowadzania na rynek. Zespół Michał Markiewicz - Strategia, Analiza, Logo, Identyfikacja Wizualna, Materiały Drukowane Edyta Mucha - Animacja, Ikonografia, Ilustracja

#Forma 

Projekt identyfikacji wystawy powstałej według koncepcji nieżyjącego już prof. Stefana Gierowskiego, który o ekspozycji mówi w następujący sposób: „To wystawa moich bliskich przyjaciół, którzy odeszli. Tym razem wyjątkowo wystawa nie problemowa a uczuciowa”. Na wystawie prezentowane były prace pięciorga artystów i artystek.

#Forma 

Projekt został wykonany jako praca magisterska w pracowni Projektowania Litery UAP prof. Krzysztofa Kochanowicza i mgr. Viktoriyii Grabowskiej i obroniony w czerwcu 2022 r. MinorGrotesk™ to krój odpowiadający ciężkiej estetyce tylnich etykiet, naklejek na produktach elektronicznych czy instrukcji obsługi — form graficznych będących emanacją masowości, globalizacji, systemów prawnych i gospodarczych oraz konsumpcjonizmu. Glify Minora są techniczne, mechaniczne i twarde. Prostopadłe zwieńczenia, “przełamania” i bezkompromisowa mono-linearność budują zdehumanizowane znaki, pozbawione zbędnej modulacji. Szerokie ścięcia pułapek farbowych nawiązują do zbyt małego, ściśniętego tekstu (krojów micro) technicznych layoutów oraz pisma przemysłowego. Często ignorowane nalepki przepełnione są kodami kreskowymi, kodami QR i oznaczeniami przeznaczonymi do odczytu jedynie przez maszyny. Podobne wrażenie może sprawiać tekst im towarzyszący, który znajduje się tam wyłącznie z przyczyn prawnych. Składy, ostrzeżenia, czy informacje o producencie zdają się niedostosowane do ludzkiego oka poprzez wielkość, zagęszczenie i chaotyczny układ. Mimo brutalności tych form graficznych konsumenci pomijają je, nie zwracając na nie uwagi. Minor korzysta z podobnej mechaniki. Mimo swoich radykalnych założeń i detali, pozostaje relatywnie neutralny w małym punkcie. Etykiety, nalepki czy instrukcje obsługi są jednak emanacją masowości, jedynie charakterystyczną formą wypadkową procesów społeczno-gospodarczych. MinorGrotesk™ w swoim brandingu porusza kontekst przemijalności produktów, krótkiego życia przedmiotów oraz ścieżki między nowością a odpadem. Brutalne, techniczne layouty zderzone są ze zdjęciami świeżych oraz zwiędłych kwiatów, a także odpadów elektronicznych — współczesne vanitas. Projekt Manual-a (Instrukcji Obsługi) kroju został zaprojektowany tak, aby imitować produkcję masową. Umieszczone zostały tam ostrzeżenia, kody maszynowe, a nawet charakterystyczne naklejki antykradzieżowe.

MinorGrotesk™ to nie tylko precyzyjny, techniczny krój pisma, ale również brand i narracja będąca obecna na wszystkich poziomach projektu od visuali do pojedynczych glifów.

#Świeża krew 

Asseta to firma stosująca innowacyjne rozwiązania bazujące na najnowszych technologiach, w tym modele statystyczne i narzędzia big data w celu odzyskania należności od osób zadłużonych. Strategia marki opiera się na opracowanym sloganie "ODZYSKAJ PRZYSZŁOŚĆ”, natomiast jego interpretacją wizualną jest zaawansowany system przepływu cząsteczek. Branding marki oparliśmy na trzech kluczowych elementach: 1. Jest to komunikacja werbalna „ODZYSKAJ PRZYSZŁOŚĆ”, która nawiązuje do usług windykacji (odzyskaj) oraz technologii (przyszłość). 2. Drugi element to fundament marki czyli logo. Chcieliśmy by logo Assety stało się znakiem, drogowskazem i ostrzeżeniem dla osoby zadłużonej, stąd trójkątną forma przywołująca na myśl drogowe znaki ostrzegawcze. Trzy segmenty umieszczone w znaku to nawiązanie do trzech podmiotów pomiędzy, którymi następuje przepływ / odzyskiwanie środków. 3. Trzeci element to komunikacja wizualna, która odzwierciedla motyw odzyskiwania środków. W tym celu stworzyliśmy zaawansowany system do przedstawiania dowolnej formy w sposób przepływu cząsteczek. System jest w pełni wektorowy i daje pełną kontrolę projektantowi nad tworzoną ilustracją. Cząsteczki to wizualna interpretacja "Big data" oraz nawiązanie do sloganu marki. Dzięki niemu możemy zinterpretować logo marki, tworzyć „cząsteczkowe” cyfry czy rozbudowane ilustracje. W animacjach przepływ cząsteczek ma odwrotny kierunek względem wskazówek zegara, w ten sposób jeszcze bardziej podkreślamy aspekt "odzyskiwania".

#Forma 

Liminal (z ang.)- zawieszony między dwoma stanami, w stanie przejścia. Prezentowana przeze mnie praca licencjacka polega na zaprojektowaniu nowego rodzaju pacjenta przyszłości, oraz późniejszym zbadaniu i prowadzeniu obserwacji, udokumentowanych za pomocą środków wizualnych. W publikacji przewiduję, jak będzie wyglądał dalszy rozwój inżynierii hodowli tkankowych. Zakładam powstanie nowego rodzaju istnień, które również będą wymagały leczenia i kompleksowej opieki medycznej. Pacjenci przyszłości będą zbudowani z komórek człowieka i utrzymywani przez niego przy życiu. Jak daleko posuniemy się moralnie przy tworzeniu nowych organizmów, wstępnie tylko służących człowiekowi do badań i przeszczepów organów? W pracy nie staram się odpowiedzieć na to pytanie, ale chciałabym poruszyć ten temat, zobrazować wizualnie problem i umożliwić odbiorcy wczucie się w rolę lekarza przyszłości. Na podstawie własnych doświadczeń początkującej lekarki, staram się prowadzić odbiorcę przez etapy diagnostyczne i analizę wykonanych badań. Jednocześnie podkreślam ironię całego procesu, wynikającą ze stworzenia czegoś, co później jest nam tak obce. Praca składa się z trzech części. Pierwszą jest forma przestrzenna - symbolizuje pacjenta, który jest obiektem wszystkich prezentowanych badań. Jeden element w jego wnętrzu imituje pompę utrzymującą przy życiu, umożliwia również interakcję z odbiorcą za pomocą przewodu wyprowadzonego na zewnątrz rzeźby. Drugą składową pracy jest publikacja artystyczna, będąca zbiorem zdjęć, badań, obserwacji i komentarzy. To najistotniejsza część całego dyplomu - tytułowy dziennik obserwacji. Trzecią częścią jest film, składający się z krótkich urywków wizualnie podsumowujących całość i uzupełniających badania obrazowe (załączony link).

