nominacje
30th Anniversary of Poznań / Shenzhen Sister Cities
Projekt logo z okazji 30-lecia współpracy miast siostrzanych Poznania i Shenzhen wyłoniony został w ramach zamkniętego konkursu, którego celem była prezentacja pomysłów projektantów z obu miast, pogłębienie wzajemnego zrozumienia i zbadanie przyszłego kierunku projektowania poprzez współpracę na polu kultury i sztuki. Podczas konkursu wybrane zostały pary projektowe, które wypracują wspólnie formę dialogu artystycznego. Twórczy dorobek współpracy projektowej „5+5” (5 par projektantek i projektantów) został zaprezentowany w serii wydarzeń kulturalnych obejmujących 3-letnią wymianę kulturalną między miastami, a inauguracja współpracy miała miejsce w 2023 r. Znak stał się elementem wyjściowym do identyfikacji wizualnej wystawy „Exhibition of Poster Design. 30th Anniversary of Poznań / Shenzhen Sister Cities” stworzonej przez jednego z gospodarzy wydarzenia – Guan Shanyue Art Museum w Shenzhen w lipcu zeszłego roku, a także wystawy „5+5 Poster from Poland and China” w Poznaniu, w grudniu minionego roku. Główną ideą logo było stworzenie znaku, który będzie lekki i dynamiczny, a użyte tu formy miały sprawiać wrażenie rozrzuconych elementów (klocków, części gry Jenga), co wskazywałoby na element gry, zabawy ale też obchodzenia się z czymś z dużą starannością. Wspomniane formy miały również odnosić się do wrażenia, że każdy z nas może podjąć działanie i zbudować z danych elementów coś nowego. Oczywiście liczba prostokątów nie jest przypadkowa, gdyż każdy z nich oznacza dekadę, a forma logo przypomina chiński znak oznaczający cyfrę trzy. Logo zostało nagrodzone w konkursie DNA Paris Design Awards 2024 Wydarzenia zostały zorganizowane przy współpracy Uniwersytetu Artystycznego im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu, Guan Shanyue Art Museum w Shezhen, przy wsparciu festiwali partnerskich Poznań Art Week oraz Fringe Festival Shenzhen. Kuratorzy: Mateusz Bieczyński, Eric Zhu Foto: Shenzhen Fringe Art Center
Album "Sainer Koloor"
Katalog został stworzony z okazji wystawy Przemysława Blejzyka "Sainera" w Muzeum Narodowym w Gdańsku. Moim zadaniem było edytorskie opracowanie materiału, czyli dokumentacji wszystkich obrazów prezentowanych na wystawie. Celem było stworzenie książki–obiektu. Album ma specyficzny charakter, który wyraża się poprzez odpowiednie dobranie zabiegów edytorskich, materiałów oraz wysokiej jakości wykonanie poligraficzne. Książka miała opowiadać o twórcy i jego dziełach, odwołując się do jego stylu – stąd duży format publikacji i różnorodność zastosowanych środków wyrazu. Motywem przewodnim publikacji jest piksel, nawiązujący do twórczości Sainera. Blejzyk w swoich pracach bada strukturę pikseli i tworzy obrazy oparte na uproszczonych, generatywnych formach, stopniowo przechodząc od figuracji do abstrakcji. Owo nawiązanie do piksela widoczne jest w kwadratowej formie albumu, kompozycjach na okładce autorstwa Sainera oraz w samym układzie graficznym wydawnictwa. Książka została wydana w oprawie szwajcarskiej, co umożliwia płaskie otwieranie rozkładówek, ułatwiając odbiór obrazów. Całość wykonano na dwóch rodzajach papieru, aby wyraźnie oddzielić prolog od części albumowej. Charakter albumu wzmacnia neonowy żółty kolor, który pełni rolę motywu przewodniego publikacji. Efektem jest wysokiej jakości, dwujęzyczna książka podsumowująca ważny okres w twórczości Sainera. To pierwsza tak obszerna publikacja poświęcona temu artyście. 1: Patryk Hardziej, design 2: Przemysław Blejzyk "Sainer", art direction 3: Konrad Zamiar, AR design
Atol – rodzina krojów pisma
„Atol has all the elegance of a fine metal cut and some subtle yet distinctive – nuanced anomalies. […] all the weights have a sense of classical and seductive contemporaneousness” – Steven Heller Atol to współczesna reinterpretacja krojów klasycystycznych. Charakterystyczny rysunek liter – np. M, N, R, e, g, t – oraz niekonwencjonalnie połączone szeryfy, wysoki kontrast, nowoczesne proporcje i subtelne detale sprawiają, że idealnie nadaje się do przyciągających wzrok, ciasno spacjowanych nagłówków w czasopismach, brandingu i animowanej typografii. Dodatkowym elementem są strzałki i warianty ozdobne liter. Krój występuje w 6 odmianach grubości i w wersji variable. Wydawca: Type & Roll. Krój jest dostępny w serwisach I Love Typography i MyFonts.
CHOCO XPERIENCE
Jedzenie ma ogromny wpływ na nasze zdrowie i samopoczucie. Kiedy jemy różne posiłki, wykorzystujemy także zmysły, które sprawiają, że możemy zacząć postrzegać daną żywność w inny sposób. Doświadczanie świata poprzez skupianie na wszystkich zmysłach umożliwia bardziej efektywne porozumiewanie się z innymi ludźmi, podwyższenie jakości życia (rozwój integracji sensorycznej), ćwiczenie uważności, zapamiętywanie konkretnych sytuacji i towarzyszących im emocji. Jedzenie czekolady najczęściej dostarcza bodźce wzroku, dotyku, węchu i smaku, a najrzadziej zwracamy uwagę na zmysł słuchu. Choco xperience to seria opakowań, które zawierają kody QR z partyturami z dźwiękami wybranej czekolady. Szata graficzna odnosi się do łamania i smaku poszczególnych czekolad: gorzka z migdałami, gorzka z pomarańczą, biała z pistacjami i biała z malinami.
Concrete Hong Kong
Interaktywna książka przedstawiająca architekturę osiedli mieszkaniowych, wybudowanych w Hongkongu w latach 1950–1980. Wykorzystując idee przyświecające architekturze modernistycznej, wzniesiono budynki mieszkalne dla mas, które na nowo zdefiniowały tkankę miejską Hongkongu. Te niebotyczne konstrukcje, wybudowane w celu zapewnienia dachu nad głową prawie trzem milionom mieszkańców, stworzyły jeden z najbardziej futurystycznych i gęsto zaludnionych krajobrazów miejskich na świecie. Poprzez urzekające fotografie i wciągające narracje, pierwsza część Concrete Hong Kong zgłębia różnorodność osiedli komunalnych, wzniesionych w drugiej połowie XX wieku, od wież Shun On zbudowanych na planie krzyża, przez tętniące życiem podwórka Choi Hung, po brutalistyczną bryłę Po Lai Court. Druga część książki zawiera sześć modeli do wyjęcia z arkuszy i samodzielnego złożenia. Potrzebny Ci będzie tylko klej! Modele do złożenia: Ying Ming Court Cho Yiu Chuen Tsui Lam Estate Shun On Estate Po Lai Court Choi Hung Estate
Craft Expo — Identyfikacja wizualna
Projekt identyfikacji wizualnej powstał dla polsko-norweskiej firmy specjalizującej się w branży eventowej. Firma zajmuje się organizacją różnorodnych wydarzeń dla firm oraz konferencji, a także projektowaniem i wykonawstwem stoisk na targach expo. Głównym celem było podkreślenie dwóch kluczowych aspektów działalności klienta: dynamicznej sfery eventowej oraz technicznej precyzji w projektowaniu stoisk. Stworzona identyfikacja wizualna charakteryzuje się dynamiką i elastycznością, co umożliwia wszechstronne wykorzystanie zarówno sygnetu, jak i logotypu. Oba te elementy mogą funkcjonować razem, tworząc harmonijną całość, ale są również zaprojektowane tak, aby mogły działać samodzielnie. Takie podejście zapewnia możliwość dostosowania wizerunku marki do różnych kontekstów i potrzeb komunikacyjnych, co jest kluczowe w dynamicznie zmieniającej się branży eventowej. Kolorowe grafiki użyte w projekcie dodają identyfikacji energii i dynamiki, nawiązując do różnorodności i żywiołowości wydarzeń kulturalnych, konferencji i targów. Paleta barw została starannie dobrana, aby odzwierciedlać zarówno kreatywność, jak i profesjonalizm, jakie firma wnosi do swoich realizacji. Dodatkowo, w projekcie zastosowano elementy o bardziej technicznym charakterze, takie jak nowoczesny monospacowy krój pisma, który pełni funkcję kroju dodatkowego, ozdobnego. Wykorzystanie siatek technicznych w projekcie podkreśla precyzję i dbałość o detale, co odzwierciedla profesjonalizm i rzemieślniczą staranność w tworzeniu stoisk targowych. Cała koncepcja identyfikacji wizualnej została zaprojektowana z myślą o spójności i wszechstronności, aby skutecznie komunikować zarówno dynamiczny, jak i techniczny charakter działalności firmy. Projekt jest nowoczesny, wyrazisty i elastyczny, co czyni go doskonałym narzędziem do budowania silnej i rozpoznawalnej marki w konkurencyjnej branży eventowej.
Duos Festival BOOK
Publikacja "Duos" to wyjątkowy projekt graficzny, który jest efektem artystycznego spotkania twórców z Polski i Kenii. Inspiracją dla tej książki była idea dialogu międzykulturowego, co znajduje swoje odbicie zarówno w treści, jak i w formie graficznej publikacji. Studio Noviki jest autorem identyfikacji festiwalu jak i projektu graficznego i typograficznego publikacji. Ksiązka zaprojektowana w 2024 roku jest podsumowaniem kilku edycji festiwalu. **Połączenie Stylów Różnych Kultur** W projekcie graficznym "Duos" widać harmonijne połączenie estetyki europejskiej, reprezentowanej przez polskich artystów, z dynamiczną i barwną kulturą afrykańską, charakterystyczną dla twórców z Kenii. Okładka i wnętrze publikacji odzwierciedlają dialog między tymi kulturami poprzez użycie zarówno subtelnych, eleganckich form graficznych, jak i intensywnych, ekspresyjnych motywów. Zastosowanie kontrastujących kolorów, inspirowanych bogactwem afrykańskiej palety, łączy się z minimalistycznymi, polskimi elementami graficznymi, tworząc unikalną całość. **Lekkie Podejście do Ramy Graficznej** Projekt graficzny "Duos" odchodzi od tradycyjnych, sztywnych ram, wprowadzając elementy spontaniczności i swobody. Układ typograficzny jest dynamiczny, z luźno rozmieszczonymi elementami tekstowymi, które nawiązują do swobodnego ducha i energii współpracy artystów. Tekst i obraz przeplatają się w sposób niekonwencjonalny, co tworzy wrażenie artystycznej improwizacji. Ten brak formalnych ograniczeń w kompozycji graficznej odzwierciedla charakter Festiwalu Duos, który stawia na kreatywność i swobodę wyrazu. **Odpowiedź na Spontaniczność Projektu Duos Festival** Graficzna forma książki jest pełna życia i różnorodności, podobnie jak sam Festiwal Duos. Wnętrze publikacji jest zaprojektowane tak, by zachęcać do odkrywania jej na nowo przy każdym otwarciu. Różnorodność formatów stron, nietypowe cięcia i przejścia między sekcjami wzmacniają wrażenie artystycznego eksperymentu, który jest sercem tego projektu. Każda strona jest unikalnym dziełem sztuki, zaprojektowanym z myślą o tym, by oddać zarówno indywidualność, jak i współpracę artystów uczestniczących w projekcie. Podsumowując, projekt graficzny "Duos" wyróżnia się jako unikalna, artystyczna publikacja, która poprzez śmiałe połączenie stylów i kultur, ciekawa kompozycję graficzną i typograficzną odpowieda na spontaniczność projektu, dokumentuje artystyczną współpracę, jak również sama w sobie stanowi autorskie działo przełamujące standardową formę albumu.