#Świeża krew 

SatRevolution S.A. to pierwsza polska firma nowych technologii, specjalizująca się w projektowaniu i seryjnej produkcji sztucznych satelitów na potrzeby międzynarodowych agencji kosmicznych oraz innych podmiotów z sektora prywatnego i publicznego. Stworzyliśmy identyfikację wizualną, która jest odzwierciedleniem kosmicznych podróży. Wyzwaniem projektowym w procesie rebrandingu marki SatRevolution było zerwanie z dotychczasowo wypracowanym wizerunkiem startupu kosmicznego. Po analizie rynku zdecydowaliśmy się odciąć od kształtów planet, które nagminnie wykorzystywane są przez konkurencję w identyfikacjach. Postanowiliśmy zrezygnować z wizerunku ciał niebieskich a skoncentrować się na przedstawieniu brandu jako firmy technologicznej funkcjonującej w przestrzeni kosmicznej, nie tyle samą formą znaku ale wykorzystując dynamiczne zachowanie zaprojektowanego systemu i komunikacji. 1. Hasło marki - o podwójnym znaczeniu „New perspectives from space”, opisuje usługi oraz korzyści jakie marka oferuje grupie docelowej. Nowe perspektywy rozwoju biznesu oraz perespektywa jako zjawisko optyczne - nawiązujące do obiektywu satelity. 2. Typografia - bazując na kształcie paneli fotowoltaicznych umieszonych na skrzydłach satelit. Stworzyliśmy autorski font mono, wykorzystywany w logotypie oraz przy zapisywaniu nazw misji. 3. Znak - Kompozycja gwiazdy, Ziemi i satelity. Krzyż może być dekodowana jako punkt odniesienia, oś X, Y. Kwadrat - mikro-satelita, koło - Ziemia. W znaku przemyciliśmy esencje marki, pokazując produkt w przestrzeni kosmicznej. 4. Logo - Umiejscowienie sygnetu względem logotypu nie jest przypadkowe. Jego pozycja zwiększa dynamikę całego znaku a kierunek sugeruje wzrost (lot w przestrzeń). Znak działa jak satelita okrążający Ziemię. 5. Kompozycje - system, którego fundamentem jest dynamicznie rozmieszczone logo marki. Rozszerzona forma sygnetu wzbogacona została o linie, które symbolizują ruch satelity w przestrzeni kosmicznej. Marka, od samego początku swojego funkcjonowania wyznaje niezmienne wartości. Jak mówi o sobie sam SatRev „Tworzymy nanosatelity, aby zbierać dane z obserwacji Ziemi i pomagać zrozumieć zmieniający się świat.” Tę ideę oraz główne założenia projektowe udało nam się w pełni zrealizować. Dzięki wdrożeniu nowej identyfikacji SatRev umocnił swoją pozycję na rynku i zerwał z dotychczasowymi skojarzeniami startupu technologicznego. Marka w stosunkowo krótkim czasie została liderem rynku na arenie międzynarodowej, zdobywając uznanie i wsparcie wśród największych brandów Takich jak spaceX czy Virgin Orbit, które zainwestowało w polską spółkę 30 mln dol. Ponadto Logo i satelita zostały zaprezentowane na wystawie przed giełdą na Time Square w NY a sam projekt został zrecenzowany na TheBrandNew zyskując wiele przychylnych komentarzy.

#Forma 

“33 Letters for Ukraine” to spontaniczna i niezależna akcja inspirowana 36 Days of Type, podczas której każdego dnia tworzyliśmy 33 litery alfabetu ukraińskiego. Wyzwanie rozpoczęło się 7 marca i trwało do 8 kwietnia 2022 roku. Chciałyśmy wykorzystać siłę społeczności projektantów do wyrażenia solidarności z Ukrainą i pokazać, że jest to kraj niezależny, z własną kulturą, historią i językiem. Nauka cyrylicy staje się coraz istotniejsza, zwłaszcza w Polsce. Pisma alfabetu polskiego i ukraińskiego różnią się, dlatego chcemy wykorzystać to wydarzenia nie tylko, aby okazać nasze wsparcie, ale także inspirować projektantów do nauki cyrylicy. Jak dotąd, projekt zebrał naprawdę pozytywne recenzje. Wielu ukraińskich projektantów postrzegało to jako sposób na chwilowe oderwanie myśli i zaprojektowanie czegoś po raz pierwszy od rozpoczęcia wojny (Vlad Bojko), powrót do wspomnień z czasu dzieciństwa na Ukraine za pomocą typografii (Valeriia Potaichuk), oddanie hołdu ukraińskiej sztuce ludowej czy po prostu wzięcie udziału w bliższym ich sercu wyzwaniu w tym trudnym czasie. Podobnie jak w przypadku 36 Days of Type, każdego dnia zapraszałyśmy gości specjalnych, aby dotrzeć z projektem do większej liczby osób. Do projektu dołączyli m.in. Oleksiy Chekal, Zuzanna Rogatty, czy Nikolas Wróbel – każdy z nich zaprojektował specjalnie dla nas jedną literę. Dodatkowo, w brandingu używamy wyłącznie krojów pisma zaprojektowanych przez ukraińskich projektantów, ponieważ chcemy także w ten sposób promować ukraiński design. Do tej pory, by dotrzeć do większego grona odbiorców, powstała strona www, zorganizowałyśmy warsztaty z Bęc Zmianą, projekt został pokazany w ramach wystawy Independence w Galerii Midori w Tokio, a także pomysłodawczyni projektu wystąpiła na FORWARD FESTIVAL opowiadając o całym przedsięwzięciu. Zespół: Joasia Fidler-Wieruszewska – Pomysłodawczyni projektu, organizatorka, projekt strony www Alina Rybacka-Gruszczyńska – Organizatorka Aga Kotowska – Organizatorka Olenie Subchuk (Wix Studio) – Deweloperka Kroje pisma zaprojektowane przez Ivana Tsanko i Dmitri Rastvortsev

#Impakt społeczny 

DUKA X WIETESZKA DUKA 100 YEARS Rok temu zostałem zaproszony przez firmę DUKA do stworzenia koncepcji i zaprojektowania autorskiej kolekcji porcelany z okazji 100 lecia firmy DUKA. Postanowiłem podążyć tropem szwedzkiego designu, śladem kultowych szwedzkich Projektantów i Projektantek obiektów, przedmiotów, form przemysłowych, a wszystko zanurzyłem w naturze, folklorze, architekturze, literaturze, filmie etc. Powstała synteza, remix subiektywny będący moim hołdem dla 100 lecia firmy DUKA, dla szwedzkiej kultury, sztuki, muzyki, tradycji i nowoczesności. Kolekcja składa się z 11 obiektów: 10 małych filiżanek, 10 talerzyków, 10 dużych filiżanek oraz 1 dzbanka na herbatę. Dla całej kolekcji zaprojektowałem 11 opakowań (każdy obiekt zapakowany jest w spersonalizowane opakowanie) Kolekcja jest sygnowana moim podpisem. Na każdym obiekcie umieszczona jest sygnatura: DUKA X Wieteszka. Każdy obiekt ma zupełnie inną ilustracje, treść i klimat. Wszystkie zawierają po kilkanaście różnorodnych obiektów/klimatów a wszystkie zdekodowałem wewnątrz opakowań gdzie umieściłem legendę do odnajdywania obiektów wraz z opisem ich. Projekt DUKA X Wieteszka rozszerzony jest o witryny w salonach DUKA które udekorowane są elementami graficznymi kolekcji. W salonach znajdują się POSy które kierują do specjalnych stoisk / witryn w których moja kolekcja jest specjalnie oznakowana i wydzielona.

#Forma 

Poziom 511 to **** hotel ulokowany na szczycie najwyższego wzniesienia Jury Krakowsko-Częstochowskiej (511 m n.p.m.), pośród zieleni i wapiennych skał. Począwszy od otwarcia w 2012 roku, hotel budował swój wizerunek wokół połączenia z naturą i nowoczesnej architektury, wkomponowując słowo „design” nawet w swoją nazwę. Jednak kolejne działania coraz mocniej gruntowały zmianę w kierunku obiektu, który hołubi filozofię wellness i slow life. I tak – „Design Hotel & SPA” przeobraził się w „Jura Wellness Hotel & SPA”. Rebranding hotelu Poziom 511 rozpoczeliśmy od stworzenia nowego znaku – symbolu ostańców, charakterystycznego elementu otoczenia obiektu i jurajskiego krajobrazu, ale też odwołania do uważności wobec natury i życia w jej bliskości. Nie mogliśmy więc pominąć tak ważnej kwestii jak odpowiedzialność względem naturalnego środowiska, dlatego nowe hotelowe materiały, zaprojektowaliśmy myśląc przede wszystkim o nim. W ramach procesu rebrandingowego dążyliśmy do produkcyjnego minimalizmu, wymieniając część fizycznych materiałów na ich digitalowe odpowiedniki. W pozostałych aspektach wykorzystaliśmy ekologiczne surowce. Zmiany objęły m.in. materiały do pokoi hotelowych, restauracji, SPA czy hotelowych produktów, a także cały koncept wizualnej prezentacji w digitalu, w tym stworzenie zupełnie nowej strony internetowej. Studio: Suprematic Projektanci: Aleksandra Brzozowska & Joanna Jarocka Zdjęcia: Marta Chudek, Migdał studio

#Proj. przyjazne środowisku 

Projekt wystawy dedykowanej najmłodszym w Muzeum Narodowym w Gdańsku powstał w zespole: Michał Pecko (identyfikacja wizualna i opracowanie graficzne), Ewa Kierklo i Stanisław Kempa (Grupa Gdyby — architektura wystawy). Raz, dwa, trzy, rzeźba patrzy! to ekspozycja opowiadająca o rzeźbie jako obiekcie, pokazuje proces jej powstawania, eksploruje materiały, z których może być zbudowana. Identyfikacja wizualna wystawy opiera się na syntezie i uproszczeniu budulca, z którego powstają trójwymiarowe dzieła sztuki — materiały tj. kamień, metal czy drewno sprowadzone zostały do prostych, odważnych wzorów. Dwuwymiarowe kompozycje wypiętrzone w 3D stworzyły w historycznym wnętrzu kampowy pejzaż, w którym umieszczone są rzeźby i interaktywne obiekty. Wystawa wykonana została w około 90 procentach z taniego i ekologicznego budulca — bezpośrednio zadrukowywanej tektury kaszerowanej. Pozostałe elementy to oklejane bądź malowane kubiki będące pozostałością poprzednich wystaw odbywających się we wnętrzach Zielonej Bramy w Gdańsku. Dzięki użyciu materiałów i nośników dedykowanych branży graficznej/reklamowej udało się znacząco obniżyć koszty produkcji i ślad węglowy wystawy (brak nowych płyt meblowych/hdf/mdf, minimalne użycie nadrukowywanej folii, całą ekspozycję można dosłownie złożyć na płasko, co ułatwia transport i minimalizuje jego koszty i zużycie paliwa). W skład projektu graficznego wchodziło opracowanie ponad 80 elementów ekspozycyjnych, projekt plakatów i ulotek komunikujących wystawę w przestrzeni miasta, prosty wayfinding i system piktogramów, przewodnik/mapa po wystawie oraz szereg nośników cyfrowych.

#Proj. dla int. publicznych 

Escapism to podróż i ucieczka wyrażona przez dźwięki. Okładka została wykonana odręcznie - wyjątkowo przygotowałam serię wydruków tych samych plików-zdjęć, które kolejno wycinałam na wzór Izohips, a jednocześnie miałam duże skojarzenie z wyspą. Całość została po sklejeniu zeskanowana i przeprowadzona przez postprodukcję, poprawę kolorystyczną oraz przygotowanie do druku całego opakowania. Dzięki temu mamy efekt zapadania, gdzieś wgłąb, jakby skacząca postać znikała. W projekcie odwróciłam również samą postać, by właściwy kierunek spadania obrała na back-coverze. Na nim wykorzystałam materiały, które były pozostałością z projektu frontcoveru (upcycling). Ta ucieczka, ESCAPISM, to w moich oczach wyspa i jej kształt zachowałam na labelach na samym krążku winyla. Kolory typografii odnoszą się do stron winyla. Jest to projekt rzemieślniczy, łączący pracę odręczną - dzięki czemu możemy dojrzeć wszystkie niedoskonałości papieru - jak i cyfrowy - gdyż całość opakowania została wykonana w technice cyfrowej.

#Forma 

Projekt Charytatywna Aukcja Sztuki Refugees Welcome 2022 i wystawa przedaukcyjna powstały dla Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie i Fundacji Ocalenie, która zajmuje się pomocą na rzecz uchodźców. Jak piszą organizatorzy przedsięwzięcia, „kryzys na granicy polsko-białoruskiej pokazuje, jak fundamentalną kwestią jest dziś pomoc osobom uciekającym przed konfliktami zbrojnymi i prześladowaniami na tle politycznym”. Naszym zamierzeniem było stworzenie spójnych elementów w trzech głównych obszarach projektowych: identyfikacja wizualna aukcji charytatywnej jako trwałego brandu funkcjonującego przez wiele lat, komunikacja wizualna wystawy oraz nowa strona internetowa aukcji. Zadanie było o tyle skomplikowane, że na projekt Refugees Welcome składały się w naszym odczuciu nieprzystawalne motywy: kryzys humanitarny z jednej strony, i komercyjny aspekt aukcji dzieł sztuki współczesnej z drugiej. Punktem wyjścia do refleksji nad identyfikacją wizualną aukcji był projekt artystki syryjskiej Yary Said „Refugee Flag” z 2016 r. – stworzony z pomarańczowych kamizelek ratunkowych (https://www.moma.org/collection/works/221169). Projekt uchodźczyni zainspirował nas przy doborze kolorystyki (połączenia oranżu i czerni), jak i doborze kroju pisma – Fason – który posiada charakterystyczny balans łączący elegancję i zdecydowany, ostry charakter. W logotypie pojawia się również pozioma prosta linia nawiązująca do flagi uchodźczej. Drugim elementem było stworzenie komunikacji wizualnej do wystawy przedaukcyjnej, która miała miejsce w Pawilonie Muzeum Sztuki Nowoczesnej nad Wisłą w dniach 8.04-15.05.2022. Wykorzystaliśmy motyw słupów granicznych oddzielających terytoria dwóch państw – Białorusi i Polski. Potraktowaliśmy je jako wizualne symbole dwóch odmiennych światów. Celem komunikacji było stworzenie mocnego i wyrazistego języka, emanującego pozytywnym przesłaniem, a tym samym nawiązanie do aukcji niosącej pomoc uchodźcom. Trzecim elementem było zaprojektowanie UX i UI nowej strony internetowej. Stworzyliśmy wirtualny katalog prac artystów biorących udział w aukcji. Dzięki stronie internetowej użytkownik ma także dostęp do informacji o poprzednich edycjach aukcji. Zespół: deal design • studio / Jan Diehl Michałowski, Kuba Olejnik, Martyna Rudnicka, Tomek Wróbel