Edycja jesienna OPERA RARA KRAKÓW 2023
System identyfikacji wizualnej jesiennej edycji muzycznego festiwalu OPERA RARA został zrealizowany na zlecenie Capelli Cracoviensis. Celem projektu było odejście od historycznego i archaicznego wizerunku opery na rzecz ponadczasowej oraz nowoczesnej komunikacji, która w kontraście do utartych schematów miała za zadanie wybijać się wizualnie na tle tkanki miejskiej. Główną inspiracją do zastosowania racjonalnego i obiektywnego języka komunikacji był techniczny i surowy w swoim charakterze design tablic drogowych. Wyzwaniem było zaprojektowanie systemu, który pomimo odgórnie narzuconej ramki z logo miasta Kraków, nie straci swojego indywidualnego charakteru. Zakres projektu obejmował stworzenie nowego znaku, materiałów drukowanych oraz materiałów do komunikacji w social mediach. Zastosowanie Funktional Grotesk w grubości Semibold jako jedynego kroju pisma w projekcie, miało na celu podkreślenie racjonalnych założeń projektowych. Na potrzeby festiwalu Szwajcarski dom typograficzny, Typografische Systeme stworzył customową wersję tego fontu. Wszystkie materiały zostały zaprojektowane w oparciu o spójny system modularnych siatek graficznych, bazujących na tych samych parametrach. Istotnym założeniem systemu było zastosowanie dwukolorowych pasów umieszczanych w tle pod kątem 45 stopni – bezpośrednio nawiązujących do znaków drogowych. Poprzez swoją responsywność, każdorazowo dynamizowały i zmieniały kompozycję, tworząc wyrazisty przekaz graficzny. Dodatkowo, ramka z logo miasta Kraków została wkomponowana w całość tak, aby będąc integralnym elementem kompozycji, harmonijnie łączyć festiwal z jego lokalnym kontekstem. Projekty stworzone w ramach systemu prezentowały wydarzenie na kilkudziesięciu słupach oraz wiatach przystankowych na terenie całego Krakowa. Pomimo swojej prostoty, spójna i charakterystyczna forma przekazu wyróżniała się na tle przestrzeni miejskiej pełnej wizualnego chaosu. W efekcie wdrożenia systemu identyfikacji wizualnej, udało się także zmienić sposób postrzegania wydarzeń operowych. Od archaicznego do bardziej nowoczesnego i wyrazistego, dostosowanego do dzisiejszych oczekiwań.
Festiwal Przestrzenie Sztuki TANIEC
Całościowa identyfikacja graficzna dla Festiwalu Przestrzenie Sztuki TANIEC, organizowanego przez Wrocławski Teatr Pantomimy. Festiwal poświęcony jest współczesnemu teatrowi tańca i pantomimy. Ruch, ciało, organizm, awangarda, ekspresja, choreografia jako system myślenia — to wszystko miała zawierać oprawa wizualna wydarzenia. Dodatkowym założeniem było nieposiłkowanie się bezpośrednimi skojarzeniami z tańcem. Zagrała typografia — układ liter jako choreografia. Czy tworzenie layoutu może być podobne do reżyserowania? Czy projekt graficzny może być doświadczeniem performatywnym? Te pytania były punktem wyjścia do projektu. Dynamicznym kompozycjom literniczym towarzyszą obrazy ciała wzbogaconego o skomplikowane układy sworzni i zawiasów. To, co organiczne, jest klasyczne i dostojne. To, co mechaniczne, jest poddane eksperymentom, testom przeciążeniowym i ciągłym improwizacjom. Projekt obejmował logotyp i jego konfiguracje, plakaty, afisze, wielkoformatowe instalacje reklamowe, animowane spoty wideo, książkę programową, ulotki, harmonogramy, flagi, kostki do siedzenia, torby, plansze na ekrany, notesy, breloki, reklamy prasowe i internetowe, ilustracje do mediów społecznościowych.
Feta Festiwal
Identyfikacja wizualna tegorocznej XXVI edycji festiwalu teatrów plenerowych Feta Festiwal w Gdańsku. Wykonanie wszelkich materiałów promocyjnych takich jak: plakaty, identyfikatory, merch festiwalowy, oznakowanie terenu, broszury, zaproszenia oraz wiele innych. Projekt powstał na zaproszenie Gdańskiego Archipelagu Kultury.
FLOAT
FLOAT to marka założona przez trzech przyjaciół z Krakowa, marzących o własnej destylarni. Klient zwrócił się do nas szukając świeżego, bezpretensjonalnego i przemyślanego podejścia do brandingu. Fragment briefu: " Chcemy produkować gin w nowoczesny sposób, w nowym wydaniu, bezpretensjonalnie, ale z wielkim zapałem do eksperymentowania, dbania o szczegóły i zabawę formą. Cenimy jakość alkoholu, ale nie jesteśmy purystami. Wiemy, że gin musi być dobry, ale najczęściej i tak mieszamy go z tonikiem lub pijemy w koktajlach (...) Destylujemy bo lubimy spędzać czas z bliskimi przy dobrym drinku, rozmawiając, śmiejąc się i czasami tańcząc do białego rana. Czasami to tylko pizza na mieście, a niekiedy spotkanie na długie godziny, domówka, czy impreza w ulubionym klubie czy cocktail barze. Oprócz dobrego alkoholu chcemy sprzedawać dobre doświadczenia angażując się w ciekawe eventy i tworzyć miejsca, w których ludzie będą mogli doświadczać naszych alkoholi (...) Założyciele podkreślali wielokrotnie, że chcą coś w kontrze do polskiego rynku ginu pełnego przeprojektowanych, "złotych" pompatycznych etykiet. Rozwiązanie: Float to gin, synonim niezapomnianych chwil, ze szczyptą beztroskiej zabawy. Design czerpie inspirację z włoskich plaż i pobliskich barów, oddaje atmosferę swobodnie porzuconych na piasku leżaków i ręczników. Zaprojektowaliśmy prostą, zarządzalną identyfikacje opartą o charakterystyczny krój pisma z którego zaczerpnęliśmy też kształt do unikalnego wykrojnika etykiet. Motyw pasków pozwala też na łatwe różnicowanie kolejnych produktów, przy jednoczesnym spójnym tworzeniu portfolio marki FLOAT. 1: Jacek Walesiak, Design / Creative Direction 2: Emilia Obrzut, Naming
Identyfikacja Sinthome. Szkoły Psychoanalizy Lacanowskiej
Stworzyliśmy identyfikację wizualną dla Sinthome, Szkoły Psychoanalizy Lacanowskiej, w której główną rolę odgrywa strona www organizacji (sinthome.pl). Opis projektu poniżej. Więcej o projekcie oraz materiały animowane/wideo na załączonej stronie Behance:https://www.behance.net/gallery/176509469/Sinthome-Lacanian-School-of-Psychoanalysis 1. Założenia: Punktem wyjścia dla zmiany tożsamości wizualnej i projektu strony była potrzeba uporządkowania struktury organizacyjnej (obejmującej działania Sinthome jako grupa praktykujących analityków, szkoła i stowarzyszenie) oraz skutecznego komunikowania oferty (klinicznej dla analityków – pacjentów gabinetów psychoanalitycznych oraz samokształceniowej dla analityków – członków stowarzyszenia). Istotne potrzeby marki stanowiło także podkreślenie dominującej pozycji Sinthome jako instytucji organizującej środowisko polskich analityków lacanowskich, stworzenie procesów wspierających organizację oraz narzędzi komunikacyjnych dla organizacji spoza Polski, w celu usprawnienia wymiany wiedzy i pomysłów z siostrzanymi organizacjami w innych krajach. Głównymi celami strategicznymi było zbudowanie świadomości marki, profesjonalizacja wizerunku i skuteczna komunikacja. Strona internetowa miała odzwierciedlać te założenia, a jednocześnie posiadać nieoczywisty charakter poziomie formalnym i symbolicznym. Oczekiwano od nas głębokiego zanurzenia się w bliskich analitykom Sinthome koncepcjach światopoglądowych i ideach filozoficznych, aby wynik pracy podkreślał specyficzny sposób funkcjonowania środowiska skupionego wokół psychoanalizy Lacana. 2. Identyfikacja: "Sinthome jest tym co pojedyncze w każdym z osobna" – w odpowiedzi na cytat chcieliśmy stworzyć dominujący element identyfikacji: sygnet rozbity na moduły, symbolizujący szkołę/organizację i stanowiący podstawę do tworzenia dynamicznych elementów wizualnych. Dobór środków formalnych w projekcie identyfikacji i strony postanowiliśmy oprzeć na zasadzie kontrastu – od treści merytorycznych ułożonych funkcjonalnie i hierarchicznie w sterylnej, białej przestrzeni, po elementy rozbijające tę racjonalną strukturę, wyrywające się z rytmu, zakłócające kierunek czytania. Psychoanaliza Lacanowska opiera się na grze słów, pozwala na dyskusję opartą na paradoksach i dopuszcza element zaskoczenia – język wizualny i doświadczenie użytkownika miały zawierać te elementy. 3. Strona www: Na bazie nowej identyfikacji wizualnej stworzyliśmy rozbudowaną stronę internetową, której struktura została opracowana na podstawie warsztatów z członkami stowarzyszenia. Treści merytoryczne/funkcjonalne skontrastowaliśmy z kontentem wprowadzającym element zaskoczenia: przy scrollowaniu zmienia się kierunek czytania, zamazujemy film dając możliwość podglądania jedynie jego wąskiego fragmentu, pozwalamy użytkownikowi samodzielnie obracać figury 3D itd. W projekcie wykorzystaliśmy wiele nowych technologii i technik dystrybucji treści wizualnych, animowanych plików wektorowych, elementów trójwymiarowych i efektów aktywowanych przewijaniem. Aby zagwarantować wygodę i przyjemność korzystania z serwisu, wprowadziliśmy także wiele animowanych interakcji.