#Impakt społeczny 

Autorki projektu: Joasia Fidler-Wieruszewska & Aneta Lewandowska Opis: Projekt identyfikacji inspirowany jest zarówno klasycznym, jak i eksperymentalnym zapisem nutowym. Punktem wyjścia jest pięciolinia, która jest lustrzanym odbiciem nazwy - Akademia Muzyczna 
im. Krzysztofa Pendereckiego w Krakowie, dostosowująca się do aktualnej treści logotypu. 
Oznacza to, że długość słowa jest odzwierciedlona w długości linii. Przez ten zabieg znak w różnych wersjach językowych zmienia swoją formę, zachowując charakterystyczny i rozpoznawalny układ kojarzony z muzyką. Przedłużeniem tej idei jest motyw dynamizującej się pięciolinii, który jest wykorzystany w identyfikacji wizualnej. Nowy znak odzwierciedla dynamiczny i otwarty na zmiany charakter Uczelni, wzmacniany dodatkowo przez kolorystykę zaczerpniętą z wielobarwnych partytur Krzysztofa Pendereckiego, wykorzystaną w identyfikacji wizualnej. Tak wyrazista i nieprzeciętna kolorystyka jest także symbolem nieustających poszukiwań i kolejnych początków, które są miarą rozwoju twórczego. Typografia użyta w identyfikacji odzwierciedla ideę Mistrz – Uczeń poprzez zastosowanie tradycyjnego, ozdobnego fontu wraz z kontrastującym z nim fontem bezszeryfowym o nowoczesnym charakterze. Projekt zakładał opracowanie wielu elementów, od typowych dla tego typu instytucji akcydensów, po opracowanie wayfindingu, oraz szablonów do socjal mediów. Aktualnie materiały drukowane, oraz gadżety są w fazie wdrożenia. Uczelnia z powodzeniem stosuje szablony plakatów do bieżących wydarzeń na uczelni, oraz z łatwością tworzy nowe materiały w oparciu o księgę znaku i nowy Key Visual.

#Proj. dla int. publicznych 

Dla Miasta Gdańsk przygotowaliśmy pełen rebranding oraz repozycjonowanie brandu miejskiego: CZYSTE MIASTO GDAŃSK, związanego z systemem gospodarowania odpadami komunalnymi. W ramach powierzonych nam prac przeprowadziliśmy wielostopniowe warsztaty strategiczne oraz przygotowaliśmy całościową, nową identyfikację wizualną projektu.

#Proj. dla int. publicznych 

We wrześniu 2022 roku po raz drugi w Krakowie odbył się festiwal Bomba Megabitowa. To jedyne w swoim rodzaju wydarzenie, łączące świat kultury, nauki i techniki, zostało zainaugurowane w setną rocznicę urodzin Stanisława Lema, wybitnego pisarza, filozofa i futurologa, najpopularniejszego polskiego autora wszech czasów. Miałem przyjemność zaprojektować całościową identyfikację graficzną (print + digital) tego futurologicznego wydarzenia, które odbyło się pod hasłem "Człowiek - Maszyna - Roślina." Grafika miała nawiązywać do solarpunku. Klient: Krakowskie Biuro Festiwalowe

#Proj. dla int. publicznych 

Ajyal to w języku arabskim generacja, pokolenie. Po dwóch latach izolacji Ajyal Film Festiwal zorganizowano pod hasłem "Press Play”, tym samym czyniąc go okazją do ponownego zjednoczenia, odnowienia relacji społecznych i "powrotu do gry". Komunikacja wizualna łączyła w sobie 5 różnych dyscyplin sztuki i kierowana była do szerokiego grona odbiorców. Ajyal Film Festival to największe wydarzenie branżowe w regionie, którego celem jest zbudowanie silnego środowiska filmowego na Bliskim Wschodzie. Festiwal stanowi kontynuację katarskiej edycji Tribecca Film Festival, a tym co go wyróżnia jest 450 osobowe Jury młodych – Ajyal Jurors, które jest gwarantem otwartości, gotowości na naukę i świeżego spojrzenia. W 2021 pod hasłem "Press Play" odbyła się pierwsza postpandemiczna edycja Festiwalu. Prezentowane były: filmy konkursowe, gry wideo, sztuki wizualne, kino plenerowe, odbywały się spotkania i panele dyskusyjne. Grupa odbiorców to nie tylko profesjonaliści, branżowcy i pasjonaci kina ale również młodzież i dzieci. Wyzwaniem było zawarcie w jednym spójnym systemie identyfikacji wizualnej tak różnych dyscyplin skierowanych do różnych grup odbiorców. Tym co było wspólne była radość doświadczenia, pragnienie spotkania i konfrontacji z dziełem sztuki czy wytworem kultury. Festiwal stał się wyzwaniem do spontanicznej zabawy, do integracji do radości. Słowo Ajyal to w języku arabskim generacja, pokolenie. Ajyal Film Festival to wydarzenie, któremu przyświeca przekonanie, że sztuka i film mają siłę wpływania na społeczeństwo, zmiany na lepsze. Czas pandemiczny zamknął nas w mieszkaniach, oddzielił od siebie. Po 2 latach odosobnienia Festiwal stał się okazją do ponownego zjednoczenia, odnowienia więzi, powrotu do normy. W tym kontekście hasło "Press Play" odnosi się nie tylko do odtworzenia dzieła filmowego ale również do zacieśnienia więzi międzyludzkich, budowania wspólnoty i dialogu. Motto "Press Play" to zaproszenie do zabawy, do poszukiwania i odkrywania poprzez wspólne doświadczenie kulturalne. Po okresie "Pauzy" z nadzieją wkraczamy do gry. Ajyal Film Festival tworzy 5 dyscyplin: filmy konkursowe, gry wideo, sztuki wizualne, kino plenerowe, spotkania i panele dyskusyjne. Każda z tych dyscyplin została zilustrowana piktogramem opartym na symbolu „play” (czarny trójkąt). Kamera, Packman, barwny motyl, camper i dymek dialogowy zostały wplecione w słowo Play. Główny motyw graficzny funkcjonował w wariancie dwujęzycznym (angielsko-arabskim) oraz angielskim i arabskim. Powstał szereg materiałów outdoorowych, od plakatów, flag, przez banery i billboardy, po reklamy na schodach ruchomych, reklamy displayowe na ekranach w przestrzeni publicznej, projekty scen, scenografie przestrzeni. Każde wydarzenie czy projekcja otrzymało dedykowaną oprawę wizualną. Powstały materiały drukowane: katalogi, notesy, teczki oraz gadżety: koszulki, torby, bluzy, buffy, identyfikatory, smycze. Kampania była intensywnie prowadzona w mediach społecznościowych, głównie na instagramie w postaci stories, postów kwadratowych i naklejek. Istotnym elementem komunikacji były również filmy animowane reinterpretujące główny motyw graficzny. Zaprojektowano również system wayfindingu (oznaczana kierunkowe i oznaczenia obiektów) w dzielnicy kulturalnej Katara. Identyfikacja wizualna Ajyal Film Festiwal to rozległy system wizualny, wychodzący poza standardowy branding wydarzenia. Cała dzielnica Katara Cultural Village została przekształcona w wioskę festiwalową, gdzie oprócz materiałów identyfikujących wydarzenie, pojawił się dedykowany system informacji przestrzennej. Spójna identyfikacja wizualna pozostałych miejsc goszczących festiwal sprawiła, że miasto Doha przeistoczyło się festiwalowe „boisko do gry” i zapraszało do zabawy. Skoordynowane działania promocyjne, kampania digitalowa, materiały drukowane, filmy animowane czy gadżety sprawiły, że festiwal był silnie obecny w życiu mieszkańców miasta, którzy licznie odwiedzali prezentowane wydarzenia. Hasło „Press Play” wybrzmiało z całą swoją mocą przywracając optymizm i radość życia społecznego.