Identyfikacja wizualna i projekt opakowań dla nowej marki Daitose
W linku do projektu przesyłam dokumentację projektową, która opisuje założenia, decyzje projektowe i rozwiązania techniczne. Krótki opis pracy Identyfikacja wizualna i projekt opakowań dla nowej marki Daitose Kontekst Kategoria rynkowa: FMCG Subkategoria: Oleje Produkt: Olej Chilli / Chilli Crunch SKU: 3 (obecnie 5) Zadanie: Opracowanie komunikacji wizualnej i werbalnej, dla nowego produktu spożywczego. Zadania szczegółowe: Nazewnictwo marki, ton komunikacji, elementy identyfikacji wizualnej, projekt systemu dla opakowań, projekt materiałów powiązanych: Web, Pop-Up, Fotografia. Założenia projektowe Zadaniem nowej marki było organiczne wejście na rynek bez potrzeby dużych nakładów finansowych na start. Jako marka własna, nie dysponowała ona znacznymi budżetami marketingowymi, co stawiało przed nami szczególne wyzwanie. Mimo ograniczonych środków, wiedzieliśmy od początku, że marka musi być wyrazista i unikatowa zarówno w komunikacji, jak i w aspektach wizualnych. Kolejnym kluczowym elementem naszej strategii była chęć osadzenia marki w kontekście wschodnio-brzmiących, niejednoznacznych nazw. To założenie dotyczyło zarówno werbalnych, jak i wizualnych rozwiązań, które miały dodać marce tajemniczości i wyjątkowości. W sferze wizualnej marka chciała skupić się przedewszystkim na wyglądzie produktu i jego opakowania. Kluczowym celem było zapewnienie, aby produkt prezentował się doskonale zarówno na sklepowych półkach, zwłaszcza w modnych piekarniach, jak i w rękach klientów. Naszym wyzwaniem było stworzenie czegoś charakterystycznego, co miałoby ogromne znaczenie na ograniczonej przestrzeni etykiety. Decyzje projektowe Marka nie będzie miała jednego stałego logotypu, ponieważ ze względu na swoją unikalną nazwę, jej identyfikacja wizualna może być dostosowywana do stylu poszczególnych opakowań. Mimo to, logotyp stanowi kluczowy element komunikacji, odgrywając istotną rolę w architekturze informacji – jest umieszczany na pierwszym miejscu, wyżej niż smak produktu. Każdy produkt (SKU) powinien znacząco różnić się wizualnie, jednak layout i typografia powinny opierać się na silnym i powtarzalnym systemie, co zapewni spójność w identyfikacji marki. Zainspirowani azjatycką kulturą wizualną, chcieliśmy przyjrzeć się jej z europejskiej perspektywy. Naszym celem było wyłonienie tych elementów, które będą harmonizować z naszym programem projektowym, zakładającym racjonalne podejście do treści oraz typografii, a także restrykcyjne zasady dotyczące siatki layoutu. Zbadaliśmy również różnice w odbiorze kolorów i uszlachetnień, które w kulturze europejskiej różnią się od tych na Dalekim Wschodzie. Efektem naszych poszukiwań był krótki moodboard, który określał główne założenia projektowe i stanowił pomoc przy podejmowaniu dalszych decyzji w procesie projektowania. Rezultat Marka Daitose weszła na rynek organicznie, dzięki atrkacyjnej formie produktu, nazwie i komuniakcji werbalnej i wizualnej stała się porządana w miejscach zakupu grupy docelowej—śniadaniownie, najlepsze miejskie piekarnie. Mimo, że marka jest w trakcie rozwoju, tworzy nowe produkty i smaki, już na tym etapie można powiedzieć, że zrealizowała założenia które stawiała sobie na początku. Wizerunek marki był i jest głównym, oprócz samego produku, driverem do podejmowania decyzji zakupowch zarówno przez konsumentów, jak również przez miejsca sprzedaży. W ramach projektu udało się opracować system komunikacji, spójny wizualnie i powtarzalny (mimo jego maksymalistycznego charakteru w niektórych odsłonach). Wyzwanie związane z opracowaniem etykiet również okazało się sukcesem, godziny spędzone na przygotowaniu projektu do druku, proofach i testach technologii produkcji zaowocowały z jednej strony stosunkowo tanią etykietą, a z drugiej projektem, który mimo małych rozmiarów, nie da się przeoczyć w miejscach sprzedaży. Projekt Tomek Pilch — koncept, typografia, projekt, DTP Błażej Bauer — packaging copy, naming Daitose — zamawiający
identyfikacja wizualna KOT
Neon i znak dla gdańskiego klubu KOT. Wewnątrz znajdują się liczne lokale, w tym restauracje, kawiarnia, kino i klub.
Identyfikacja wizualna Sen Maszyny
Sen Maszyny to hybrydowy projekt studia noviki wspłtworzony na każdym etapie z AI - na który składa się wiele elementów: identyfikacja wizualna projektu, materiałow internetowych, strony www 14 minutowy esej wizualny i instalacja przestrzenna (novki + ai) - link poniżej scenografia współtworzona z ai jako scenografia spektaklu w teatrze Słowackiego w Krakowie (fragmenty w makeing off) projekt ogrodu oraz projekt tekstur na meble ogrodowe (noviki+ai +projektanci zieleni) wszystkie te elementy stworzone przez studio noviki opisane są w artykułach w prasie i filmikach wideo w linkach poniżej https://bmwartclub.pl/ tekst kuratorski: http://www.press.bmwgroup.com/poland/article/attachment/T0442781PL/617700 dokładny opis projetu: SEN MASZYNY zbudowany jest z wielu dopełniających się elementów. Pierwszy to esej filmowy przedstawiony w formie multimedialnej, immersyjnej wystawy w przestrzeni wystawienniczej MOS Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Drugim jest nawiązująca do filmu instalacja prezentowana w znajdującym się przy placu św. Ducha ogrodzie miejskim Teatru im. Słowackiego, zrewitalizowanym i zaaranżowanym według koncepcji NOVIKI dzięki wsparciu BMW. W eseju filmowym publiczność zostaje zaproszona do przypominającej marzenie senne rzeczywistości, kreowanej razem z artystami przez sztuczną inteligencję. Narracja oparta jest na motywie podróży, która odbywa się zarówno w przestrzeni, jak i w świadomości wypełnionej pozostającymi w procesie ciągłych przemian wyobrażeniami. To podróż oddająca ideę mobilności inteligentnych technologii, definiujących przyszłość i umożliwiających człowiekowi kreowanie oraz rozpoznawanie nowej, wielowymiarowej rzeczywistości, w której przenikają się porządki wirtualny, realny i naturalny. Podobnie płynną tożsamość ma narrator/narratorka filmu, postać o wielu twarzach, która ucieleśnia obecność śniącej sztucznej inteligencji w przedstawionej fabule. Trasa podróży wiedzie ku miejscom i przestrzeniom będącym modelami nowej, rozszerzonej rzeczywistości. Jednym z nich jest teatr – metafora maszyny do produkcji wyobrażeń. Innym jest ogród przedstawiony jako miejsce powoływania do istnienia i rozwijania tworów przekraczających granicę między tym, co biologiczne, a technologiczne. W realizacji filmu wzięli udział aktorki i aktorzy Teatru im. Słowackiego w Krakowie: Lidia Bogaczówna, Marta Konarska, Daniel Malchar i Antek Sztaba. W zdjęciach wykorzystane zostały również zabytkowe wnętrza gmachu Teatru. Sekwencje nakręcone na fizycznym planie filmowym połączono ze scenami i obrazami wygenerowanymi przez sztuczną inteligencję. NOVIKI zaprosili ją do rozwijania składających się na SEN MASZYNY motywów, poszerzając zbiór obecnych w eseju wyobrażeń o efekty halucynowania algorytmów. Do przedstawienia eseju filmowego zaprojektowana została multimedialna wideoinstalacja. Nadaje ona projekcji futurystyczną, przestrzenną formę, która umożliwia publiczności głębsze zanurzenie się w rzeczywistości wykreowanej przez artystów we współpracy ze sztuczną inteligencją. Budując instalację, NOVIKI podążają za myślą legendy filmowej awangardy, Siergieja Eisensteina, który postulował wyzwolenie filmu z ram płaskiego ekranu kinowego i myślenie o tym medium szerzej, wielowymiarowo, poza ograniczającymi swobodę ekspresji, standardowymi formatami. W eseju filmowym ważną rolę odgrywa warstwa dźwiękowa. Na zaproszenie NOVIKI stworzyła ją Zoi Michailova, artystka audio, kompozytorka i DJ-ka na scenie klubowej występująca jako Facheroia. Michailova związana jest z queerowo-feministycznym kolektywem KEM oraz Centrum Kultury Włączającej Teatr 21. Ma na koncie współpracę z czołowymi instytucjami sztuki (m.in. Centrum Sztuki Współczesnej – Zamek Ujazdowski, Muzeum Sztuki Nowoczesnej) i festiwalami (Warszawa w Budowie, Ephemera, Malta Festival Poznań). W jej wszechstronnej działalności ważne miejsce zajmuje komponowanie muzyki i projektowanie dźwięku do spektakli, działań performatywnych, prac wideo i wystaw. Elementy ścieżki dźwiękowej stworzonej we współpracy z Zoi Michailovą, a także fragmenty dialogów z filmu stanowią tworzywo drugiej części SNU MASZYNY – instalacji audio. Miejscem jej prezentacji jest położony przy placu św. Ducha ogród Teatru im. Juliusza Słowackiego w Krakowie. Do jego aranżacji NOVIKI zaprosili Kubę Kuleszę – agrocybernetyka związanego z interdyscyplinarnym kolektywem eksperckim Grupa Robocza, który zajmuje się teorią oraz praktyką projektowania opartego na synergii elementów technologicznych i naturalnych. Poddany gruntownej rewitalizacji ogród zamieniony zostanie w miejską oazę – przestrzeń relaksu i wytchnienia od codziennego zgiełku, w której publiczność będzie mogła jednocześnie przebywać wśród natury i wsłuchiwać się w echa narracji śniącej sztucznej inteligencji. Ogród będzie trwałym efektem piątej edycji „BMW Art Club. Przyszłość to sztuka”. Dzięki wsparciu BMW, przestrzeń przez ostatnie lata niedostępna dla mieszkańców Krakowa i turystów, stanie się na powrót częścią tkanki miasta - powróci w nowej, zrewitalizowanej według koncepcji artystów formie. linki które opisuja projekt dokładniej: podcast: https://www.vogue.pl/a/podcast-szturm-sztuk-s-4-odc-3-noviki-o-ai-i-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka artykuły w prasie: https://www.rp.pl/teatr/art40752781-sztuczna-inteligencja-wyrezyserowala-spektakl-w-teatrze-im-slowackiego https://teatrwkrakowie.pl/aktualnosci/bmw-art-club-sen-maszyny https://www.vogue.pl/a/piata-odslona-projektu-bmw-art-club-przyszlosc-to-sztuka-o-sztucznej-inteligencji https://www.designalive.pl/sen-maszyny-kiedy-sztuczna-inteligencja-ma-halucynacje/ https://www.whitemad.pl/en/dream-of-the-machine-a-new-edition-of-bmw-art-club-the-future-is-art/ program telewizyjny : https://www.youtube.com/watch?v=Bh3D3n_bvxw Linki dotyczące samej pracy: Esej wizualny - współtworzony z ai - zarówno w warstwie scenariuszowej, wizualnej jaki i znaczeoniowej. przedstawia opis roli współczesnych technologii, koegzystencji z twórcą, i symbolicznie rozwój systemów Ai w kontekście ludzkiego śnienia, archetypów, creatywnośći - esej jest artystyczną metodą badawczą, połaczeniem animacji, grafiki która stała sie identyfikacja projektu, fizycznego ogrodu w krakowie wyśnionego przez Ai https://youtu.be/WRg_Oo8w88s makeing off: https://www.youtube.com/watch?v=A-RcX9_p8CE&t=17s https://www.youtube.com/watch?v=OFrTdVF2oi8 W projekcie „Sen Maszyny” nie tylko współpracujemy z zaawansowanym systemem AI, ale również ukazujemy, że współpraca grafików z tym systemem redefiniuje paradygmat roli projektanta we współczesnym świecie. Nasze podejście wykracza poza traktowanie tej współpracy jako zwykłego narzędzia do tworzenia grafik. Przeciwnie, dążymy do nadania głębszej koncepcji całemu projektowi, integrując narracje pozawizualne oraz łącząc elementy natury, takie jak ogród, z technologiami rzeczywistości rozszerzonej (AR), instalacjami i esejami filmowymi. Naszym celem jest nie tylko prezentacja twórczego potencjału systemu, ale również nadanie mu pewnej podmiotowości, ukazanie pełnego spektrum jego obecności i możliwości, w tym także poprzez krytyczne spojrzenie na te nowe perspektywy. Poprzez takie podejście staramy się zainicjować dialog o przyszłości projektowania, w której AI staje się pełnoprawnym partnerem, a nie tylko narzędziem w rękach człowieka.