#Forma 

CEO Foodsi, Mateusz Kowalczyk, o nowym brandingu Foodsi: „Zmiana znacząco wpłynęła na to jak postrzegają nas Użytkownicy i Partnerzy biznesowi. W pierwszych 3 miesiącach podwoiliśmy sprzedaż, a także zaobserwowaliśmy pozytywny trend wzrostu wyników w social mediach. Co ważniejsze – to wszystko bez wyraźnego zwiększenia budżetów marketingowych. Przemyślana koncepcja stworzona przy współpracy z agencją Podpunkt pozwoliła nam lepiej zrozumieć grupę docelową, a następnie przygotować bardziej dostosowany do niej wizerunek, z którego jako founderzy jesteśmy zwyczajnie dumni! W kolejnych miesiącach po procesie rebrandingu, zebraliśmy rundę seed, która pozwoli nam szybciej rozwijać biznes. To rzecz jasna zawdzięczamy również wielu innym procesom, jednak czujemy, że to co przygotował Podpunkt wyraźnie wpłynęło na osiągnięty sukces ostatniego czasu. ” Strategia komunikacji i identyfikacji wizualnej marki Foodsi opiera się na przekazie – złap okazję, złap dobre i różnorodne jedzenie, złap i daj się zaskoczyć ciekawym smakiem, złap i ratuj. Złap to zachęta do działania, które przynosi korzyść dla użytkownika aplikacji Foodsi, ale też aktywność na rzecz Ziemi. Foodsi buduje wokół siebie społeczność ludzi, którym nie jest wszystko jedno, którzy chcą zmieniać świat. Foodsi mówi do użytkowników aplikacji w sposób bezpośredni i rzeczowy – językiem prostym, językiem korzyści, zawołaniem do działania. Jedzenie, które nie sprzedało się od razu może przywodzić na myśl jedzenie mniej smaczne. Warstwa wizualna identyfikacji została opracowana w taki sposób, żeby zburzyć ten sposób myślenia. Soczyste kolory, dynamiczne elementy, dużo światła, słodkie ikony różnorodnego jedzenia – stanowią wizualną zachętę. Znak Foodsi, jak przystało na markę digitalową, to znak responsywny i ruchomy – rączka Foodsi łapie litery w hasłach, łapie ikonki jedzenia. Koncepcję ruchu znaku można dopasowywać do konkretnego przekazu, tematu przewodniego kampanii reklamowych marki. Foodsi jest kreatywne i to wyraża znak i pozostałe elementy identyfikacji wizualnej.! Drugi element znaku to zielone jabłuszko – symbolem jedzenia i zielonej czystej natury. To o ich poszanowanie walczy Foodsi. Zakres: strategia komunikacji, voice of tone marki, znak, animacje znaku i motion design aplikacji, ilustracje, layouty mediów społecznościowych, layouty reklam outdoorowych (projekt wdrożonej kampanii promocyjnej w sieci i w outdoorze), elementy wizualne aplikacji, projekt wysyłki kreatywnej do restauratorów i partnerów Foodsi, projekt elementów wizerunkowych biura Foodsi i inne.

#Idea 

Katalog jest podsumowaniem cyklu warsztatów o sztuce współczesnej adresowanych do osób niewidomych i niedowidzących. Tematem przewodnim warsztatów była pozawizualna percepcja sztuki. Celem publikacji jest zwrócenie uwagi osób niewidomych i niedowidzących na dostępny charakter sztuki współczesnej oraz pokazanie osobom widzącym perspektywy odbioru sztuki przez osoby z wadami wzroku. Treści dostępne są również w postaci audiobooka i jako tekst do czytników. Projekt jest zgodny z zasadami adaptacji materiałów dydaktycznych dla osób słabowidzących. Konsekwentne zastosowanie się do zaleceń wiązało się z licznymi ograniczeniami w procesie projektowym. Rezultatem jest dynamiczna, wyróżniająca się kolumna i okazały format dające pierwszeństwo czytelnikom niedowidzącym. Z tym wiąże się decyzja o priorytetowym potraktowaniu warstwy tekstowej i opisów, a zarazem redukcji dokumentacji fotograficznej do minimum. Zależało nam także na podkreśleniu związku publikacji ze sztuką współczesną. Dlatego zdecydowaliśmy się na barwienie brzegów i oprawę szwajcarską, które umożliwiają efektowne otwarcie katalogu. Środkiem artystycznym są również wyraźne ingerencje w zdjęcia dzielące rozdziały. Funkcją poznawczą modyfikacji zdjęć jest próba przybliżenia obciążonej percepcji, unaocznienie czytelnikowi widzącemu trudności z jakimi mierzą się osoby dotknięte różnymi wadami wzroku. Szczegółowe informacje: Całość projektu jest zgodna z rekomendacjami Biura ds. Osób Niepełnosprawnych Uniwersytetu Warszawskiego. Przede wszystkim powiększyliśmy tekst we wszystkich elementach książki (objęliśmy tym także numerację przypisów). Zastosowaliśmy konsekwentnie w całym projekcie jeden krój: bezszeryfowy, jednoelementowy z niskim kontrastem w odmianie semibold w celu wzmocnienia kontrastu pomiędzy tłem a tekstem (font: Soleil, projekt: Typetogether). Natomiast w składzie mamy brak justowania i dzielenia wyrazów. Zgodnie z zaleceniami zrezygnowaliśmy z wcięć akapitowych, zamiast tego używamy znaku pillcrow, a poszczególne wypowiedzi osób oddzielamy światłem. Zdecydowaliśmy się na klarowne wydzielenie tekstu i obrazu. Użyliśmy grubszego niepowlekanego papieru, co gwarantuje brak refleksów i dużą nieprzezroczystość. Modyfikując zdjęcia otwierające rozdziały inspirowaliśmy się następującymi zaburzeniami zmysłu wzroku: 1. zwyrodnienie plamki żółtej (wet AMD) 2. Diplopia 3. Astygmatyzm 4. Zaburzenia po wylewie 5. Retinopatia cukrzycowa 6. Glaucoma (widzenie tunelowe) 7. Katarakta 8. Krótkowzroczność. Dla redaktorek tomu przy pracy nad treściami ważna była demokratyczna forma udzielająca głosu wielu osobom różnie zaangażowanym w sztukę. W związku z tym jednym z zadań projektowych było czytelne grupowanie głosów – ustrukturyzowanie formy w taki sposób, aby zachowując żywy demokratyczny charakter wymiany zdań uzyskać maksymalną komunikatywność. Prowadzenie przez tekst odbywa się więc przy użyciu pionowych linii przypisanych grupom: redaktorki / artyści / uczestnicy. Wsparcie nawigacji po tekście przy użyciu linii jest zgodne z wspomnianymi wyżej zaleceniami. Okładka jest interpretacją tytułowego “półcienia”. W zapisie tytułu zastosowaliśmy stopniowe zaniżanie czytelności by w ten sposób typografią nawiązać do problemów związanych z widzeniem. Gradacja kreskowania zaczyna się grubością linii użytych w layoucie a kończy na grubości barwionego na czarno brzegu. Chcemy zwrócić uwagę na: Promocję sztuki współczesnej jako niewykluczającej Layout, który uprzywilejowuje osoby z wadami wzroku Użycie środków artystycznych (deformacje zdjęć) w celach poznawczych Ścisłą zgodność z normami w procesie projektowym Projektowanie z licznymi ograniczeniami