identyfikacja wydarzenia poetyckiego „Poets of Today – Voices of Tomorrow”
Wydarzenie w ramach międzynarodowego projektu „Poets of Today – Voices of Tomorrow”. Prace objęły projekt identyfikacji, 11 kart z wierszami i ekranów wyświetlanych podczas wydarzenia. W czasie odczytu swoje wiersze zinterpretowało 5 poetów z krajów partnerskich projektu. Polskę reprezentowała Małgorzata Lebda. Do promocji projektu i przeprowadzenia lekcji poetyckich został zaprojektowany zbiór pocztówek z urywkami wierszy, ilustrowanych zdjęciami Rafała Siderskiego. Umieszczone na drukach kody QR przekierowują do tekstów wierszy oraz ich interpretacji nagranych w formie plików audio przez poetów. Perforowana karta może zostać podzielona – jedną jej część stanowi pocztówka, a miniatura zdjęcia z portretem autora może zostać użyta jako zakładka do książki. Na zdjęciach, wydrukowanych na niepowlekanym papierze, został naniesiony przy użyciu lakieru wybiórczego logotyp projektu. Organizator: Fundacja ARTeria, Anna Ochmann, Wenancjusz Ochmann
Jan Hollender. Projekty
Książka jest częścią cyklu mającego na celu udokumentowanie historii polskiej grafiki użytkowej, ze szczególnym naciskiem na znak graficzny. Tym razem bohaterem albumu, który towarzyszył wystawie, był Jan Hollender (1907–1989) – wybitny polski projektant. Publikacja miała stanowić uzupełnienie ekspozycji. Jan Hollender zasłynął jako twórca znaków takich jak: Pekao (1956), Tarchomińskie Zakłady Farmaceutyczne „Polfa” (1956), Centrum Zdrowia Dziecka w Warszawie (1972), Fabryka Płyt Gramofonowych „Pronit” (1959), oraz „Projekt” (1962). Książka wypełnia istotną lukę w historii polskiego designu XX wieku. Katalog składa się z dwóch części. Pierwsza krótko opisuje biografię Jana Hollendra i przedstawia jego najbardziej znane prace. Druga część to prezentacja ponad 100 znaków wybranych spośród 250 zwektoryzowanych projektów. Książka została wydrukowana na dwóch rodzajach papieru, aby wyraźnie oddzielić poszczególne sekcje. Okładka zadrukowana Pantone w kolorach miedzianym i neonowym pomarańczowym podkreśla klasyczny charakter sylwetki projektanta, zestawiając go ze współczesnym kontekstem. Publikacja wzbogaciła wiedzę na temat polskiej kultury wizualnej w dziedzinie znaku graficznego. Dzięki dwujęzycznemu wydaniu, książka zyskała popularność również wśród projektantów zagranicznych.
Jira Knowledge Book
Jira to skomplikowany, nieatrakcyjny wizualnie program, który nie zachęca użytkownika do korzystania. Niestety nie ma w sobie niczego co sprawiłoby, że uwiedzie odiorcę od pierwszego kliknięcia. Jak w takim razie, opowiedzieć nowemu człowiekowi w pracy o tym systemie zarządzania projektami? Jak przekonać projektantów, copywriterów i specjalistów od mediów społecznościowych do zapisywania czasu poświęconego na konkretne projekty? Jak sprawić, żeby polubili wspólnie planowanie z zespołem swojej pracy na najbliższy tydzień? I nie myśleli o Jirze jako o nudnym milionie tabelek? My spróbowaliśmy! Chociaż wiemy, że tak uporządkowany sposób pracy nie jest oczywisty dla niezależnych, kreatywnych ludzi pracujących w Admind. Dlatego w naszej interaktywnej publikacji "Jira Knowledge Book" pokazaliśmy to bardzo biurowe oprogramowanie jako grę, prawie zabawę, swego rodzaju wyzwanie. Trochę jak "Eurobiznes" z dzieciństwa, lub pierwsze gry na Atari. W naszym podręczniku, przewodnikiem po tym świecie jest A_dam (trochę maser a trochę monster), wszystkowiedząca litera A. Tak naprawdę A_dam to zwykły facet, który uważa się za mistrza Jira! Dzięki jego wiedzy i dużej dawce humoru oswajamy nowych członków zespołu z narzędziem, którego będą używać codziennie. Świat A_dama to pulchne i nieco landrynkowe ilustracje. Bez przesadnej powagi i udawanego profesjonalizmu pomagają zrozumieć zawiłości bardzo profesjonalnego systemu! Założyliśmy, że nasza publikacja będzie jak najbardziej interaktywna i dzięki temu zaangażuje i wciągnie odbiorców. Przekazaliśmy niezbędne informacje, dając równocześnie możliwość zabawy, klikania, odkrywania kolejnych poziomów tej gry. A czasem głupkowaty humor A_dama pomoże rozładować napięcie związane z pierwszymi krokami w Jirze! Idea i tekst: Rafał Krawczyk Opracowanie treści: Magda Hutny, Morgan Nicholas-Karpiel, Izabela Palińska, Zofia Zeman Creative Director: Marta Szmyd Art directing: Andrzej Leraczyk Design: Liliana Fryda
Kamil Pivot - KAM - RAP - POL
Punkt wyjścia: Hip-hopowa płyta “KAM-RAP-POL” Kamila Pivota najpierw zrodziła się jako pomysł na tzw. concept-album, na którym każdy utwór opisywał inny pomysł na biznes. Dopiero na dalszym etapie prac powstał tytuł i pomysł na to, by wszystkie utwory na płycie nawiązywały poetyką do nazw polskich firm powstających w latach 90., np.: KAM-CAR, KAM-ŁUK, POL-KAM-TEL. Wtedy też pojawiło się wyzwanie - w jaki sposób wydanie i oprawa albumu może nie tylko korespondować z treścią utworów, ale też swoją formą nawiązać do płyt wydawanych w Polsce pod koniec lat 90 ? Pomysł: Kamil zwrócił się do mnie z pomysłem na identyfikację całego projektu jeszcze przed nagraniem płyty. Opowiadając mi o projekcie bardzo szybko wpadłem na pomysł, żeby podkreślić w mocny sposób założenie stojące za muzyką. Poetyka nazw polskich firm - znamy to wszyscy. Postanowiłem wykorzystać stylistykę typopolo, graficznych samoróbek, źle przyklejonych szyldów i całą oprawę wizualną pociągnąć w ten sposób. Egzekucja: Stylistyka lat 90, nietrafione zestawienia kolorów, błędy w składzie tekstu, odklejające się szyldy to wszystko widać w oprawie graficznej towarzyszącej albumowi. Każdy materiał od okładek digitalowych, przez napisy w klipach po wydanie cd jest opowieścią dokładnie o tym o czym są teksty Kamila. Na rynku muzycznym opartym o wysokobdużetowe sesje zdjęciowe, ai, mocne zestawienia kolorów udało się stworzyć coś bezpretensjonalnego a jednocześnie wyróżniającego się. Najważniejsze dla mnie było to, że udało się oprawą graficzną dopowiedzieć muzykę i pomysł na album - to było dla mnie kluczowe. Design: Jacek Walesiak Photos / Music Videos: Grzegorz Hospod
KANDLE
KANDLE to niezależne rzemiosło. To marka oferująca produkty wpierające codzienne rytuały. Świece sojowe (i w przyszłości inne produkty komplementarne) tworzone są z dbałością o ekologię i o doznania wizualne. Wspierają positive vibe każdego, kto chce aktywnie doświadczać życia na własnych warunkach. A wszystko w duchu japońskiej filozofii życia w zgodzie z samym sobą i w kojącym kontakcie ze sztuką. Ma to swoje odzwierciedlenie w niesamowicie prostym/surowym, ale przemyślanym brandingu, który oparty jest o jeden krój pisma, stonowaną kolorystykę beżów, ilustracje i oszczędne kompozycje. Na projektach widzimy tę ciszę, która towarzyszy naszym rytuałom. Marka startuje ze świecami, dlatego też są one pretekstem do nazwy - naming powstał w nawiązaniu do angielskiej nazwy “świeca” - candle - KANDLE. Logotyp przypomina znak z japońskiego alfabetu, a jednocześnie jest czytelny i prosty w swojej formie. Odbiorcy marki to entuzjaści niezależności, którzy cenią sztukę i dobry design, a jednocześnie świadomie doświadczają życia i tworzą swoją przestrzeń. Dlatego też marka miała cechować się rebelianckim charakterem. Powstała walka pomiędzy wschodem (inspiracje), a zachodem (odbiorcy). Stąd dość ciężkie, ale przełamane niuansami ilustracje, które prezentują wariacje masek używanych w japońskich teatrach. Nawiązują one do stylistyki KAWAII, która określa ich delikatność i zabawowość, co stanowi zdecydowane przełamanie konwencji ciężkiego ujęcia tematu rebel na zachodzie. Same ilustracje stanowią interpretacje zapachu np. w policzkach portretu ze świecy SAMA SOJA upchane są ziarenka soi. Dodatkowo alternatywny klimat podkreśla kompozycja tekstowa etykiet, która wydaje się być nieco egzotyczna w zachodnim odczuciu estetyki. Nawiązuje ona do podpisów wschodnich dzieł sztuki. Na etykiecie świec logo funkcjonuje jako pieczątka artysty, a treść wyżej obrócona jest o 90°, żeby zachować pionowy układ treści (podobnie jak ma to miejsce na japońskich układach typograficznych). Na zdjęciach produktowych widzimy jakby zastaną sytuację - “ten moment”, który tak bardzo zbliża nas do zatrzymania się i kontemplacji. Ta naturalność kadru staje się dopełnieniem faktu korzystania z bezpiecznych dla nas i dla środowiska produktów. OFF-DUTY CRAFTS FOR PEOPLE WHO CARE Zakres prac: naming + logo brand strategy branding illustration identyfikacja wizualna brand guidelines
Love Tattoos / Szyld
Realizacja szyldu dla Love Tattoos odpowiada na kilka istotnych potrzeb. Przede wszystkim, odpowiada na potrzebę marki poprzez zapewnienie czytelnego oznakowania lokalu, co ułatwia klientom odnalezienie salonu i podkreśla profesjonalizm oraz unikalny charakter marki. Dla odbiorców, szyld stanowi klarowne i estetyczne oznakowanie, poprawiając ich doświadczenie i ułatwiając znalezienie miejsca. Projekt w kontekście zanikających technik ręcznego malowania szyldów i złocenia, podnosi świadomość na temat konieczności ich promocji. W ten sposób działam na rzecz zachowania dziedzictwa rzemieślniczego i jego adaptacji w nowoczesnym świecie. Dodatkowo, poprawa jakości oznakowań przyczynia się do podniesienia estetyki miejsc publicznych, inspirując inne lokale do podjęcia podobnych działań i przyczyniając się do ogólnej poprawy wyglądu przestrzeni publicznych. Główną ideą było zaprojektowanie customowych napisów i zastosowanie kompozycji typograficznej opartej na kontrastowym połączeniu dwóch słów: Love i Tattoos. Słowo "Love" jest nowoczesną interpretacją klasycznych angielskich pisanek, w nowoczesnym wydaniu – bez kontrastu i bardziej kanciastej formie. Natomiast do słowa "Tattoos" użyto grubej, szerokiej szeryfowej litery o niskim kontraście. Do wykonania napisu zastosowano 12-karatowe złoto płatkowe, polerowane na efekt lustra i nakładane na klej przygotowany własnoręcznie z zachowaniem klasycznych proporcji. Sam napis składa się z łącznie z 13-tu warstw różnych materiałów (klejów, farb, złota itd.). Do przeniesienia szablonu na szybę użyto techniki przepróchy – klasycznego sposobu polegającego na perforacji papieru radełkiem, a następnie przeniesieniu napisu na szybę za pomocą talku. Wszystkie etapy malowania szyldu, od przygotowania szablonu, poprzez użycie pędzli i narzędzi, aż po receptury klejów, opierały się na zasadach klasycznego signpaintingu.
Luna "The Tower" - oprawa graficzna albumu
Oprawa wizualna publikacji winylowej eurowizyjnego singla LUNY pt. "The Tower". Album został wydany w formie podwójnej koperty (record cover plus sleeve cover) z uszlachetnieniami w formie wybiórczo drukowanej błyszczącej folii UV. Matowe wykończenie oferuje wyrafinowane tło, które kontrastuje z selektywnymi, błyszczącymi elementami folii - takimi jak pola szachownicy i wieża szachowa - tworząc dynamiczną grę światła i cienia, która ujawnia się dopiero w bezpośredniej interakcji. Koncepcję graficzną uzupełnia czerwony, transparentny winyl. Projekt graficzny koncentruje się wokół trzech kluczowych elementów wizualnych: fotografii artystki, nowoczesnego kroju pisma i wzorze szachownicy. Dodatkowo nietypowe justowanie tekstu zostało kreatywnie wykorzystane do nadania wrażenia projektu będącego grą, eksperymentem. Całość tworzy spójną estetykę i uderzający efekt wizualny, który nabiera charakteru w bezpośrednim kontakcie z odbiorcą. Projekt wyszedł spod szyldu Universal Music Polska. Autorką fotografii jest Dorota Szulc. Oprawę wizualną zaprojektowała Angelika Bujak Kaplan.
MANDEL
Mandel - polska marka funkcjonalnych, personalizowanych torebek po 9 latach na rynku przeszła ewolucję. Nowa idea marki: “I decided not to decide” razem z jej identyfikacją wizualną odzwierciedlają zmiany w myśleniu o projektach torebek i w estetyce założycielki: z klasycznego minimalizmu w odważniejsze, czyste formy z nieoczywistymi twistami. Język wizualny marki odzwierciedla nowy kierunek w projektowaniu torebek: z klasyki w odważniejsze, czyste formy z nieoczywistymi twistami. Nowe logo widać na wszystkich modelach, a skrócone do formy sygnetu, w elementach dekoracyjnych i konstrukcyjnych torebek. Nowej odsłonie marki towarzyszyła kampania ze zdjęciami Loli Banet. Sesja zainspirowana została kształtami i nazwami torebek Mandla: Almond, Dumpling, Croissant, Cannolo czy Fortune Cookie. W myśl idei „I decided not to decide”, kampania decyzjami związanymi z wyborem jedzenia. Nowe logo i sygnet Mandla opierają się na specjalnie zaprojektowanych literach, których mocna, wyrazista baza i ostre kąty zostały zmiękczone kontrastującymi, uroczymi detalami. Użycie w typografii uzupełniającej to Neuf, fontu o francuskich korzeniach, to ukłon w stronę początków marki i jej pierwszych inspiracji. Z idei “I decided not to decide” wychodzi też zmieniająca się cyklicznie paleta kolorów: Stały zestaw trzech kolorów (z super chłodną czerwienią jako wiodącą) w identyfikacji uzupełniamy kolorami sezonowymi. Nowa odsłona MANDLA wpasowała się w potrzeby założycielki marki, która ma poczucie, że znów utożsamia się z własną marką. Komunikacja spotkała się też z entuzjastycznym odbiorem klientek, obserwatorek i mediów (w tym Vogue). Elementy identyfikacji od niemal roku są używane przez zespół Mandla, udowadniając swoją funkcjonalność, z łatwością adaptując się do codziennej komunikacji. Logo i jego wersje sprawdzają się jako elementy dekoracyjne i konstrukcyjne, stając się integralną cześcią produktu. CREDS: creative & art direction, ID design - Kaja Dobrzańska creative & copywriting - Adriana Hochmańska strategy & creative support - Paula Gurgul logo design - Ewa Kucharska fotografka, zdjęcia kampanii - Lola Banet stylizacje - Monika Kalicińska, Gabriela Kalisty set design - Justyna Bugajczyk, Marcin Wydrzyński MUA - Joanna Beredzińska fotograf, zdjęcia produktowe i butiku - Marcin Łabuz
Miasto–Moda–Maszyna
Miasto–Moda–Maszyna to publikacja będąca uzupełnieniem narracji wystawy stałej w Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi. Publikacja jest merytorycznie niezwykle rozbudowana – zawiera bogato ilustrowany przewodnik po trzech piętrach i jednocześnie sekcjach wystawy, katalog obiektów muzealnych, eseje kreślące kontekst problemowy, historyczne tabele oraz liczne infografiki. Zróżnicowanie treści było projektowym wyzwaniem, bo w jednej, spójnej formie należało wprowadzić dużą liczbę rozwiązań typograficznych. Zastosowaliśmy dwa kroje pisma – ozdobny szeryfowy i prosty grotesk, co dało duży wachlarz możliwości. Cała publikacja została zaprojektowana w odcieniach naturalnej bawełny, grafitu nawiązującego do żeliwa i smaru maszyn włókienniczych, dymu fabrycznych kominów oraz żywego oranżu (piąty kolor w druku) – cegły łódzkich fabryk. Ważnym elementem publikacji jest równolegle prowadzona narracja fotograficzna – precyzyjnie dobrane fotografie archiwalne przeplatają się z wyrafinowanymi, współczesnymi zdjęciami detali maszyn tkackich oraz wyrazistymi portretami łódzkich robotników. Kolejnym istotnym elementem publikacji są szczegółowe i przejrzyste infografiki, schematy oraz rozbudowane tabele – dopracowane w najmniejszym detalu. Okładka został wydrukowana na ekologicznym papierze, o miękkich trawiastych włóknach, co zagwarantowało dużą elastyczność, przy jednoczesnej grubości, okładki i łatwość korzystania z przewodnika. Okładkowy kolaż zrealizowany w oparciu o archiwalne fotografie hali tkalni oraz autorskie liternictwo tytułu zostały wydrukowane sitodrukiem, co dało dużą wyrazistość, przy jednoczesnym zachowaniu struktury papieru. Efekt nierównomiernie poszarpanych włókien, przypominających strzępki bawełny został graficznie powtórzony na stronie tytułowej. Taki bawełniany pył unosił się w historycznych halach, obecnie salach muzeum. Z bawełny i poliamidu została wykonana tasiemka, a jej skład wydrukowany na niej nawiązuje do treści publikacji.
Morfos Design
Morfos Design to studio architektoniczne z siedzibą w Mediolanie. Specjalizuje się w projektowaniu zaawansowanych obiektów krytycznych 24/7 (centra operacyjne, pomieszczenia kontrolne) Firma posiada ponad 20-letnie doświadczenie w projektowaniu tych wymagających przestrzeni, kładąc nacisk na innowacyjność, ergonomię oraz integrację elementów natury z nowoczesną technologią. Rezultatem prac strategicznych jest stworzenie ram projektowych, które odzwierciedlają filozofię marki, opartą na równowadze między technologią a naturą oraz silnej orientacji na użytkownika. Znak słowny Morfos składa się z liter wykreślonych w taki sposób aby ich forma odzwierciedlała główne kategorie wizualne marki. Dynamiczne i płynne kształty używane są, aby przekazać ruch i energię. Znak został zaprojektowany w taki sposób, aby był elastyczny i adaptowalny, co umożliwia różne konfiguracje w zależności od kompozycji i kontekstu w jakim ma zostać zastosowany. System "Winiet" jest rozszerzeniem logo systemu, które umożliwia silniejszą integrację logo do firmowych kompozycji. Kształty zaczerpnięte z natury stanowiły inspirację do stworzenia tego języka wizualnego. Jest to bezpośrednie nawiązanie do stylu projektowania stosowanego przez architektów Morfos Design. Team: markiewicz.studio Strategy & Concept: Michał Markiewicz Creative Direction & Design: Michał Markiewicz Motion & 3D: Kasia Olejarczyk Graphic Design: Edyta Mucha Web Design: Edyta Mucha
Nieczytelność
Książka: Nieczytelność – dychotomia funkcji i formy w projektowaniu graficznym w oparciu o działania typograficzne i liternicze jest próbą dookreślenia, czym jest nieczytelność, jakie są obszary występowania tego zjawiska oraz jaki wpływ ma ono na finalny odbiór dzieła. W tekście przedstawiona została także unikalna zależność pomiędzy formą znaku a jego funkcją w oparciu o wypracowane doktryny renomowanych typografów i wybitnych przedstawicieli dziedziny projektowej. Praca ta, stała się także okazją do rozważań wokół granicy czytelności znaku literniczego oraz warunków jego implementacji. Celem projektu nie było tylko określenie co czyni literę czytelną, lecz wykazanie jak trudno precyzyjnie wykreślić granice nieczytelności we współczesnej komunikacji wobec dynamicznie zmieniających się czynników zewnętrznych, podatne na modę i subiektywne oceny. Nieczytelność – jako język graficzny – oferuje jednak twórcy przyjemne poczucie wolności. Znak literniczy, który wyzwala się ze swojej funkcji, odradza się w innej materii, o szerszym działaniu artystycznym, wymuszając na odbiorcy nieustanną reewaluację tego co jeszcze odbieramy jako literę. Książka ma wymiar 210 × 270 mm. Wielkość ta jest kompromisem pomiędzy reprezentatywnym, albumowym wydaniem, a poręczną książką do czytania. Proporcje strony o zmniejszonym kontraście ekonomicznie mieszczą się na arkuszu drukarskim, przy jednoczesnym odejściu od standardowego dla dokumentów tekstowych formatu A4. Współczynnik proporcji, wysokość i szerokość strony ma wartość 1.28. Parametr ten zbliżony jest do wartości popularnych na rynku tabletów – urządzenia te, podobnie jak powstałe wydawnictwo, służą zarówno do czytania, jak i do oglądania. Okładka książki, wykonana z czarnej tektury barwionej w masie kaszerowanej tworzywem syntetycznym, wprowadza w projekt sterylny, techniczny chłód ekranu, spotykany w urządzeniach multimedialnych. Błysk okładki dobrze kontrastuje z matowym, siermiężnym charakterem wnętrza wydawnictwa a wypukłość materiału przywodzi na myśl matrycę. Ozdobny charaktery sztywnej okładki to także współczesna interpretacja bogato inkrustowanych kodeksów. Pierwsza i ostatnia składka wydawnictwa została przeznaczona na strony tytułowe, spis treści i wstęp na początku książki, a zakończenie i bibliografię na końcu. Składki te formalnie odcinaną się od pozostałej części wydawnictwa, pozbawione są interpretacji graficznej charakterystycznej dla wszystkich rozkładówek w rozdziałach, a formatowanie tekstu jest wyraziste. Strony te wyróżnia min. znacznie większa punktacja i mocne zaznaczenie akapitów poprzez wykorzystanie inicjałów. Papier do to DNS Indigo w gramaturze 150, wykorzystywany w technologi druku płynnym atramentem HP Indigo, pozwalającej na uzyskanie maksymalnie matowego druku, przy produkcji wydawnictw w niskim nakładzie. Marginesy zewnętrze rozkładówek zostały tak zaprojektowane, aby przy odpowiednim przechyleniu stron w bloku książki, pojawiał się napis. Przy wygięciu bloku w prawo, kaskadowo układające się strony budują przy krawędziach powtarzający się napis FORMA. Wygięcie bloku w lewo natomiast tworzy słowo FUNKCJA. Książka staje się tym samym prostą, analogową animacją, ilustrującą tytułową dychotomię formy i funkcji. Projekt książki opiera się o siatce skrojonej z trzynastu łamów, choć ich rola w budowaniu kręgosłupa publikacji jest umowna. Służą one do porządkowania tekstu i przypisów, ale nie wyznaczają ścisłych obszarów pojawiania się tekstu głównego. Tekst prowadzi czytelnika meandrami poprzez kolejne strony w formie wypełnionych pól tekstowych czy rozsypanych, pojedynczych linijek. Takie podejście do projektowania wydawnictwa pozwoliło, aby zarówno grafika jak i tekst, współistniały jako ważne, aktywne elementy w aranżowaniu kompozycji. W wydawnictwie zrezygnowano z wyróżniania akapitów przez wcięcie lub dodatkowe światło wierszowe; zastępstwie, wykorzystano znak akapitu z dostępnych glifów. Brak wyraźnej przerwy w tekście sprawia, że przybiera on strukturę cieczy, która bez końca zalewa kolejne strony, niczym niekończący się proces skrolowania treści na stronach internetowych. Szarość tekstu, uzyskana przez bezakcentowy skład i jednostajny rytm liter – nie była wartością, którą kierowano się w tym projekcie. W przeciwieństwie – skład ma na celu podtrzymywać odbiorcę w niemalejącym napięciu, dynamicznie zmieniając warunki pojawienia się tekstu na każdej rozkładówce. Litera, którą cechuje zmienność w punktacji i brak możliwości pełnej kontroli nad sposobem jej implementacji, bliższa jest środowisku digitalnemu niż druku. Przypisy w tekście zostały dodatkowo wyróżnione jako wyraziste cyfry wersalikowe, bez zastosowania indeksu górnego, w kontrze na prostokątnej formie. Pole to zbliżone wielkością do pola znaku, przywodzi na myśl ołowianą czcionkę. Środkowa oś, akcentowana przez paginę, to ważny element kręgosłupa publikacji. Pojawiająca się na rozkładówkach interpretacja typograficzna, choć kompozycyjnie wyważona, w założeniu ma być wycinkiem większej całości, której jedynie fragment jest oglądany przez odbiorcę. Czerń i biel, użyte w publikacji mają również symboliczne znaczenie. Tak jak noc i dzień, dobro i zło, cisza i dźwięk, pełń i pustka – opozycyjne wartości współistnieją, zakorzenione w świadomości ludzkiej poprzez obserwację dualizmu świata. Każdy rozdział wydawnictwa rozpoczyna się stroną tytułową. Rozkładówki w rozdziałach to nasycone graficznie obrazy, czerpiące inspiracje z różnych technik tworzenia litery. Pojawiają się wyraźne nawiązania do poszczególnych etapów rozwoju technologi druku i jej wpływu na formę znaku literniczego. Litery, w tym procesie, ulegają swobodnemu przetworzeniu i deformacji, niejednokrotnie odbiegają od czytelności ideogramu. Książka ma w założeniu być obiektem eklektycznym, w którym mieszają się różne środki ekspresji plastycznej, od szablonu, skanu, rastra, do precyzyjnej linii wektorowego rysunku lub trójwymiarowego renderu. Każda kolejna rozkładówka walczy o uwagę widza. Jest odrębną kompozycją typograficzną, która swoją formą podejmuje próbę nawiązania do treści tekstu głównego. Mnogość obrazów i ich gęstość, może wywołać u odbiorcy wrażenie maksymalnego nasycenia wizualnego – przytłoczenia, które często towarzyszy użytkownikom w przeglądaniu materiału graficznego w internecie.