#Impakt społeczny 

Współczesny świat proponuje nam niezliczoną ilość rozwiązań ułatwiających życie. Pozwalających trwać nam w ciągłym podłączeniu. Taka kolej rzeczy trafia w najbliższe sektory naszego życia, dom, pracę, relacje z bliskimi. Oba światy stale się przenikają̨, trudno wskazać, gdzie kończy się świat cyfrowy, a gdzie zaczyna fizyczny. Jako istoty ludzkie pojmujemy rzeczywistość tu i teraz. Świat online, miał na celu zaoszczędzenie naszego czasu, ale w świecie offline nam go zabrał. Projekt porusza temat naszego dobrostanu i relacji budowanych z światem cyfrowym, przekładając je na serie opakowań i obiektów ceramicznych inspirowanych kulturą cyfrowej rzeczywistości. Kubek jako obiekt tak powszechny, zwyczajny, towarzyszy nam od lat, stał się symbolem naszej obecności w świecie rzeczywistym, nigdy wcześniej nie był tak blisko technologii jak obecnie. Kiedy my przenosimy się do świata cyfrowego jego niewidzialność – normalność jest rodzajem znacznika na mapie naszego człowieczeństwa i najbardziej namacalnym znakiem świata realnego. W ten sposób powstała seria opakowań inspirowanych postępem i wpływem jak wywiera na człowieku. Poruszając tematy z obszaru naszego zachowania, odczuć, niebezpieczeństw, a także wizji integracji kultury podłączenia. Zaprojektowania opakowania pełniące funkcję informacyjną o zjawisku i produkcie – strona zewnętrzna. Wewnętrzna posiadają̨ walor edukacyjny – antidotum, jak radzić sobie z wyzwaniami świata online. Opakowania można rozłożyć i złożyć na drugą stronę, gdzie będą pełnić dowolnie nadaną funkcję. Od przypominania o problemie, jak i przechowywania lub organizowania przestrzeni. Stworzona na potrzeby projektu manufaktura We* jest miejscem, gdzie wytwarzane są dobra tak dla nas oczywiste, że nie dostrzegalne. Jako tak żywy przykład naszej obecności, kształty kubków inspirowane są zjawiskami FOMO, 24/7, kulturą trolli internetowych, koncepcją świata lustrzanego, a także balansem, który każdy z nas powinien zachować.

#Świeża krew 

„Ocalone Dziedzictwa. Regionalne Izby Pamięci Ziem Zachodnich i Północnych” to projekt zainicjowany przez Ośrodek „Pamięć i Przyszłość” we Wrocławiu, propagujący współpracę z podmiotami prowadzącymi izby pamięci w zakresie zabezpieczania gromadzonych przez nie świadectw historycznej zmiany. Jako studio stanęliśmy przed wyzwaniem zaprojektowania całościowej identyfikacji wizualnej, która podkreśli jak ogromne znaczenie w historii Polski ma dziedzictwo historyczne, stworzone po II wojnie światowej. Projekt logo miał za zadanie przedstawić Ocalone Dziedzictwa jako markę porządkującą i archiwizującą eksponaty, dlatego użyte w sygnecie kształty w sposób symboliczny odwołują się do kategorii według których można je podzielić: fotografie, artykuły gospodarstwa domowego, rolnictwo oraz rzemiosło. Kształty w sygnecie zostały wykreślone na siatce izometrycznej, która stała się podstawą do wygenerowania spójnego systemu wizualnego, wykorzystanego w kluczu wizualnym. Dodatkowo geometryczny sygnet został skontrastowany z szeryfową typografią, tak by podkreślić wizerunek marki starającej się umiejętnie łączyć w sobie przeszłość z teraźniejszością. Podstawą naszego procesu projektowego było znalezienie odpowiedzi na pytanie jakie rozwiązania formalne sprawią, by marka eksplorująca w głównej mierze temat historii stała się atrakcyjna dla współczesnego odbiorcy. W tym celu przeprowadziliśmy rozmowy z lokalnym środowiskiem wolontariuszy i wspólnie wytypowaliśmy te eksponaty, które mogłyby stać się nośnikiem angażującej opowieści dla dzisiejszego odbiorcy. Podczas wizyt w lokalnych izbach pamięci wykonaliśmy sesję zdjęciową wybranych eksponatów, za pomocą których postanowiliśmy opowiedzieć i wyjaśnić złożoną tożsamość nowej marki. Wykonane fotografie stały się elementem spajającym całą identyfikację wizualną. Dodatkowo zdecydowaliśmy się podnieść atrakcyjność marki zestawiając historyczne eksponaty z jaskrawą paletą kolorystyczną, tak by uzyskać jak najbardziej nowoczesny komunikat wizualny. Art direction: muflon studio Design: muflon studio Motion design: Marek Dziurkowski Project photoshoot: Marek Dziurkowski