Publikacja towarzysząca kandydaturze Miasta Rzeszowa w konkursie o tytuł Europejskiej Stolicy Kultury 2029.
Projekt jest zgłaszany przez zespół projektowy: Tomasz Pilch (Blürbstudio), Aleksander Znosko (Aleksander Znosko Studio), Błażej Bauer. Krótki opis pracy Publikacja towarzysząca kandydaturze Miasta Rzeszowa w konkursie o tytuł Europejskiej Stolicy Kultury 2029. Punkt wyjścia i wyzwanie projektowe Zaprezentowanie kandydatury w stosownej formie: poprzez projekt adekwatny do idei stojących za proponowanym konceptem. Szczególne wyzwanie dotyczyło odgórnie określonego formatu i ściśle ograniczonej liczby stron — w zestawieniu z ogromną ilością treści do pomieszczenia w ramach książki. Istotnym rozpoznaniem w punkcie wyjścia był też trend wykazywany przez większość krajowych kandydatur w poprzednich latach: dominująca estetyka turystyczna, pstrokata, na niskim poziomie powagi. Koncepcja W odpowiedzi na centralny koncept propozycji Miasta Rzeszowa — „Moving Map”, Rzeszów stający się geograficznym centrum Europy wraz z powiększeniem tejże o Ukrainę, kultura jako ważna europejska tarcza w dobie rosyjskiej agresji — postawiliśmy na stylistykę aktualnie właściwą szanującym się instytucjom (zarówno tym bardziej tradycjonalistycznym, jak i wyraźnie awangardowym) w Zachodniej Europie: elegancję i powagę zdeterminowane przez wpływy szwarjcarskie w projektowaniu. Do nowoczesnej typografii dołączyły w założeniach precyzyjny skład tekstu, znaczący dobór koloru i akcent wykończenia okładki — mające subtelnie podkreślić przekaz, bez estetycznego przeładowania. Egzekucja Perfekcyjny skład publikacji podkreślił powagę podnoszonej sprawy. Miejscowo zdynamizowane layouty nawiązały do kontekstu kulturowych przeobrażeń. Zieleń, będąca kolorem życia, wyartykułowała zbawienną rolę kultury — ale też zarejestrowała funkcję kultury jako narzędzia walki, będąc kolorem wykorzystywanym w kamuflażu; kamuflażowy był również efekt przetworzenia fotografii w całej publikacji. Zastosowany do kalendariów i schematycznych planów kolor srebrny zakodował przyszłość, jej pożądaną wizję. Tłoczenie na okładce powieliło powtórzoną w tytule literę M do postaci skierowanego naprzód śladu bieżnika: drogi, jaką należy podążąć w myśl postępu. Rezultat Rzeszów zaprezentował się na europejskim konkursie jako odosobniony przypadek, w którym kultura nie została sprowadzona do rangi souveniru. Miasto zakomunikowało nie tylko doniosłą wagę kultury w epoce politycznego tumultu, ale i swoją rozwojową otwartość na rozwiązania nowoczesne. Tym samym okoliczności administracyjno-urzędowe, jakie ustanawia postępowanie konkursowe, okazały się skuteczną sposobnością do promocji najlepszych standardów projektowania graficznego. Projekt Aleksander Znosko — koncept, typografia, projekt Tomek Pilch — koncept, typografia, projekt Błażej Bauer — redakcja, skład i łamanie Michał Pac — opracowanie ilustracji Estrada Rzeszowska — zamawiający
Publikacja Zorka Wollny
Biograficzna publikacja Zorki Wollny, zaprojektowana przez studio nowiki, stanowi unikalny przykład połączenia formy graficznej z narracją biograficzną. Publikacja jest koncepcyjnie zorganizowana jako graficzna partytura, która nie tylko dokumentuje życie i twórczość artystki, ale także angażuje wizualnie poprzez dynamiczne kompozycje graficzne. W projekcie tym grafika jest integralną częścią narracji, świadomie interferując z tekstem i fotografiami. Taka interakcja tworzy rytmiczny układ, który prowadzi czytelnika przez kolejne etapy życia i pracy artystki. Poszczególne elementy graficzne zostały zaprojektowane tak, aby współgrały z treścią, dynamizując rytm całej publikacji i podkreślając jej złożoność. Projekt ten nie ogranicza się do tradycyjnej formy książki biograficznej, lecz proponuje nowatorskie podejście, gdzie wizualne kompozycje stają się narratorem na równi z tekstem. Dzięki temu publikacja zyskuje na wielowymiarowości, oferując czytelnikowi nie tylko informację, ale i doświadczenie wizualne, które oddaje charakter i intensywność twórczości Zorki Wollny. - publikację mogę dostarczyć do wglądu
Rebranding iTaxi
Idea Marka iTaxi dąży do tego, aby stać się najbezpieczniejszą, najbardziej inkluzywną i zrównoważoną platformą transportową w Polsce. Silna motywacja i odważne działania klienta zainspirowały nas do gruntownej przebudowy identyfikacji wizualnej i odświeżenia nieaktualnej strategii komunikacji marki. Przeprojektowaliśmy rdzeń komunikacji marki transformując narrację inspirowaną technologią “smart” w humanistyczny, skupiony wokół użytkownika storytelling: ja + usługa = iTaxi Logo Aby wyróżnić markę spośród konkurencyjnych przewoźników, postawiliśmy na silny sygnet, podkreślający technologiczne ambicje i rozwojowe pomysły klienta. Konstrukcja sygnetu oparta jest o formę dopełnienia, jaką jest postawienie kropki nad i, a jej geometria zawiera w sobie nawiązanie do narracji ja + usługa. Zaproponowany przez nas logotyp dopowiada genezę sygnetu, która szczególnie w wersji animowanej czytelnie ilustruje podróż z punktu A do punktu B, tłumacząc jednocześnie ideę zależności między użytkownikiem, a usługą. Kolorystyka Budując paletę kolorystyczną marki zależało nam na zaproponowaniu świeżych, pełnych energii barw, które jednocześnie odwoływać się będą do tradycji taksówkarskiej i nie powielą rozwiązań charakterystycznych dla konkurencji. Postawiliśmy na zachowanie historycznej tożsamości marki przy jednoczesnym wzmocnieniu jej cyfrowego core’u i dobudowaniu palety odcieni dopełniających o jasno określonych funkcjach.przyporządkowane odpowiednim funkcjom i tematom komunikacji. Typografia i layouty Nowa typografia marki w połączeniu z czystością jej nowych layoutów sprawia, że marka jest bardziej nowoczesna, przejrzysta w odbiorze i w widoczny sposób kładzie akcent na komunikację z klientem. Modułowość i prostota gridów stosowanych w języku iTaxi gwarantuje łatwość w przygotowaniu assetów po stronie zespołu klienta. Brak ozdobników i zbędnego chaosu wizualnego komunikuje nowe założenia strategiczne marki, w których najwazniejsza jest szczerość, przejrzystość i bezpieczeństwo użytkownika. Flota pojazdów Jednym z największych wyzwań jakie postawiło przed nami projektowanie nowego brandingu iTaxi było stworzenie nowych wzorów oklein dla całej floty pojazdów, jaką dysponuje klient. Wraz z zakupem nowych samochodów elektrycznych pojawiła się potrzeba zbudowania systemu, który budowałby nową tożsamość marki a przy tym w czytelny z poziomu ulicy sposób wyróżniałby i podkreślał funkcje poszczególnych pojazdów floty. Komunikacja Wraz z nową strategią komunikacji marki i nowym zestawem wartości, którymi kieruje się iTaxi, pojawiła się potrzeba stworzenia i określenia ram dla spójnego tone of voice brandu. Przygotowaliśmy podstawowy słownik marki wraz z koncepcją języka komunikacji, który na podstawie wyznaczonego przez nas kierunku klient rozwinął wraz ze swoim działem komunikacji i partnerami specjalizującymi się w copywritingu.
S(cool) zine.
Zin, czy raczej książeczka, stanowi nostalgiczną podróż do czasów szkolnych i beztroskich lat dzieciństwa. Zamknięte w niej elementy szkolnego życia odzwierciedlają wspomnienia, które nosi w sobie każdy z nas. Niezobowiązująca forma przywodzi na myśl zeszyty szkolne, pełne naszych notatek i rysunków, a dominująca czerwień nawiązuje do koloru nauczycielskiego długopisu, symbolu ocen i komentarzy, które niegdyś kształtowały naszą młodzieńczą rzeczywistość.
Scrips
Projekt marki Scrips, w szczególności produkt CAPS by Scrips, stanowi doskonałe połączenie unikalnej idei i świetnej formy. CAPS by Scrips to innowacyjne suplementy diety oparte na bazie grzybów, które wspierają pamięć, koncentrację, równowagę emocjonalną i ogólne zdrowie psychiczne. Ta koncepcja stanowi serce projektu i napędza jego rozwój, nadając mu kierunek oraz witalność. Myśl przewodnia projektu koncentruje się na stworzeniu produktu, który nie tylko poprawia zdrowie i samopoczucie, ale także w pełni realizuje wartości zrównoważonego rozwoju. Idea łączenia naturalnych właściwości grzybów z ekologicznymi praktykami produkcji sprawia, że CAPS by Scrips to produkt, który odzwierciedla holistyczne podejście do zdrowia i odpowiedzialności wobec środowiska. Wykorzystanie grzybni i biomasy do produkcji opakowań, które ulegają pełnemu rozkładowi w ciągu 40 dni, to rozwiązanie, które minimalizuje wpływ na środowisko i wprowadza innowację do rynku suplementów. Co więcej, opakowanie może być ponownie użyte jako doniczka, co nie tylko redukuje ilość odpadów, ale także inspiruje do myślenia proekologicznego. Forma projektu CAPS by Scrips wyróżnia się na rynku dzięki przemyślanemu i estetycznemu designowi. Słoiczek wielokrotnego użytku, zaprojektowany z dbałością o każdy szczegół, łączy w sobie funkcjonalność z elegancją. Charakterystyczne wgłębienie w nakrętce ułatwia korzystanie z suplementu, a jego nowoczesny i stylowy wygląd sprawia, że może być eksponowany w przestrzeni domowej – na półce z książkami czy obok kosmetyków. Takie podejście podkreśla wysoką jakość wykonania, a także harmonizuje z ideą, że produkt zdrowotny może być zarówno praktyczny, jak i piękny. Mistrzowskie wykorzystanie narzędzi współczesnego projektowania graficznego jest widoczne we wszystkich aspektach wizualnej tożsamości marki, od kolorystyki po materiały promocyjne i projekt strony internetowej. Strategia komunikacji i sprzedaży marki, ograniczona do sprzedaży online poprzez stronę internetową, pozwala na bezpośrednie zaangażowanie klientów i budowanie silnej relacji z marką. Atrakcyjne wizualnie opakowanie, które świetnie prezentuje się na zdjęciach i wideo, dodatkowo wspiera promocję produktu, zachęcając klientów do dzielenia się zdjęciami w mediach społecznościowych, co wzmacnia organiczny wzrost i rozpoznawalność marki. Podsumowując, CAPS by Scrips to projekt, który wyróżnia się dzięki swojej inspirującej idei opartej na zdrowiu i ekologii oraz dzięki mistrzowskiej formie, która łączy estetykę z funkcjonalnością. To produkt, który nie tylko odpowiada na potrzeby współczesnych konsumentów, ale także wyznacza nowe standardy w dziedzinie zrównoważonego projektowania, łącząc naturalne właściwości grzybów z nowoczesnym i przyjaznym dla środowiska podejściem do designu.
Silver Rocket - Infinity Fidelity
"Infinity Fidelity", najnowszy album od Silver Rocket wydany w 29 lutego 2024 roku, wyróżnia się zarówno w sferze muzycznej, jak i wizualnej. To projekt, który świadomie łączy tradycyjne formaty nośników z nowoczesnym podejściem do produkcji i designu. Album został wydany w trzech starannie zaprojektowanych formatach: płycie LP, płycie CD oraz kasecie magnetofonowej, z myślą o różnych preferencjach słuchaczy. Edycja winylowa przyciąga uwagę eleganckim, czarno-białym wzorem, który spójnie wpisuje się w estetykę albumu. Wysokiej jakości dźwięk winylu oraz jego estetyczny wygląd czynią tę wersję szczególnie atrakcyjną dla kolekcjonerów i miłośników analogowego brzmienia. Wydanie na płycie CD wyróżnia się nowoczesnym, minimalistycznym projektem graficznym, który odzwierciedla koncepcję albumu. Czarno-biała paleta kolorów i geometryczne wzory są kontynuowane na opakowaniu, zapewniając spójny i elegancki wygląd. Użycie wysokiej jakości materiałów, subtelne tekstury i precyzyjnie dobrane wykończenia nadają całości trwałość i estetykę. Kaseta magnetofonowa, choć traktowana głównie jako produkt retro, została zaprojektowana z myślą o słuchaczach ceniących analogowe doświadczenie audio. Surowy dźwięk kasety, w połączeniu z nowoczesną muzyką, tworzy intrygujący kontrast, podkreślając unikalny charakter wydania. Każdy format, od płyty winylowej po kasetę, został starannie dopracowany, aby zapewnić wyjątkowe wrażenia zarówno wizualne, jak i dźwiękowe. Koncepcyjne wydanie składające się z dwóch dysków, zaprojektowanych tak, aby mogły być odtwarzane jednocześnie. Innowacyjnym rozwiązaniem jest możliwość słuchania dwóch nośników dźwiękowych równocześnie, co wzmacnia efekt interakcji człowieka z maszyną. To nowatorskie podejście nie tylko wzbogaca doświadczenie słuchowe, ale także wpisuje się w filozofię eksperymentowania, która jest bliska Silver Rocket. Każdy dysk można odtwarzać osobno, oferując zupełnie różne wrażenia. Dzięki tej funkcji, słuchacze mogą eksplorować różne aspekty albumu w czasie rzeczywistym, dostosowując swoje doświadczenie do własnych preferencji. Mogą porównywać dwie wersje utworu lub cieszyć się jedną z nich. Taki poziom zaangażowania i innowacji podkreśla zamiłowanie Silver Rocket do przesuwania granic tradycyjnych formatów muzycznych i eksperymentowania z nowymi formami prezentacji. "Infinity Fidelity" staje się tym samym nie tylko albumem, ale również interaktywnym doświadczeniem artystycznym, które oferuje słuchaczom możliwość odkrywania muzyki w sposób, jakiego wcześniej nie mieli okazji doświadczyć. Wydanie dostępne jest w wersji Dolby Atmos, co dodatkowo wprowadza słuchaczy w nową jakość dźwięku przestrzennego. Dzięki tej technologii, zyskuje trójwymiarową przestrzeń akustyczną, pozwalając na bardziej immersyjne i precyzyjne doznania dźwiękowe. Dolby Atmos umożliwia słuchaczowi wczucie się w każdy szczegół produkcji, co podkreśla złożoność i głębię brzmienia. "Infinity Fidelity" to album, który konsekwentnie łączy precyzyjną produkcję muzyczną z dopracowaną oprawą graficzną, oferując różnorodne doświadczenia zarówno pod względem estetycznym, jak i dźwiękowym. Każdy z nośników, na którym został wydany, odzwierciedla specyficzne założenia projektu, umożliwiając odbiorcom wybór takiego formatu, który najlepiej odpowiada ich preferencjom. Silver Rocket po raz kolejny pokazuje, że zarówno dźwięk, jak i obraz mogą współgrać, tworząc harmonijną całość. Okładka albumu to przemyślana synteza prostoty i nowoczesności. Charakteryzuje się minimalistycznym, czarno-białym wzornictwem, które odwołuje się do klasycznej estetyki muzyki elektronicznej i awangardowej. Jej czysta, geometryczna forma sugeruje precyzję i elegancję, jednocześnie nawiązując do idei nieskończoności i doskonałości, co harmonijnie koresponduje z tytułem albumu. Projekt graficzny, z naciskiem na kontrasty, doskonale odzwierciedla dualizm obecny w muzyce Silver Rocket, podkreślając równowagę między tradycją a nowoczesnością. Dodatkowo, okładka symbolizuje dualizm człowiek / maszyna, łącząc ludzkie cechy z kodem binarnym, co stanowi wizualne odzwierciedlenie głównych motywów albumu. Innowacyjnym elementem jest ruchoma animacja, która dodaje dynamiczny wymiar do wizualizacji albumu. Wprowadza to nową warstwę interaktywności i estetyki, podkreślając nowoczesny charakter projektu. Idea, muzyka, design, wideo - Mariusz Szypura
SŁUP: The Polish Poster Column
Interaktywny art book, celebrujący najbardziej kreatywną epokę w historii polskiego plakatu, zwaną Polską Szkołą Plakatu, poprzez jedne z najznamienitszych afiszy filmowych i teatralnych, powstałych od lat 1950. do późnych lat 1980., oraz kultowy obiekt służący do ich ekspozycji w przestrzeni publicznej – słup ogłoszeniowy. Książka jest podzielona na dwie części: pierwsza zawiera dziesięć plakatów do wyrwania i oprawienia, zaprojektowanych przez takich mistrzów i mistrzynie jak Jan Lenica, Henryk Tomaszewski, Wojciech Fangor, Wiktor Górka, Jerzy Flisak, Maria „Mucha” Ihnatowicz, Witold Janowski i Jakub Erol, natomiast w drugiej części znajduje się model słupa z miniaturowymi plakatami, do wyjęcia z arkuszy i złożenia. Potrzebny Ci będzie tylko klej! Słup od Zupagrafika jest publikacją dwujęzyczną, wszystkie teksty w książce są w języku polskim i angielskim. Prolog do książki napisała historyczka sztuki, Katarzyna Matul. W środku: 10 polskich plakatów na perforowanych stronach, które można wyrwać i oprawić Wymiary plakatów: 24 x 34 cm Słup ogłoszeniowy do złożenia + małe plakaty, które można na niego przykleić Wysokość słupa: 20 cm
System informacji wizualnej dla kompleksu biurowego Lakeside w Warszawie
Lakeside to warszawski zespół budynków biurowych w obrębie dzielnicy Mokotów, zaprojektowany przez studio Grupa 5 Architekci. Już na etapie projektu obiekt ten uzyskał precertyfikację BREEAM na poziomie „Outstanding” oraz WELL na poziomie „Gold’’. Certyfikat WELL to pierwszy na świecie system certyfikacji, w którym budynki oceniane są pod kątem ich wpływu na zdrowie i samopoczucie korzystających z nich ludzi. Skupia się on na zastosowaniu szeregu rozwiązań, które mają pozytywny wpływ na samopoczucie, ogólną kondycję, satysfakcję i produktywność pracowników. Nasz wayfinding jest dodatkowym dopełnieniem całego założenia architektonicznego. Grafiki i oznaczenia w przestrzeniach wspólnych budują przyjazną atmosferę i sprawiają, że użytkownicy bez problemu poruszają się po skomplikowanym obiekcie. Każdy system informacji wizualnej powinien harmonijnie współgrać z architekturą i projektem aranżacji wnętrza, w którym się znajdzie. Głównym założeniem zaprojektowanego przez nas systemu oznakowania był więc wybór materiałów i form, które wpiszą się w zaproponowany przez architektów projekt. Postawiliśmy na charakterne grafiki, których inspiracją było otaczające nas miejsce. Pojawiające się w systemie ostre, geometryczne formy zostały optycznie zmiękczone poprzez nawarstwienie materiału. Jest to szczególnie widoczne w projekcie oznakowania pięter, tablicach, itp. Zostały one zrównoważone przez strzeliste piony, które nawiązują do charakterystycznych rytmów widocznych zwłaszcza w projekcie architektonicznym elewacji. Wszystkie grafiki, oznaczenia i piktogramy są ze sobą ściśle powiązane. Projekt graficzny systemu informacji wizualnej opiera się na bardzo charakterystycznym kroju pisma Right Gothic (Pangram Pangram), jego wybór i użycie determinuje kształt wszystkich komunikatów w systemie. Dominują mocne, rytmicznie rozmieszczone elementy, a wysmakowany detal odgrywa bardzo ważną rolę. Paleta barw jest mocno ograniczona i naturalna, tak aby przestrzeń stawała się dla użytkowników jeszcze bardziej przyjazna. Brak wyrazistych, soczystych kolorów uspokaja i ujednolica wnętrze oraz nadaje mu reprezentacyjny charakter. Projekt obejmował przygotowanie wayfinding’u dla 2 budynków kompleksu. Dla każdego z nich została dobrana osobna paleta kolorystyczna.
System informacji wizualnej dla Państwowej Ogólnokształcącej Szkoły Muzycznej w Katowicach
Modernizacja i rozbudowa budynku Państwowej Ogólnokształcącej Szkoły Muzycznej I stopnia w Katowicach oraz związana z tym zmiana dotychczasowych funkcji pomieszczeń spowodowała konieczność stworzenia systemu wspomagającego orientację w przestrzeni budynku. Głównym założeniem było zaprojektowanie eleganckiego, minimalistycznego i nowoczesnego w formie systemu, który będzie spójny z charakterem miejsca. Projekt systemu obejmuje serię łatwo rozpoznawalnych komunikatów wizualnych – czytelnych, doskonale wpisujących się we wnętrze szkoły. Istotnym aspektem projektu było zachowanie spójnego charakteru wszystkich elementów systemu – kroju pisma, piktogramów, sposobu komunikacji, nazewnictwa funkcji, a także rodzaju użytych nośników. Autorski zestaw linearnych piktogramów ułatwia młodym użytkownikom szkoły korzystanie z jej stref i funkcji. Do systemu informacji wizualnej zastosowano popularny krój pisma Roboto w odmianie Thin do podstawowych zastosowań, oraz odmiany Light oraz Regular do zastosowań uzupełniających. Piktogramy zostały zaprojektowane na podstawie charakterystycznych elementów tego kroju pisma, podkreślając spójność systemu. Oprócz walorów wizualnych konieczne było również zapewnienie trwałości nośników i umieszczonych na nich nadruków, odpowiedniej czytelności informacji oraz odporności na uszkodzenia. Projekt systemu zakłada również jego elastyczność, jest rozwiązaniem ekonomicznym oraz łatwym w montażu, a w razie potrzeby można wymieniać jego elementy lub dodawać nowe.