#Proj. dla int. publicznych 

„Jej Kwantowość” powstała w ramach pracy dyplomowej na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku, na Wydziale Grafiki. Jest to transdyscyplinarna, wizualno-artystyczna interpretacja zjawisk z mechaniki kwantowej, w której nauka i sztuka koegzystują ze sobą, stanowiąc równorzędne źródła poznania tej wciąż elitarnej, nieintuicyjnej dziedziny wiedzy. Książka traktuje o początkach wszechświata, materii, złożonych systemach cząsteczek, zjawiskach zachodzących na poziomach w skali mikro. Autorem tekstu jest Jacek Binek, którego barwne opowieści odczarowujące świat kwantów, stały się inspiracją do podjęcia tego tematu. Bogactwo obrazu wynika z jego hybrydycznego i transdyscyplinarnego charakteru. Siłą przekazu są wielowymiarowość, różnorodność wypowiedzi, barwność, dosłowność, metafora oraz analogie do świata realnego jako pomostu pomiędzy postrzeganiem abstrakcyjnym, a tym co znane i namacalne. Zarówno analityczne intencje towarzyszące wielomiesięcznej pracy badawczej poprzedzającej proces projektowy, jak również pozyskane wnioski pozwoliły na konstytuowanie się pomysłu koncepcji interpretacji artystycznej pracy, która w trakcie tworzenia ewoluowała. Zależało mi na wykreowaniu tego świata na nowo, przedstawieniu jego mechanizmów w taki sposób, w jaki nikt do tej pory tego nie uczynił, przełamując tym samym jednorodne, powtarzalne schematy wizualne. Stąd sposób przedstawień zjawisk od strony fizyki kwantowej jest nowatorski, nieschematyczny, świeży, zacierający nieprzekraczalność pomiędzy skalą mikro i makro. Całość przekazu, zarówno na poziomie przedstawień, projektu layoutu, oprawy książki (szyta, grzbiet otwarty), jak również techniki wykonania okładki (druk lentikularny), miała przybliżać nieprzewidywalną, pełną paradoksów rzeczywistość. Po poruszeniu książką, portret realistyczny dziewczyny zmienia się w kwantowy. Uważam, że nie trzeba znać zaawansowanej fizyki ani formuł matematycznych, aby doświadczyć dobroczynnego wpływu rozumienia złożonych zjawisk. Fakt mentalnego oswajania praw rządzących naturą, której częścią jesteśmy niesie ulgę, spokój, przywraca równowagę, a nawet pogodę ducha w niespokojnym czasie. Uwalnia od groźnego wpływu informacyjnych śmieci oraz kłamstw osób o wątpliwym statusie moralnym i merytorycznym. Wolny, rozumiejący rzeczywistość umysł nie ulega ideologiom, które niszczą dobrostan ludzi i planety. Nic bardziej nie zabezpiecza przed obecnymi i przyszłymi tyraniami oraz ich zgubnymi ideami niż edukacja. „Jej Kwantowość” jest kierowana zarówno do dorosłych, młodzieży, osób związanych z edukacją, ciekawych i nieobojętnych, którzy następnie mogą sięgać po bardziej zaawansowane lektury z dziedziny, która już od ponad stu lat kształtuje oblicze ludzkości.

#Świeża krew 

Halisa to studium nad technologią variable i gatunkiem grotesk, którego efektem jest obszerna kolekcja krojów — pięć rodzin w sześciu grubościach, bądź dwa fonty variable. Konstrukcja liter oparta jest na superelipsie (kwadratokręgu), co daje liniom ściśnięty, blokowy charakter, wyraźniejszy w grubszych odmianach. Lżejsze odmiany pozostają bardziej transparentne tworząc razem zbalansowany stosunek charakteru i neutralności.

#Forma 

Mając po drugiej stronie muzyka bedącego świetnym malarzem stwierdziłem, że trzeba to wykorzystać i zrobić oprawę graficzną wspólnie. Dodatkowo stwierdziliśmy, że do samego wydawnictwa potrzebujemy stworzyć coś więcej co przybliży postać autora. Zaprosiliśmy do współpracy jednego z najlepszych w polsce dziennikarzy muzycznych Filipa Kalinowskiego, który poza napisaniem tekstów wprowadzających przeprowadził odważne, bezkompromisowe wywiady zarówno z Jerzykiem jak i autorem całej oprawy muzycznej - Wojtkiem Urbańskim. Jerzyk stworzył specjalną serię prac malarskich konkretnie pod swój album. Dodatkowo produkując CD tytuł płyty nadrukowaliśmy na opakowaniu plastikowym tak aby nie ingerować w sam obraz - to było dla nas bardzo ważne. Dodatkowo sam obraz frontowy został aanimowany w wersji na youtube. Do projektu dobraliśmy odważny krój pisma Nikita autorstwa Floriane Rousselot który idealnie pasował do prac Jerzyka. Sam krój stał się tworzywem reszty komunikacji - kadrowanie go pozwoliło stworzyć fajny, silny język graficzny. Dodatkowo wydaniu towarzyszył zin, który potraktowaliśmy też jako medium artystycznej wypowiedzi. Finalny zin został przez jerzyka wzbogacony rysunkami, część wypowiedzi które po czasie chciał zmienić została przez niego wykreślona. Przy niektórych swoich wypowiedziach dopisał dodatkowe didaskalia. Powstała unikatowa publikacja, której wartość kolekcjonerska będzie na pewno wysoka. Powstało rozpoznawalne na rynku wydawnictwo, jednego z najważniejszych debiutantów na polskiej scenie muzycznej AD 2022. W spójny sposób połączyliśmy dwa światy Jerzyka Krzyżyka - malarstwo oraz muzykę.

#Forma 

Bryophyta to interaktywna animacja 3D reagująca na dźwięk. Źródłem inspiracji była potrzeba akceptacji tego, że ogólnie rozumiane “procesy życiowe” zachodzą w sposób nieuchronny. Strona wizualna powstała w wyniku autorskiej interpretacji botanicznych form obserwowanych w ogrodach oraz parkach narodowych. Dostrzegając ludzką tendencję do tworzenia przestrzeni wirtualnych, zaprojektowałam środowisko immersyjne o funkcji arteterapeutycznej. Praca opowiada o iluzji kontroli, o złudzeniu jakoby człowiek zdolny był w pełni zapobiegać naturalnej kolei losu. Szczególnym przedmiotem opracowanego tematu jest granica kontroli faktycznej, czyli punkt, w którym niezależnie od naszych intencji czy starań wydarzenia będą toczyły się swoim własnym torem. Tym, poprzez co spróbowałam to ukazać i co zarazem wyróżnia tę pracę, jest pozorna przyroda, którą można regulować wedle własnych potrzeb. Proces projektowy wymagał analizy technicznej - problemem okazało się stworzenie optymalnej metody, która pozwalałaby na swobodne wyświetlanie i “zmianę pozycji” zaprojektowanych form 3d w obrębie kompozycji, ponieważ każda z nich jest oddzielnym filmem z przezroczystym tłem. Powoduje to znaczne zwiększenie rozmiaru pliku, co stanowi obciążenie dla procesorów. Podczas realizacji projektu sprawdzane było kilka sposobów programowania w pressingu, ostatecznie mechanizm powstał w programie VUO. Odbiorcy, którym w zasadzie może być każdy, proponuję pewien rodzaj zabawy. Jeśli zdecyduje się on pozostać w ciszy i skupieniu będzie miał możliwość obcowania z historią o cykliczności, nieustannym “rodzeniem” i “umieraniem”, a także opowieścią o zanikającej bliskości. Każdy dźwięk powoduje cofanie się prezentowanego wideo - aby uniknąć wrażenia mechaniczności zróżnicowałam parametry poszczególnych form, co w praktyce oznacza, że niektóre cofają się szybciej lub reagują na cichsze dźwięki. Przed ostateczną realizacją, projekt był kilkukrotnie testowany na różnych grupach odbiorców. Spostrzegłam kilka rodzajów interakcji: (1) skupienie i zanurzenie, nawet do takiego stopnia, że uczestnicy prezentacji uciszali się wzajemnie w oczekiwaniu na rozwój wydarzeń, (2) zabawa sterowanymi formami - brak zainteresowania prezentowaną historią przy jednoczesnej radości z możliwości cofania wideo, (3) zaangażowanie w prezentowaną historię - tutaj w przypadku “umierania” form dochodzi do intencjonalnego cofania animacji. Projekt traktuję jako prototyp wirtualnego świata, który chciałabym zrealizować w technologii VR.
 Autorką muzyki jest Aleksandra Kolbusz.