TAXI Łona x Konieczny x Krupa
TAXI to opowieść o ludziach w podróży i główna oś narracyjna w projekcie muzycznym Łona x Konieczny x Krupa. Różnorodność tej podroży i emocje, które ją budują, zestawione z surowością miasta nocą doprowadziły do stworzenia spójnego, wizualnego języka o charakterystycznych wartościach graficznych. Zaprojektowana narracja wizualna, szorstka i oparta na kontraście litery i koloru, domyka w klamrę kompozycyjną teksty Łony i bogatą strukturę muzyczną Koniecznego i Krupy. Rytmiczny układ linii, połączony z wyraźną typografią oraz fotografiami Andrzeja Koniecznego, tworzą bezkompromisowe relacje między kodem wizualnym, opowieścią drogi a muzyką. Projekt graficzny wydawnictwa TAXI, a także towarzyszących mu akcydensów, stanowi dopełnienie podróży, w swojej formie jednocześnie odwołując się do uniwersalnych doświadczeń zawartych w słowie. W bezpretensjonalnym kluczu graficznym zamykają się również wydania cyfrowe singli. Edycje drukowane sensorycznie rozwijają opowieść poprzez zastosowanie dyskretnych uszlachetnień: w wydaniu deluxe wykorzystanie folii metalicznej nawiązuje do samochodowego lusterka, a zniekształcone odbicie buduje bezpośrednią relację między odbiorcą a dziełem. Typograficzna tkanka na okładce, tracklista, to forma interpretacji mapy miasta, topografii myśli i rozdroży decyzji, w standardowej wersji nadrukowana na foliowy sleeve, który po zdjęciu oddaje głos fotografii Koniecznego. Wyraziste założenia projektu TAXI otrzymały oprawę wizualną, która podkreśla wyzwania i ambicje tej inicjatywy, ale przede wszystkim pozwala odbiorcy chwycić za klamkę do samochodowych drzwi, nie zdradzając zbyt wiele o celu tej podróży. Obfitość ludzkich relacji, obserwowanych z perspektywy podróży w taxi to potencjał materiału nagranego wspólnie przez Łonę, Koniecznego i Krupę. Dla tej podróży bogactwo emocji zostało zestawione z surowością i dystansem miasta a te z kolei stały się płaszczyzną do stworzenia wartości graficznych mających zamknąć całą inicjatywę w jeden spójny, wizualny język. Powstała zatem narracja wizualna która w swój szorstki i bazujący na silnym kontraście sposób staje się klamrą dla ciężaru tekstów Łony i bogatej struktury muzycznej Koniecznego i Krupy. Kompozycje oparte na relacji typografii z silnym kolorem oraz fotografiami wykonanymi przez Andrzeja Koniecznego domykane są tutaj z rytmicznym układem linii które dopełniają opowieść o podróży. W bezpretensjonalnym graficznym kodzie zamykają się wydania kolejnych singli. Edycje drukowane bardzo sensorycznie rozwijają opowieść przez zastosowanie dyskretnych uszlachetnień które odkrywamy podczas odpakowywania wersji deluxe - metaliczny, zniekształcony refleks będący odbiciem naszych własnych twarzy w lusterku taxi. Zanurzenie się w typograficznej tkance tworzonej z tracklisty - będącej interpretacją mapy miasta, topografii myśli i rozdroży decyzji to wartość jaką odkrywamy trzymając w dłoniach wersji standardową wydawnictwa. Bardzo wyraziste i ambitne założenia projektu Taxi otrzymały zatem oprawę która podkreśla wyzwania tej inicjatywy, stawia odbiorcę przed drzwiami samochodu jednak nie zdradza za dużo o celu podróży. dyrekcja artystyczna, projekt graficzny: Jakub Haremza, Marianna Czwojdrak zdjęcia (w projekcie): Andrzej Konieczny
Teatr Ludowy
Teatr dla wszystkich Teatr Ludowy to jeden z najważniejszych teatrów współczesnych w Krakowie. Historia instytucji sięga lat 50. XX wieku i powstania Nowej Huty – socrealistycznego założenia architektonicznego wybudowanego na potrzeby przemysłu hutniczego. Miejsce od początku istnienia związane jest z lokalną społecznością. Słowo “Ludowy” można odczytać jako “popularny” – skierowany do szerokiej grupy odbiorców, w tym robotników i budowniczych Nowej Huty. Obecnie teatr w swoim repertuarze ma propozycje dla dzieci, młodzieży oraz widzów dorosłych. Przedstawienia awangardowe, wyznaczające nowe kierunku w polskim teatrze, a także te bardziej popularne i mainstreamowe. Ludowy – krój pisma Szukając inspiracji dla nowego brandingu nie mogliśmy pominąć pięknego neonu na fasadzie frontowej teatru. Na jego podstawie stworzyliśmy krój pisma o nazwie „Ludowy”. Początkowo był przez nas zaprojektowany na potrzeby kilku liter do samego logotypu. Z czasem ewoluował w kompletny font, na którym oparliśmy key visual instytucji. „Ludowy” to Variable Font, czyli krój pisma który w jednym pliku zawiera wiele odmian. W zależności od rodzaju i długości tekstu może płynnie zmieniać swoją grubość, wysokość, szerokość czy pochylenie. Świetnie sprawdza się zarówno na plakatach, drukach, jak i w animacjach czy materiałach do mediów społecznościowych. Identyfikacja wizualna Proces kreatywny zaczęliśmy od przypomnienia sobie wizualnej historii Teatru Ludowego. Analizowaliśmy stare logotypy, plakaty, ulotki oraz przyglądaliśmy się architekturze budynku, w której działa teatr. Architektura socrealizmu i kultowy neon stały się inspiracją do zaprojektowania przez nas kroju pisma na którym zbudowaliśmy identyfikację wizualną, signage i wayfinding budynku. Wayfinding TIM W 2023 roku Teatr poszerzył swoją działalność, tworząc TIM, czyli Teatralny Instytut Młodych. To nowoczesny gmach, w którym odbywają się warsztaty, próby teatralne i spektakle skierowane do młodego widza. Oznakowania przestrzenne bazują na identyfikacji wizualnej Teatru Ludowego i liternictwie inspirowanym neonem. Dzięki temu nowoczesne przestrzenie TIM posiadają łącznik z historią Nowej Huty. Projekt objął m.in. dedykowany system wymiennych tablic z oznaczeniami dla zaplecza teatralnego oraz pomieszczeń biurowych, oznaczenia: scen, sal teatralnych, studia nagrań, archiwum, magazynów, pokoi gościnnych, ciągów komunikacji oraz pięter. Zespół projektowy: Studio Otwarte: Julek Wierzchowski, Patrycja Mola, Oksana Shmygol, Tomek Jurecki, Łukasz Wojtysko, Mirosław Kliś konsultacja typograficzna – Mateusz Machalski współpraca projektowa – Spoiwo Studio wdrożenie oznaczeń – BB Media Teatr Ludowy: dyr. Małgorzata Bogajewska, Jerzy Fedorowicz, Beata Strama, Katarzyna Dudek, Agnieszka Wierzbicka
The Infinite Maze
THE INFINITE MAZE to unikalna gra zawierająca 20 ilustrowanych kart z labiryntami oparta na całkowicie nowatorskiej koncepcji. Karty można ułożyć w dowolnej kolejności, w ponad dwóch trylionach różnych kombinacji, ale zawsze jest tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Każda karta przedstawia swój własny, niepowtarzalny świat. Istnieje wiele sposobów gry: gracze mogą rywalizować ze sobą w wyścigu przez labirynt lub współpracować, aby zaprowadzić swoją postać do domu. Mogą odnaleźć postacie, które zagubiły się w każdym ze światów, i pomóc im w podróży przez labirynt, lub używać kart do opowiadania historii. Nieskończona liczba tworzonych labiryntów gwarantuje zawsze tylko jedno prawidłowe rozwiązanie. Gra składa się z 20 kart, ulotki z instrukcją, zmazywalnego markera oraz pudełka. Przeznaczona dla graczy od 6 roku życia została wydana w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych i Niemczech przez wydawnictwo Laurence King Publishing. Autorska koncepcja mechanizmu gry, a także ilustracje i projekt graficzny całkowicie stworzone zostały przez Aleksandrę Artymowską. Ze strony wydawnictwa projekt nadzorowany był przez Philipa Contosa i Florence Filose.
UPCOMING23
UpComing to coroczna wystawa, która prezentuje najlepsze prace dyplomowe z dziewięciu wydziałów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Tegoroczna, 15. edycja pod tytułem HANDLE WITH CARE koncentruje się na temacie podróży — zarówno metaforycznej, jak i dosłownej — w której prace absolwentów są pakowane i wysyłane w ich zawodową przyszłość. Projekt wystawy i katalogu nawiązuje do motywów związanych z wysyłką i pakowaniem. W identyfikacji wizualnej wykorzystaliśmy materiały, takie jak karton i kolorowa taśma pakowa, a także elementy wizualne, jak etykiety dostawcze i symbole magazynowe. Każdy z dziewięciu wydziałów został oznaczony innym kolorem taśmy, co ułatwiało identyfikację i nawigację po wystawie i katalogu. Z 850 egzemplarzy katalogu każdy jest unikalny – ozdobiony ręcznie dziewięcioma kawałkami taśmy w różnych kolorach. Okładki wykonano z kartonu, a typografia została nadrukowana czarnym sitodrukiem. W projekcie wystawy głównym motywem stały się surowe materiały związane z przemysłem wysyłkowym, takie jak drewniane skrzynie i palety, stalowe konstrukcje i podajniki magazynowe oraz plastikowe kurtyny. Projekt identyfikacji wizualnej i katalogu: Ania Wieluńska, Claire Barrow Projekt wystawy i nadzór autorski: Łukasz Izert Processing: Piotr Welk Pełna lista osób odpowiedzialnych za projekt znajduje się pod załączonym linkiem.
znak na 65-lecie Karkonoskiego Parku Narodowego
Z okazji 65. rocznicy powstania Karkonoskiego Parku Narodowego zaprojektowaliśmy znak jubileuszowy. Szukaliśmy nawiązań do typografii i stylistyki z okresu powstania parku (1959 rok). Postanowiliśmy użyć fontu Neue Haas Grotesk Display Pro, który jest cyfrowym odwzorowaniem pisma Neue Hass Grotest, które zostało zaprojektowane w 1957 roku przez Maxa Miedingera. Zależało nam na prostocie przy jednoczesnym uzyskaniu stylu "retro". Zainspirowaliśmy się dawnymi turystycznymi emblematami, przypinkami i turystycznymi odznakami PTTK, starając się zawrzeć w projekcie także zniuansowane nawiązania do znaków z poprzednich jubileuszy KPN. Oprócz mocnych cyfr i wyrazistej stylistyki, ważne było dla nas umieszczenie w sygnecie symboli nawiązujących to tematyki parkowej. W znaku została umieszczona chorągiewka symbolizująca szczyt, tablica z oznaczeniem szlaku, drzewo iglaste oraz skała. Również kolory korelują z tematem przyrody. w Sygnecie pojawia się błękit nieba oraz zieleń nawiązująca do roślinności.
w ramach programu własnego Centrum Rozwoju Przemysłów Kreatywnych:
Rozwój Sektorów Kreatywnych.