#Świeża krew 

Przygotowaliśmy bezkosztowo branding dla inicjatywy UKRAINKA w POLSCE, która powstała aby zintegrować różne lokalne środowiska biznesowe i niekomercyjne wokół idei wzmocnienia pozycji kobiet ukraińskich w naszym kraju. Inicjatywa ta jest szczególnie ważna dla Ukrainek dotkniętych wojną, które musiały zostawić swoich bliskich, swoje domy, swoje miejsca pracy i szukać bezpiecznego schronienia w sąsiednim kraju – w Polsce. Kobiety te, często bardzo dobrze wyedukowane, z wysokimi kwalifikacjami i chęcią do rozwoju zagrożone są marginalizacją zawodową w Polsce. Nie znając języka ani lokalnych regulacji prawa pracy mają mniejsze szanse na ponowne osiągnięcie wysokiej pozycji zawodowej i odpowiednie do kompetencji wynagrodzenie. W pracy nad projektem udało nam się zaangażować dom fontów: SPACEFONT, który udzielił nam bezpłatnej licencji do jednego z krojów, którego są autorami.

#Impakt społeczny 

Identyfikacja wystawy "Osobiste. Kostiumy teatralne Tadeusza Kantora"  z kolekcji Cricoteki prezentuje kostium jako narzędzie teatralne, najbliższe ciału aktorowi. Dzięki czemu zaangażowanie aktora w kolekcję przeradza się w intymną i emocjonalna wizualną opowieść. Problem jaki wynikał przy tworzeniu ID było utarte podejście do kostiumów historycznych, które może być nie ciekawe dla przeciętnego odbiorcy; zwłaszcza młodego. Dlatego postanowiliśmy odejść od prezentacji kostiumu jako historycznego bytu i zaproponować nowy język, idee stworzenia kampanii modowej i jako kolekcji modowej "Osobiste 2023". Zaczęliśmy od wywiadów / warsztatów z żyjącymi aktorami teatru i rozmów o kostiumie. Warsztaty pomogły nam wypracować wspólną wizję która stała się komunikatem i opowieścią. Ponieważ kostiumy z Teatrze Kantora były bardzo eksperymentalne: niekiedy kostiumy były wykonywane z papierów, metalów lub były eksperymentem łączenia i nadawania nowej formy "ubrania". Postanowiliśmy pokazać żywość nowej formy. Idealnym odniesieniem do kostiumu stała się typografia, która budowała ID, była zmienna, skalowalna i wchodziła w interakcje z obrazem, animacją. Typografia zaczęła tworzyć napięcia jako samoistny żywy materiał, skalowalny, zmienny, reagujący na bodźce, dzięki czemu stworzył się rozpoznawalny kod DNA identyfikacji. Wykorzystaliśmy typografie do budowania haseł kampanii, sloganów, wypowiedzi aktorów Cricoteki czy form printowych. Kolejnym krokiem było animacja, która łączyła wszystkie zależności i ożywiała język kampanii. np. cytaty z rozmów z aktorami falowały na materiale, po przez ruch zmieniały swoją budowę podkreślając reakcje z otoczeniem. Animowana typografia reagowała też na nagrania archiwalne (mp4) z spektakli, zmieniała swoje kształty (skale, wielkość). Ponad to powstały materiały promocyjne: plakaty, mała gazetka z wywiadami, banery na social media, animacje na social media, druki na materiałach które znajdowały się w przestrzeni wystawy, plotery na ścianach wystawy. 

#Proj. dla int. publicznych 

To pierwszy solowy album Łajzola po 20 latach rapowania w innych składach, projektach. Artysta chciał i zgodził się na to abyśmy mogli pograć jego wizerunkiem, także w sposób niestandardowy. Tytuł płyty Łajzol Serious to oczywiście nawiązanie do "Why so serious" z Dark Knight z Keithem Ledgerem. Płyta w założeniu miała być zróżnicowana - co także mieliśmy pokazać w całej komunikacji. Płyta będzie pokazywała Pawła z różnych stron - zarówno tej melanżowej, bragga też tej bardziej mrocznej, refleksyjnej. Pomysł zakłada opowieść o stanach emocjonalnych za pomocą deformacji wyrazu twarzy, pozornej radości (doklejanie uśmiechu). Oszczędność kolorów i tonacja zdjęc miały być ukłonem w świat komiksu, czytelne nawiązanie do Jokera - także. Całość w wyrazie miała być przerysowana, nie do końca poważna - jeśli gramy wizerunkiem to róbmy to odważnie. Zastosowanie prostych scenograficznie elementów (przygotowany zin, ręczne kolaże tworzone na planie, szklanki, grill) pozwoliło zbudować spójną, mocną wizualnie opowieść od śmiechu po bardziej agresywne lub szalone (absurdalne?) kadry. Stworzyliśmy wyróżniającą się na polskim rynku komunikację nowej płyty Łajzola. Zrywającą z jego wizerunkiem kojarzonym przez fanów poprzednich wydawnictw. Bardzo mocny front i spójne okładki singli pozwoliły zbudować rozpoznawalność i ciągłość wizualną podczas promocjii wydawnictwa (ponad 6 miesięcy). Kolorem wiodącym był alarmowy czerwony, odważny dobór typografii stawiał nas bliżej świata bohaterów z komiksów.

#Forma 

Zespół krakowskiego product & software developera z branży Medical Technology poświęcony jest całkowicie działaniom na rzecz pomocy wykluczonym społecznie i podnoszenia jakości ludzkiego życia. Zespół UK traktuje odpowiedzialność za ludzi priorytetowo i do tego stopnia, że odrzucają wielu potencjalnych klientów, którzy nie spełniają ich wysokich standardów zrównoważonego rozwoju i misyjności. Naszym zadaniem było uchwycić niespotykany charakter Untitled Kingdom i wartości załogi, a zarazem rozwiązać problem wprowadzającej w błąd nazwy, dalekiej skojarzeniami od branży IT i MedTech, i braku wizualnej klarowności w czym firma się specjalizuje. Untitled Kingdom jest równie osobliwą co problematyczną nazwą. Untitled symbolizuje z jednej strony United Kingdom, gdzie firmę założono, jak i nazwę nowo utworzonego pliku, startu pracy nad nowym projektem. Aby zbudować skojarzenia z IT, wprowadziliśmy zapis skrótowca untitled.kingd imitującego nazwę pliku. Rozszerzyliśmy ten zabieg na slogany i headliny, np. Digital_solutions_for_a_healthy_society.kingd (pol. rozwiązania digitalowe dla zdrowego społeczeństwa). Oparliśmy język marki na pokazaniu namacalnych korzyści z pro-ludzkiego podejścia w biznesie. Pokazaliśmy, że czynienie dobra jest po prostu opłacalne. Sygnet untitled.kingd łączy inicjały UK, a zarazem jest strzałką wskazująco na U, co po angielsku brzmi jak you (pol. Ty). Komunikujemy tym, że zmiana zaczyna się od Ciebie. Zespół UK kieruje się tą myślą we wszystkim co robią, przyjmując odpowiedzialność za projekty, swoich klientów i istotność wdrożonych rozwiązań dla społeczeństwa, zarówno jako załoga, jak i na poziomie personalnym.

#Idea